viernes, 30 de marzo de 2012

1962 - ¿Qué sucedió en el mundo del cine? - (1962 - What happened in the world of cinema?





Fallecimientos:
Charles Laughton , actor y director.
Frank Borzage, director.
Marilyn Monroe, actriz.
Michael Curtiz, director de Casablanca,


Nacimientos:

Arnold Vosloo, actor.
Baz Luhrmann, director.
David Fincher, director.
Emilio Estévez, actor,  director.
Felicity Huffman, actriz.
Gina Gershon, actriz.
María Helena Doehring, actriz.
Matthew Broderick, actor.


Algunas películas realizadas en 1962:

ATRACO A LAS TRES, dirigida por José María Forqué con José Luis López Vázquez, Cassen, Gracita Morales.  Uno de los filmes más divertidos del cine español. Forqué aprovechó el talento cómico de López Vázquez y Alfredo Landa para contar el atraco de los trabajadores de un banco a su propia sucursal.


CANCION DE JUVENTUD, dirigida por Luis Lucia con Rocío Dúrcal. Las aventuras de unos chavales y chavales, que estudian en sendos colegios cerca del mar, uno llevado por curas estrictos, el otro por monjas más comprensivas y modernillas. Dirige Luis Lucia con las inevitables canciones de la debutante Rocío Dúrcal, que repitió con el cineasta en Rocío de la Mancha.

CHANTAJE CONTRA UNA MUJER, dirigida por Blake Edwards con Glenn Ford, Lee Remick. La cajera de un banco es acosada por un criminal que la obliga a participar en un atraco al lugar donde ella trabaja. La mujer pone el caso en conocimiento de la policía, pero el plan del delincuente sigue adelante. El ambiente de tensión creado por la fotografía en blanco y negro de Philip H. Lathrop y la inquietante música de Henry Mancini, contribuyen sobremanera a su excelente resultado final.

CONFIDENCIAS DE MUJER, dirigida por George Cukor con Shelley Winters, Claire Bloom. Paul Radford es un sexólogo decidido a realizar un estudio sobre las costumbres sexuales de las mujeres de Los Angeles. A su consulta llegan mujeres muy diferentes. Como Katheleen, una joven viuda, o Teresa, una madura casada que desea un romance con un jovencito musculoso. Cada mujer confesará al doctor sus deseos y temores esperando una solución a sus conflictos personales.

DULCE PÁJARO DE JUVENTUD, dirigida por Richard Brooks con Paul Newman. Chance Wayne (Paul Newman) es un joven conquistador y ambicioso que regresa a su pueblo natal, en el sur de Estados Unidos. Allí, años atrás, dejó embarazada a la hija de un político corrupto de la zona, interpretado por Ed Begley. Wayne viene acompañado de una bonita chica algo excéntrica, interpretada por Geraldine Page, que no vive sus mejores momentos como estrella de la pantalla, pero que ha prometido abrirle las puertas de Hollywood. El autoritario político no olvida lo ocurrido y se ha propuesto darle una razón al arrogante Wayne.

DÍAS DE VINO Y ROSAS, dirigida por Blake Edwards, Jack Lemmon, Lee Remick. Un verdadero drama, nominado para 5 Oscars. La música de Henry Mancini obtuvo el de mejor canción. El guión, de J. P. Miller, está basado en su propia novela. Las interpretaciones de Lemmon, contundente en su aspecto dramático, y la de Remick, no tienen fisuras. Aunque este género no fuera el habitual en Blake Edwards, convierte este detallado descenso a los infiernos del alcohol y la degradación en una de sus grandes películas.

DUELO EN LA ALTA SIERRA de Sam Peckinpah con Joel McCrea, Randolph Scott. Steve Judd, agente federal retirado, es contratado por un banco para transportar oro junto con dos colaboradores, entre ellos su antiguo colega Gil Westrum. Por el camino se les unirá una jovencita que está a punto de casarse. Se trata de uno de los primeros éxitos de Sam Peckinpah, que narra una historia clásica sobre la lealtad y sentido del deber. Los talluditos Joel McCrea y Randolph Scott bordan unos papeles muy nostálgicos. Y la estupenda y lírica banda sonora de George Bassman engrandece el aire crepuscular de la película.


EL DÍA MAS LARGO, dirigida por Ken Annakin con John Wayne, Robert Mitchum. El 6 de junio de 1944 las tropas aliadas desembarcan en Francia, lo que marca el principio del fin de la guerra, al terminar con la hegemonía de las tropas alemanas. En el famoso ataque participaron tres millones de hombres, 11.000 aviones y 4.000 barcos, lo que supuso la mayor operación militar hasta la fecha.

EL HOMBRE QUE MATÓ A LIBERTY VALANCE, de John Ford con John Wayne, James Stewart. James Stewart interpreta a un abogado que resulta herido tras el ataque a una diligencia. Es un hombre con convicciones, y jura atrapar al forajido responsable del robo. Pero él es un ciudadano civilizado que no entiende de pistolas, y necesita la ayuda de alguien al que no le cueste apretar el gatillo. El hombre adecuado es un forzudo, tan bravucón como implacable con los puños y con el revólver. El problema es que el malvado se llama Liberty Valance (Lee Marvin), y es uno de los más temidos del Oeste. La atractiva mujer interpretada por Vera Miles creará un conflicto entre el torpe Stewart y el duro Wayne. Es una película cumbre absoluta, que cuenta con un magnífico reparto de especialistas en el género. Tiene tensión, mezcla de emociones y, sobre todo, el brillante retrato de unos personajes peculiares y atractivos que Ford hacía como nadie.


EL ECLIPSE, dirigida por Michelangelo Antonioni con Alain Delon, Monica Vitti. Magnífica película de Michelangelo Antonioni, Premio Especial del Jurado en Cannes en 1962, que compone una trilogía de la soledad con La aventura y La noche. Se trata de una penetrante mirada al vacío interior, al amor que se agosta y que renace de sus cenizas, al desnortamiento de una sociedad que un día gana millones de liras en bolsa y al siguiente se desespera porque su dinero se ha esfumado...

EL MILAGRO DE ANNA SULLIVAN, dirigida por Arthur Penn con Anne Bancroft. Historia basada en hechos reales ocurridos hacia 1880 y narrados por Helen Keller en su autobiografía, inicialmente fue un telefilm escrito por William Gibson, luego obra de teatro, y finalmente película, que valió el Oscar a las dos principales intérpretes, Anne Bancroft y Patty Duke. Cuenta los esfuerzos de una maestra, Ana Sullivan, por enseñar el lenguaje a una niña ciega y sorda. Lejos de caer en una compasión contraproducente, Ana educa a la niña con dureza, ante el asombro de su mimosa familia, con vistas a que se esfuerce.

ESA CLASE DE AMOR de John Schlesinger con Alan Bates. Un delineante vive en un pequeño pueblo del norte de Inglaterra y pasa los días de la forma menos aburrida posible. Su ilusión en la vida es encontrar a una buena muchacha con la que ser feliz y formar una familia. Cuando se enamora de Peggy, una secretaria de su misma empresa, cree haber encontrado finalmente el amor... pero sólo se trata de sexo. Título clave del "free cinema" británico, narrado como una crónica social, sin muchos sentimientos y menos emociones, reflejando a la perfección el ambiente anodino del lugar donde se mueven los protagonistas. Oso de Oro en el Festival Internacional de Cine de Berlín.

FREUD, PASIÓN SECRETA, dirigida por John Huston con Montgomery Clift, Susannah York. A pesar de estar medio ciego y totalmente alcoholizado, viviendo sus últimos años como actor, Montgomery Clift realizó una excelente interpretación del célebre psiquiatra vienés en un complejo "biopic" de casi dos horas y media de metraje. El filme recorre la apasionante vida de este revolucionario médico que estudió las enfermedades mentales y descubrió las raíces del nervio acústico, resultando esenciales sus dos tratados sobre los sueños ("La interpretación de los sueños") y la sexualidad ("Tres ensayos sobre la vida sexual").

HATARI!, dirigida por Howard Hawks con John Wayne. La palabra que se utiliza en swahili para indicar "peligro" es "Hatari". Y es que el oficio de un intrépido y animado grupo de cazadores, que capturan animales vivos en África para destinarlos a zoológicos y circos de todo el mundo, requiere sin duda buenas dosis de valor y coraje. Para subrayar el riesgo que corren estos profesionales, Howard Hawks recurrió en este film a un truco muy eficaz: hacer que uno de ellos, el Indio, fuera herido, casi al principio, por un rinoceronte. De este modo no hay duda: estos hombres se encuentran en "hatari".

LA GRAN FAMILIA, dirigida por Fernando Palacios con Alberto Closas, Amparo Soler Leal. Película muy representativa de la España de los años 60, donde a pesar del desarrollismo continuaban los efectos de las carestías de postguerra, algo que notaban especialmente las familias numerosas. El film de Fernando Palacios cuenta, con mucho humor y buenos sentimientos, las vicisitudes de una numerosísima familia, los Alonso, compuesta por un matrimonio con quince hijos, a los que hay que sumar al abuelo y al padrino. Resulta inolvidable la búsqueda del perdido churumbel Chencho, perdido entre los belenes de la madrileña Plaza Mayor, que conduce a cambiar una carta a los reyes magos de un hermano, Críspulo, para pedir desinteresadamente algo tan valioso como el reencuentro fraterno.

LA MISTERIOSA DAMA DE NEGRO, dirigida por Richard Quine con  Kim Novak, Jack Lemmon. Amable comedia de suspense, en el guión intervino Blake Edwards, y dirige Richard Quine, que volvía a coincidir con Kim Novak y Jack Lemmon dos años después de Me enamoré de una bruja. El tono es ligero, con Novak de mujer misteriosa -no olvidemos que también dos años antes había hecho De entre los muertos (Vértigo)-, y Lemmon encarnando a la perfección al hombre corriente y risueño metido en líos. Curiosamente Fred Astaire asume un papel ligeramente serio, no es el hombre que estamos acostumbrado a ver en los musicales. Para intensificar la intriga se muestra un Londres nocturno con niebla. Destaca el excelente clímax junto al mar, con una escena de suspense muy hitchcockiana y de humor soterrado, donde la pareja protagonista debe encontrar a una testigo entre una multitud de ancianos en silla de ruedas cubierta; a esto se une una persecución de puro 'slapstick' con un Lemmon sencillamente genial.

LA SOLEDAD DEL CORREDOR DE FONDO, dirigida por Tony Richardson con Tom Courtenay. Tom Courtenay es un joven de la clase obrera en un suburbio de Nottingham. Después de robar en una tienda es enviado a un reformatorio, en donde recordará su existencia pasada. Su habilidad como corredor de fondo será aprovechada por el director del centro para intentar derrotar a un importante colegio privado. Un claro combate con el sistema establecido, una rebeldía con un presente y un futuro determinado y un inconformismo con una apelmazada sociedad, que sólo valora al individuo en su soledad vital, en pos de su contribución del regodeo del poder instituido. Tom Courtenay sensacional.

LAWRENCE DE ARABIA, dirigida por David Lean con Peter O'Toole, Omar Sharif. La película es el resultado de la primera colaboración entre el guionista Robert Bolt (Doctor Zhivago, La Misión) y el realizador David Lean. Bolt escribió su aventura en el desierto a partir de las memorias que el propio Lawrence narró en su libro "Los siete pilares de la sabiduría", pero dibujó el carácter del héroe según él mismo lo concebió. Al metódico Lean tocó sacar lustre al extensísimo guión. Experto en contar historias íntimistas y en dotar a sus personajes de una enorme riqueza interior, el director de Breve encuentro hizo algo que parecía imposible: trazar con profunda meticulosidad los caracteres de los personajes y conseguir a la vez una epopeya grandiosa de las hazañas de Lawrence y de la campaña británica en Oriente Medio.

LOLITA, dirigida por Stanley Kubrick con James Mason, Sue Lyon. Hubert Humbert, europeo de paso por Estados Unidos, se instala en Nueva Inglaterra en la casa de una viuda de clase media, obsesionada por la perfección de su hija Lolita. El propio Humbert acaba deslumbrado ante Lolita, e incluso se casa con su madre, para estar cerca de ella. Stanley Kubrick es el autor de la primera y mejor adaptación de la controvertida novela de Vladimir Nabokov, que se encargó personalmente de la escritura del guión. James Mason realiza una turbadora interpretación de un hombre abocado al desastre por su propia pasión desenfrenada. También destaca la presencia del inigualable Peter Sellers, en un múltiple papel.

MATAR UN RUISEÑOR, dirigida por Robert Mulligan con Gregory Peck. Dijo Kubrick que prefería adaptar libros de baja calidad, para que la gente no saliera del cine diciendo que "el libro era mucho mejor". No pensó lo mismo el productor Alan J. Pakula cuando descubrió el libro 'Matar a un ruiseñor', de Harper Lee, al poco tiempo de su publicación, y se dio cuenta de que era un excelente material que podría dar lugar a una gran película. La autora recuperaba en tono nostálgico episodios de su infancia, y de su amigo el escritor Truman Capote. Pakula y el director Robert Mulligan tuvieron la suerte de llegar a un acuerdo con la escritora justo antes de que ésta ganara el premio Pulitzer, lo que habría encarecido el precio. Pakula encargó el guión al dramaturgo Horton Foote, autor de 'The Chase', obra en que se basó La jauría humana. Cuando Pakula llevó el guión a los ejecutivos de Universal, éstos no parecían excesivamente convencidos. Por suerte, el hábil productor había conseguido que le llegara una copia del guión a Gregory Peck. Éste se sentía tan identificado con el personaje, que los estudios dieron luz verde al proyecto. Entre los miembros del reparto destaca la presencia de Robert Duvall, que debutaba en la gran pantalla.

REBELIÓN A BORDO, dirigida por Lewis Milestone con Marlon Brando. 1787. El capitán Bligh lleva el Bounty, un navíó inglés, en dirección a Tahití. Bligh resulta ser un despótico capitán, que causa indignación entre sus hombres. El primer oficial, Christian Fletcher, sabe que debe relevarle, pero intenta que los marineros no se amotinen. Recreación de una historia real, de la que existen otras dos versiones, una con Clark Gable y Charles Laughton, y otra más reciente, con Mel Gibson y Anthony Hopkins. Ésta cuenta a su favor con la prodigiosa interpretación de Marlon Brando, y el exotismo tahitiano.

VIVIR SU VIDA, dirigida por Jean-Luc Godard con Anna Karina. La triste vida de Nana, a través de los doce cuadros o 'tableaux' a que se refiere el título original. Con los modos del cine 'verité' y una mirada gélida no exenta de tristeza, el film parte de un desengaño sentimental de la protagonista, y de sus dificultades económicas que no logra paliar con su trabajo en una tienda de discos, para describir su inmersión en el mundo de la prostitución. De este modo Godard humaniza a las mujeres que venden su cuerpo, y trata de ser objetivo al describir su actividad y su capacidad de interesarse por cuestiones muy diversas, y hasta de filosofar.

¿QUÉ FUÉ DE BABY JANE?, dirigida por Robert Aldrich con Bette Davis, Joan Crawford. Es la historia de las hermanas Hudson, la niña prodigio Baby Jane (Bette Davis), y Blanche (Joan Crawford). Baby Jane es una ex-niña prodigio que quiere regresar a 1917, en la cumbre de su fama y, con su vestido blanco de encaje, volver a cantar "I have written a letter to daddy". Blanche es una gran estrella del cine que quedó paralítica por culpa de su hermana, que la mantiene aislada en su habitación, ocultándole las cartas de sus admiradores y poniéndole pájaros y ratas muertas en la comida... Blanche trata de cuidar de su hermana, alcohólica y desequilibrada. Con esta película, Robert Aldrich se plantea una producción barata tras el desastre de Sodoma y Gomorra. La idea parte de un guión de Lukas Heller, sobre una novela de Henry Farrell, y piensa en pocos decorados y escasos personajes. Su gran acierto es confiar en dos grandes estrellas de otra época, que realizan una interpretaciones fascinantes. Con ¿Qué fue de Baby Jane?, Aldrich crea un subgénero con características propias. Combinación  de melodrama y thriller de intriga policíaca que desemboca en la intriga y en el terror.



Premios Óscar de 1962 :
Mejor película: Lawrence de Arabia.
Mejor Director: David Lean por Lawrence de Arabia.
Mejor actriz: Anne Bancroft por El milagro de Ana Sullivan.
Mejor actor: Gregory Peck por Matar un ruiseñor.

jueves, 22 de marzo de 2012

My Week with Marilyn (Mi semana con Marilyn) - (2011) - (Director: Simon Curtis)



TÍTULO ORIGINAL:  My Week with Marilyn.


AÑO: 2011 
DURACIÓN: 101 min. 
PAÍS: Reino Unido.
DIRECTOR: Simon Curtis.
GUIÓN: Adrian Hodges (Libro: Colin Clark).
MÚSICA: Conrad Pope, Alexandre Desplat.
FOTOGRAFÍA:  Ben Smithard.
REPARTO: 
Michelle Williams, Eddie Redmayne, Kenneth Branagh, Emma Watson, Judi Dench, Dominic Cooper, Derek Jacobi, Julia Ormond, Toby Jones, Dougray Scott, Simon Russell Beale, Zoë Wanamaker, Geraldine Somerville.


PREMIOS 2011:
Oscars: Nominada a mejor actriz (Michelle Williams) y mejor actor sec. (Branagh).
2011: Globos de Oro: Mejor actriz comedia o musical (Williams). 3 nominaciones.
2011: Independent Spirit Awards: Mejor actriz (Michelle Williams).
2011: Premios BAFTA: 6 nominaciones, incluyendo Mejor película británica.
2011: Critics Choice Awards: 4 nominaciones, incluyendo mejor actriz (Michelle Williams).
2011: Screen Actors Guild: Nominados Mejor Actriz (Williams), Actor de Reparto (Branagh) .
SINOPSIS:  
El londinense Simon Curtis es un veterano de la televisión de su país. Ahora, debuta en la pantalla grande con esta adaptación de los libros "My Week with Marilyn" y "The Prince, the Showgirl and Me", de Colin Clark -director que se especializó en documentales televisivos sobre arte-, en los que documenta su pequeño romance con Marilyn Monroe durante el rodaje de El príncipe y la corista, dirigida por Laurence Olivier, que también era el protagonista masculino. Según sintetiza muy bien uno de los brillantes diálogos de esta cinta, el encuentro era muy importante tanto para Olivier, "un gran actor que anhelaba convertirse en estrella", como para Monroe, "una gran estrella, que deseaba mejorar como actriz".
Reconstruye la época en la que a pesar del poco apoyo de su familia, Clark, joven veinteañero apasionado del cine, decide entrar a trabajar en la productora de sir Laurence Olivier, uno de sus ídolos, justo cuando llega armando mucho ruido la estadounidense Marilyn, acompañada del dramaturgo Arthur Miller, su marido entonces. Pero Olivier pronto empieza a estar muy preocupado, pues la diva ha traído a su profesora de interpretación que manda más que él, es una actriz del método -lo que a él le parece una modernez desconcertante-, se deprime si no se le hace la rosca, y se hace esperar horas en el set. El hecho de que después el trabajo de Marilyn brilla en la pantalla no le apacigua. El único que parece poder comunicarse con ella y captar su atención es curiosamente Clark, el muchacho recién llegado, que aunque ha iniciado un romance con futuro con una buena chica, se verá tentado por la actriz...



COMENTARIOS:
Desde que se murió Marilyn, hace ya la friolera de 50 años, todo lo que se haga o diga de ella invita a venerarla cada vez más. Y no es para menos: estamos ante un mito absoluto de la gran pantalla, y del mundo erótico.
Es por eso que hacer una película sobre ella es realmente difícil, porque es verdaderamente inevitable la comparación y, claro está, inimitable el personaje, que era auténtico y no una mera ficción. Y sin embargo, no podemos decir otra cosa que no sea que Michelle Williams está sublime.
Ante todo un ejercicio de osadía. Tanto por parte de su director que se estrena en el largo proveniente del mundo de la tv y que se la ha jugado con un elenco de impresión y un mito de los considerados intocables. Osadía también por parte de Michelle Williams a quien un personaje como este podía consagrarla o frenar su exitosa carrera. Ambos han salido más que vivos del intento. Cualquier acercamiento al icono hará que se viertan opiniones encontradas y extremas sobre el sacrilegio y el acierto con que se retrata a Marilyn. No debemos olvidar que no es un biopic al uso sino la adaptación de una novela basada en su experiencia real de un momento determinado de la vida de su autor, Colin Clark, en la que se cruzó profesional y sentimentalmente con la estrella. Desde su propia visión y en apenas una semana se esboza el carácter inseguro, caprichoso, voluble y falto de estabilidad emocional que arrastraba entre pastillas una Marilyn rodeada de aduladores, incapaz de distinguir con claridad quien era Norma Jean y quien Marilyn Monroe. El complejo interior de Norma Monroe probablemente siempre quedará oculto por el brillo de su estrella y no es en este apunte cinematográfico donde se profundice en ello.


Después del "shock" inicial en los primeros minutos de tener que superar el contraste visual entre el magnetismo irrepetible que irradiaban Olivier y Marilyn con Branagh y Williams estos últimos se van afianzando en sus magníficas interpretaciones, calmando nuestra ansiedad y nos permiten disfrutar de su trabajo. Cine dentro del cine, donde asistimos de forma bastante light al infierno que debió ser el rodaje de "El príncipe y la corista", y a la gran mentira del cine con relación al teatro de donde provenía y adonde volvió Olivier. En el primero el espectador solo disfruta de la toma elegida, probablemente después de un buen puñado de intentos. Bien sabida es la proverbial falta de aprendizaje de los textos de Marilyn y sus retrasos que llevó al borde de la locura a directores y productores. La relación de amor incondicional que Marilyn tenía y tiene con la cámara es un don que solo pertenece a los elegidos y que no se aprende en las escuelas de método. Desde Enma Watson que comienza sus pinitos adultos, pasando por Julia Ormond, hasta el propio Eddie Redmayne todos están estupendos. Deliciosa la banda sonora y correcta la dirección de Curtis a quien acabos por agradecerle su osadía.
Nunca una actriz fue tan mítica e icónica. El paso del tiempo sólo ha engrandecido más su figura.

Tráiler:





Calificación: 3 de 6.

martes, 20 de marzo de 2012

Hugo (La invención de Hugo) - (2011) - (Director: Martin Scorsese)



TÍTULO ORIGINAL: Hugo
AÑO: 2011 
DURACIÓN: 127 min. 
PAÍS: EE.UU.
DIRECTOR: Martin Scorsese.
GUIÓN: John Logan (Libro: Brian Selznick).
MÚSICA: Howard Shore.
FOTOGRAFÍA: Robert Richardson. 
REPARTO: Asa Butterfield, Chloe Moretz, Ben Kingsley, Sacha Baron Cohen, Jude Law, Emily Mortimer, Michael Stuhlbarg, Ray Winstone, Christopher Lee, Richard Griffiths, Helen McCrory, Frances de la Tour.

PREMIOS:
2011: Oscars: 5 premios técnicos. 11 nominaciones, incluyendo mejor película y director.
2011: National Board of Review: Mejor película y mejor director.
2011: Globos de Oro: Mejor director. 3 nominaciones, incluyendo Mejor película dramática.
2011: Premios BAFTA: Mejor diseño de prod. y sonido. 9 nom, incluyendo mejor director.
2011: Critics Choice Awards: Mejor dirección artística. 11 nominaciones.
2011: Satellite Awards: Mejores efectos visuales. 5 nomin., incluyendo mejor película.
2011: Asociación de Críticos de Los Angeles: Mejor diseño de producción.

SINOPSIS:

París, tras la Primera Guerra Mundial. El pequeño Hugo Cabret, que ha heredado de su padre el gusto por los inventos, se ha quedado huérfano. Y tras desaparecer su viejo tío borrachín, que se ocupaba del mantenimiento del reloj de la estación de tren, vive solo en la torre, junto a la complicada maquinaria que ayuda a marcar las horas, sin que nadie lo sepa. Toda su ilusión es poner en marcha un autómata que andaba reparando su padre, y que cree que le ayudará a dar un sentido a su vida. Le ayudará Isabelle, que siempre ha deseado vivir una ventura, y se encuentra bajo la tutela de sus padrinos Georges y Jeanne. El viejo Georges regenta una tienda de juguetes mecánicos, de la que de vez en cuando Hugo birla piezas, y está amargado por algún suceso indeterminado del pasado.
COMENTARIOS:
La invención de Hugo, un viaje en el tiempo, una mirada a los principios del cine con Los Lumières, centrando la historia en el gran realizador Georges Méliès.
La historia nos cuenta la rutina de un pequeño huérfano que vive en la estación central de trenes de París, encargándose del mantenimiento de los relojes, (sin que nadie sepa que es él).
Quiero empezar por la estación en sí ya que es donde nuestro pequeño Hugo vive. La estación que ha plasmado Scorsese es mágica y cada personaje de la estación es especial, con su propia historia volviendo la estación más acogedora y familiar ya que Hugo vive ahí y es todo lo que él conoce, de esta forma estaremos más conectados con el personaje y la película. La dirección artística impecable, me encanta la fotografía, para mí han hecho un trabajo excelente con esos tonos azulados y ocres, me ha enamorado. Después está la banda sonora compuesta por Howard Shore que acompaña en cada momento a Hugo y los personajes de su alrededor y sus diferentes historias. Destaca el partido que se saca al tren que quiere salirse de la pantalla, guiño a los Lumière, pero también en los planos picados y contrapicados, e incluso en algunos primeros planos, y ello de un modo nada artificial, justificado por lo que se está contando. El ritmo es muy dinámico.

El cine es una fábrica de sueños, de eso no hay duda. Soñamos y recreamos nuestras ilusiones en la gran pantalla. Vamos a cine a engrandar el ojo, a ver cómo se proyectan las emociones, dejamos volar nuestro sitio en la butaca para transportarnos a los sucesos y personajes puestos en el gran lienzo. El cine es una máquina asombrosa que nos manipula y nosotros asentimos dichosos la burla de la que somos objeto. Ahora, cuando el asombro nos traslada a personajes del propio cine y nos deja ver cómo hicieron para idear que la gran pantalla fuera exitosa, ese asombro recae en nostalgia. Hugo Cabret, la película que obtuvo 5 de los 11 Oscar a los que fue nominada, nos permite entrar en la difícil vida de a quien le debemos que el cine sea un espectáculo, ese invento de ilusión, esa obra mágica de trucos y alucinaciones: George Méliès.
Ese señor fue quien fundó la primera industria de cine, pero paradójicamente cayó en bancarrota, su vida fue traumática aunque feliz, y el niño de la película de Scorsese: Hugo Cabret, hace que George no sea olvidado y potencie su amor por lo que ideó: hacernos asombrar, deleitarnos con el fulminante aparecer de efectos, pues George fue un mago que hizo teatro y luego pasó al cine; cuando los hermanos Lumiére presentaban esas imágenes del tren en apariencia descarrilado de la pantalla o las mujeres saliendo de las fábricas, George quedó tan encantado que no dudó que en hacer películas estuviera destinada su vida, y la historia cuenta que fueron más de 400 las que produjo: actuó, dirigió y financió. Montó un plató que permitía hacer efectos maravillosos, como recrear la ida a la luna, pelear con extraterrestres, tener películas de gente volando o del hombre de dos cabezas. En fin, la creatividad de este genio fue enorme.
Un mensaje, de la película es sobre arreglar las cosas. La vida de mucha gente está rota, y uno es infeliz sin saber por qué, hay que buscar lo que falla en nuestra vida e intentar solucionarlo. No todo se puede arreglar y que quede como nuevo pero sí que funcione, para así poder cumplir en un mínimo su función.
Gracias Scorsese por hacer este gran trabajo, la recomiendo.



Tráiler:




Calificación: 5 de 6.

martes, 13 de marzo de 2012

The Descendants (Los descendientes) - (2011) - (Director: Alexander Payne)




TÍTULO ORIGINAL: The Descendants .
AÑO: 2011
DURACIÓN: 110 min. 
PAÍS: EE.UU.
DIRECTOR: Alexander Payne.
GUIÓN: Alexander Payne, Nat Faxon, Jim Rash, (Novela: Kaui Hart Hemmings).
MÚSICA: Varios.
FOTOGRAFÍA: Phedon Papamichael.
REPARTO: 
George Clooney, Shailene Woodley, Amara Miller, Nick Krause, Patricia Hastie, Matthew Lillard, Judy Greer, Beau Bridges, Robert Forster, Barbara L. Southern, Mary Birdsong, Rob Huebel, Michael Ontkean, Troy Manandicm, Scott Morgan, Milt Kogan.

PREMIOS:
2011: Oscars: Mejor guión adaptado. 5 nominaciones, incluyendo mejor película.
2011: Globos de Oro: Mejor película dramática, mejor actor (Clooney). 5 nominaciones.
2011: Premios BAFTA: 3 nominaciones: mejor película, actor (Clooney) y guión adaptado.
2011: National Board of Review:  Mejor actor, actriz sec. (Woodley) y guión adaptado.
2011: Critics Choice Awards:  Mejor actor (George Clooney). 7 nominaciones.
2011: Asociación de Críticos de Los Angeles:  Mejor película. Finalista para mejor guión.
2011: Satellite Awards:  Mejor película y guión adaptado. 6 nominaciones.
2011: Independent Spirit Awards:  Mejor actriz secundaria (Woodley) y guión. 4 nomin.
2011: Premios Gotham:  Nominada a Mejor película, reparto y actriz (Shailene Woodley)

SINOPSIS:  Hawái es algo más que un lugar de playas paradisíacas. Las desgracias ocurren como en cualquier otro sitio, y Matt  King, abogado inmobiliario demasiado absorto en su trabajo, está sufriendo una de ellas. Padre de dos hijas -la jovencita Alex y la pequeña Scottie-, la esposa y madre, Elizabeth, está en coma irreversible tras un accidente acuático. No hay esperanzas de recuperación, sólo queda desenchufar la respiración asistida, y cuidarla hasta que muera. Si sobrellevar algo así ya es difícil, todavía lo es más cuando Matt se entera por Alex que Elizabeth le engañaba. Debe encajar y gestionar esta dolorosa noticia, con la asunción en serio de su responsabilidad de padre de familia y la culminación de la venta una importante propiedad familiar en una de las islas, de la que él es único depositario, y que le enraíza con la tierra y sus antepasados nativos.


COMENTARIOS:

Magnífica traslación a la pantalla de la novela homónima de Kaui Hart Hemmings, con guión del director, Alexander Payne, respaldado por el dúo de actores reconvertidos a guionistas que conforman Nat Faxon y Jim Rash. Se trata de una historia profundamente humana, de personajes muy bien perfilados, interpretados por un reparto sensacional donde brilla con luz propia George Clooney, perfecto en su rol de hombre corriente sobrepasado por los acontecimientos, pero también Shailene Woodley como su hija mayor, que aguanta sin titubeos los planos compartidos con la popular estrella. La niña Amara Miller es muy natural, y Nick Krause atrapa la idea de su rol, de atolondrado medio novio de Alex. Hay otros personajes con menos minutos en pantalla, pero con peso específico en la historia, y actores como Robert Forster, Judy Greer y Beau Bridges los bordan. También sale airoso Matthew Lillard en un papel difícil, su existencia y relación con Elizabeth son las que encauzan la tragedia en una dirección determinada.
A Alexander Payne (A propósito de Schmidt, Entre copas) parece que le gusta estructurar sus películas en torno a un viaje o desplazamiento que no sólo es físico sino también, y sobre todo, emocional. El cineasta arranca su historia con una familia en descomposición, con un futuro no demasiado prometedor, para mostrar cómo de lo que parece y es malo -el accidente, la infidelidad...­- puede surgir algo bueno -de la aceptación de la situación se pasa al conocimiento, la comprensión, el perdón, el amor en suma...- que tal vez ayude a recomponer lo que parecía irremisiblemente perdido. Con un esquema inteligente -etapas en el camino que incluyen la visita a amigos y familiares, y el hurgar en las heridas recién descubiertas-, y una feliz imbricación de la cuestión inmobiliaria -que invita a pensar en la tierra como algo más que una oportunidad de convertirse en millonario-, entrega una película que roza la perfección, donde a los momentos propicios para las lágrimas sabe darles, cuando conviene, algunos desahogos humorísticos muy de agradecer.

Es una cinta muy bien hecha, entretenida, graciosa a ratos, terrible a otros, con miserias y alegrías compartidas por muchas personas que se identifican parcialmente con los acontecimientos que nos cuenta. Recibir de golpe un accidente de la persona con la que compartes tu vida y, descubrir cosas que te hieren y te duelen, no es plato de gusto. A partir de ahí se suceden las emociones lógicas: rabia, dolor, humillación, curiosidad,... y, quizás al final, perdón. Pero esto en sí, no es algo que por sí mismo sea interesante, ya se ha visto muchas veces. Lo que gusta es la manera de contarlo. La peculiaridad de estos personajes que, intentan saber y hacen lo posible por averiguar. La joven Alex me ha sorprendido mucho. Además de ser guapa, interpreta a la perfección su papel de adolescente rica aburrida, rebelde y descarada. Su amigo es un elemento friki que al final cae simpático. La pequeña lucha como puede para vencer un momento tan trágico con solo 10 años. El padre se da cuenta de que vivía ajeno a su propia realidad y, trata de asumirlo y enmendarlo tragándose la frustración que siente por haber sido traicionado e, impotente por no poder tener una segunda oportunidad para ver si podía haber cambiado las cosas. De fondo, una negociación familiar sobre la posible venta de unos terrenos: ética y valores contra goloso dinero.
He de reconocer, que todo lo que hace Clooney últimamente, tiene bastante calidad. La verdad que el punto de partida de la historia, tan fatídico, crea una falsa ilusión de dramón a primera vista en el que puedes pensar que Clooney va a actuar de súper padre en una película de hospital mientras su vida personal se derrumba; nada más lejos de la verdad.
Una película inteligente, bellamente realizada, en un marco incomparable, pero todo tiene un sabor agridulce en las islas perfectas, donde gente lejos de ser perfecta vive, aquí reside el verdadero poder de la película.
Para terminar una reflexión personal, Clooney se merecía este Oscar, para mí el mejor papel de su carrera. Sólo espero que no se lo den dentro de un par de años por una obra menor… pero así es Hollywood.


Tráiler:




Calificación: 5 de 6.

lunes, 12 de marzo de 2012

One Day (Siempre el mismo día) - (2011) - (Director: Lone Scherfig)



TÍTULO ORIGINAL: One Day.

AÑO: 2011
DURACIÓN: 108 min.
PAÍS: Reino Unido.
DIRECTOR: Lone Scherfig.
GUIÓN: David Nicholls (Novela: David Nicholls)
MÚSICA: Rachel Portman.
FOTOGRAFÍA: Benoît Delhomme.
REPARTO: Anne Hathaway, Jim Sturgess, Patricia Clarkson, Romola Garai, Rafe Spall, Ken Stott.

SINOPSIS:
Emma (Anne Hathaway) y Dexter (Jim Sturgess) se conocen el día de su graduación universitaria, el 15 de julio de 1988. Ella es una chica de clase trabajadora que sueña con hacer del mundo un lugar mejor. Él es un joven rico con ganas de comerse el mundo. Durante veinte años, cada 15 de julio, se nos muestra cómo transcurre su vida y lo extraordinaria que es su amistad. Pero, por fin, un día ambos se dan cuenta de que lo que habían estado buscando durante años estaba delante de ellos.


COMENTARIOS:
El filme es la nueva película de la directora danesa Lone Scherfig, que tras cosechar éxitos en su país dio el salto al cine británico con la interesante "An education" y que ahora vuelve a rodar en aquellas tierras esta historia de encuentros y desencuentros, basada en una novela muy exitosa en el Reino Unido.
La cinta nos muestra la relación entre sus dos protagonistas desde sus años universitarios hasta los inicios de la madurez. A través de lo que sucede los 15 de julio de cada año, el espectador va siendo testigo de los vaivenes vitales y emocionales de Emma y Dexter, de los cambios que se producen tanto para bien como para mal, habla de como dos personas pasan de ser jóvenes a ser adultos, y de cómo aprenden a quererse a sí mismos y a la otra persona, dejando atrás los sueños de juventud, los desencuentros dolorosos y las equivocaciones cometidas por el camino. Además, el estilo, la elegancia, las localizaciones, y los regalos que depara en el montaje, le confieren a la voz de ya, una identidad propia.
Lone Scherfig y David Nicholls saben utilizar los patrones del melodrama clásico a favor de su historia, pero rechazando por completo los tópicos y los blancos o negros. Ninguno de sus personajes es demonizado o ensalzado, todos ellos se caracterizan por virtudes y defectos que los hace reconocibles; no se subraya el explotado tema de las diferencias de clase; se obvian y eclipsan las situaciones más tópicas y recurridas de este tipo de cine, apostando por momentos cotidianos que dan valor verdadero al tema central de la película: cómo los mejores amigos se convierten en dos personas imprescindibles el uno para el otro, y cómo el amor que surge entre ellos puede convertirse en el río por el que discurrirá su vida en esos veinte años en adelante

La película funciona muy bien, mostrando el inicio de la relación de ambos y sus primeros años, con esa sensación de que ambos quieren ser más que amigos, pero por diversas causas no lo reconocen abiertamente. Sus formas de ser les separan (él es un vividor sin preocupaciones y ella es más sensata, con los pies en la tierra). Luego, sus elecciones les van llevando por un camino y van perdiendo el contacto, aunque siguen estando muy presentes en la vida del otro. Como dice uno de los personajes de la película, ella hace que él sea mejor persona y a cambio él hace que ella sea más feliz.
Al buen tono del filme ayuda el buen hacer de sus protagonistas, que muestran una gran química en pantalla y dan vida con convicción a sus personajes. Y además que a mí Anne Hathaway me enamora cada vez que la veo en pantalla, con esa mezcla suya de belleza, inteligencia y sensibilidad.
A veces las películas que nos emocionan no tienen porqué ser las grandes obras maestras, o las propuestas más originales, o aquellas que aspiran a descifrar los grandes misterios de nuestra psique; sino que son esas películas que, por una razón u otra, son capaces de hacer saltar algún resorte de nuestra inteligencia emocional, o directamente, de nuestros sentimientos, y hacernos vivir lo que el cine siempre debería conseguir: emociones, sean cuales sean.
Una historia romántica que llega bien por su naturalidad, sin exageraciones, que ofrece una interesante exposición de las relaciones humanas.


Tráiler:


Calificación: 3 de 6.

sábado, 10 de marzo de 2012

Incendies (Incendies) -(2010) - (Director: Denis Villeneuve)






TÍTULO ORIGINAL: Incendies

AÑO 2010 
DURACIÓN: 130 min. 
PAÍS: Canadá.
DIRECTOR: Denis Villeneuve.
GUIÓN: Valérie Beaugrand-Champagne, Denis Villeneuve, (Obra: Wajdi Mouawad).
MÚSICA: Grégoire Hetzel.
FOTOGRAFÍA: André Turpin.
REPARTO: Lubna Azabal, Mélissa Désormeaux-Poulin, Maxim Gaudette, Rémy Girard, Abdelghafour Elaaziz, Allen Altman, Mohamed Majd, Nabil Sawalha, Baya Belal, Bader Alami, Karim Babin, Yousef Shweihat.

PREMIOS:
2010: Seminci: Mejor guión, Premio del Público, Premio de la Juventud.
2010: Oscars: Nominada a la Mejor película de habla no inglesa.
2010: Festival de Toronto: Mejor película canadiense.
2011: Premios BAFTA: Nominada a mejor película de habla no inglesa.
2011: Premios Cesar: Nominada a Mejor película extranjera.

SINOPSIS: Canadá. Dos gemelos veinteañeros, Simon y Jeanne, son testigos de cómo en pocos días la salud de su madre, Nawal Marwan, se resquebraja totalmente, de modo que acaba muriendo sumida en el más completo y desconcertante silencio. Cuando el notario amigo de la familia entrega el testamento de Nawal a sus hijos, éstos se enteran de que su padre no ha muerto -como ellos pensaban- y de que además tienen un hermano. El estupor y el disgusto son grandes, además de difíciles de digerir, porque para Jeanne y Simon esa noticia es la gota que colma el vaso en el anómalo comportamiento de su madre, que siempre actuó con ellos de manera extraña y aun distante. Ahora, la última voluntad de Nawal antes de recibir sepultura es que sus hijos busquen a su hermano y a su padre, y que les entreguen una carta a cada uno. Será Jeanne quien asuma la responsabilidad de iniciar las pesquisas, para lo cual se traslada a Oriente Medio con la intención de desentrañar la historia de su madre.



COMENTARIOS:

Durísima e impactante película canadiense, escrita y dirigida por el quebequés Denis Villeneuve, a partir de una obra de teatro del libanés Wajdi Mouawad. El resultado es un film terrible, en la línea de otros que hablan igualmente de las consecuencias de las guerras, como Vete y vive. Aquí nos introduce en una historia de dolor, venganza y sufrimiento, pero que la buena mano de Villeneuve hace digerible al no mostrar explícitamente los pasajes más tremendos del argumento. Las cosas pueden decirse sin que por ello haya que apartar los ojos de la pantalla, y eso se agradece. La historia de Nawal es un golpazo y nos introduce en una época -los años 60 y 70- de guerras y masacres en Oriente Medio, en donde diversas facciones religiosas y nacionalistas destrozaron la vida de miles de personas. Pero aquí no hay buenos y malos -"la situación es demasiado compleja como para simplificarla en polos maniqueístas", dice el director-, sino una espiral de maldad que sólo genera más maldad y que sólo puede terminar cuando el amor "rompa el hilo de la cólera", como dice uno de los personajes. Y esto es en definitiva lo que logra este denso film, que nos demos cuenta de que la violencia no es solución de nada, y sólo suma más dolor al dolor.

La película avanza a ritmo lento, con planos y diálogos largos, rodados con clasicismo, y poco a poco se va desenrollando la madeja de la historia de Nawal, que es también la historia de sus hijos. Para eso Villeneuve divide la narración en varios episodios, según los personajes de los que se trate o el lugar y el tiempo donde tienen lugar, de modo que la historia no está contada de modo lineal, sino que va del presente al pasado y viceversa. Aunque a veces desconcierta este vaivén, el conjunto funciona a la perfección y es ciertamente una elección más que acertada ante una narración que podría hacerse quizá demasiado áspera.


Las interpretaciones son maravillosas, sobre todo por parte del lado femenino, con una inconmensurable Lubna Azabal en el papel de Nawal, cuyo rostro pone los pelos de punta en escenas clave como la del autobús, y con la joven Mélissa Désormeaux-Poulin, que también brilla con luz propia como Jeanne. El film fue elegido para representar a Canadá en los Oscar.Destaco absolutamente todo en esta película pero lo que más me conmueve sin lugar a dudas es el personaje principal Nawal Marwan por todo lo que se puede llegar a admirar de una persona tan sobresaliente como ella. Su capacidad para sentir y creer diferente a lo que le ha sido establecido en su entorno, cómo va canalizando todas las cosas que se desencadenan en su vida y su radical evolución fruto de la injusticia más salvaje y feroz. Al final de la película me pregunto, ¿cuántas Nawal hay en el mundo?. Quizás sean más de las que nos parece. Ella es la protagonista absoluta de la historia y de la película.
Todo ello acompañado de una música siempre potente, entre la que se vuelve a intercalar Radiohead en momentos que te devuelven al principio de la película.
Y con una actuación magistral de todos los actores, destacando Mélissa Désormeaux-Poulin (desconocida para mí hasta ayer) y en especial Lubna Azabal, que ya me sorprendió con Lejos, Exils, Paradise Now y Otros tiempos. En esta ocasión dota al personaje de la madre de una humanidad, valentía y fortaleza con la que, cada vez que aparece en pantalla, te quedas en el asiento bien quieto y preguntándote por qué sus hijos no la llegaron a entender.
Y tras un metraje de 2 horas y 10 minutos, que no quieres que acabe, me quedé pasmado al acabar.



Tráiler:




Calificación: 4 de 6.

jueves, 8 de marzo de 2012

Forbrydelsen (Crónica de un asesinato) - (1ª temporada) - (TV)


(1ª TEMPORADA)



TÍTULO ORIGINAL: Forbrydelsen.
AÑO: 2007 
DURACIÓN: 20 capítulos de 55 min. 
PAÍS: Dinamarca.
DIRECTOR: Søren Sveistrup.
GUIÓN: Søren Sveistrup.
MÚSICA: Frans Bak.
FOTOGRAFÍA: Magnus Nordenhof Jønck, Eric Kress, Bo Tengberg.
REPARTO: Sofie Gråbøl, Søren Malling, Lars Mikkelsen, Bjarne Henriksen, Ann Eleonora Jørgensen, Marie Askehave, Michael Moritzen, Nicolaj Kopernikus, Bent Mejding.

SINOPSIS: Nanna Birk Larssen, estudiante danesa de secundaria, aparece brutalmente asesinada. A lo largo de 20 días de investigación policial, dirigido por la detective Sarah Lund (Sofie Gråbøl), se suceden los sospechosos, dentro de una trama de imprevisibles consecuencias políticas y personales. La cadena norteamericana AMC creó un remake con el título "The Killing".



COMENTARIOS:
El pasado Martes finalizó la primera temporada de esta gran serie, con el esclarecimiento del asesinato de Nanna Birk Larssen, y el final no decepcionó.
Había visto el remake americano y me había gustado bastante. Me enganche a ésta y poco a poco me ha ido gustando más y más, bastante más que  la americana. Es una serie magnífica. Esperaré con impaciencia la segunda temporada.
Sorprende, de entrada, que de un país del que apenas tenemos referencias televisivas, a partir de una producción sobria, sin aires presuntuosos, con unos actores desconocidos y una narración fluida, surja una serie tan rotunda que transmite desde el primer momento la sensación de referente televisivo.
La trama se desarrolla en tres frentes: (1) el policial, con dos detectives (mujer y hombre) bastante diferentes presionados por sus jefes, (2) el político, pues la chica es hallada muerta en el coche del candidato liberal a la alcaldía de Copenhague en plenas elecciones municipales, y (3) el familiar de la víctima, cuyos padres reaccionan de manera diferente a su tragedia, y el de familia de la detective: ambos entornos desintegrándose.
La investigación se desarrolla en 20 días de noviembre en Copenhague. El desfile de sospechosos tras cada nueva revelación es constante. La falta de luz, ominosa. La serie refleja un modo de vida muy diferente al español, lo que para mí la hace muy interesante.
La historia de la campaña a alcalde de Copenhague son importantes para el desarrollo de la serie, el candidato, Troels Hartmann se presenta como un tipo ambicioso pero con principios, deseoso de llevar aires nuevos a sus ciudad. Eso sí, esconde un lado más oscuro que hace aparición esporádicamente. En ‘Forbrydelsen’, toda esta sub-trama está muy bien manejada e integrada con el resto de la serie.
Apoyándose en el apartado técnico, sencillamente inmejorable, consigue articular un estilo visual muy singular, empezando por una estupenda fotografía, que crea la atmósfera precisa, de tonalidades duras y frías, y unos encuadres muy estudiados, excelentes en los espacios solitarios. Por otra parte la realización y la música mantienen un ritmo constante, la utilización de los silencios termina por subrayar la precisión narrativa. Todo ello contribuye a que la sensación de suspense sea muy acusada.
Los actores están impecables, hieráticos, contenidos; un recital de expresiones afiladas, miradas aceradas y mandíbulas tensas, pero sobre todos ellos emerge el personaje de la detective Sarah Lund, armada de una engañosa fragilidad. Desde su primera aparición muestra una determinación obsesiva en la búsqueda del asesino que acabará rayando en la paranoia, convirtiendo su interpretación en el alma de la serie.


Tráiler:




Calificación: 4 de 6.