sábado, 29 de septiembre de 2012

Imágenes y frases de cine: “Cuando Harry encontró a Sally”



Un fotograma, una frase, una imagen, un instante….para el recuerdo:

“Te quiero cuando tienes frío estando a 21º, te quiero cuando tardas una hora para pedir un bocadillo, adoro la arruga que se te forma aquí cuando me miras como si estuviera loco, te quiero cuando después de pasar el día contigo mi ropa huele a tu perfume y quiero que seas tú la última persona con la que hable antes de dormirme por las noches. Y eso no es porque esté solo ni tampoco porque sea nochevieja. He venido aquí esta noche porque cuando te das cuenta de que quieres pasar el resto de tu vida con alguien, deseas que el resto de tu vida empiece lo antes posible”.

(Cuando Harry encontró a Sally)

viernes, 28 de septiembre de 2012

Imágenes y frases de cine: "Shakespeare in Love"



Un fotograma, una frase, una imagen, un instante….para el recuerdo:


- Decidme, ¿tanto la amáis?

- Ella es la enfermedad y la cura al mismo tiempo.

(Shakespeare in Love)

In a Lonely Place (En un lugar solitario) - (1950)



TÍTULO ORIGINAL: In a Lonely Place

AÑO: 1950
DURACIÓN: 91 min.

PAÍS: EE.UU.
DIRECTOR: Nicholas Ray.

GUIÓN: Andrew Solt.
MÚSICA: George Anthei.l

FOTOGRAFÍA: Burnett Guffey.

REPARTO:

Humphrey Bogart, Gloria Grahame, Frank Lovejoy, Robert Warwick, Jeff Donnell, Martha Stewart, Carl Benton Reid, Art Smith, Morris Ankrum, Steven Geray, William Ching

SINOPSIS:

Dixon Steele (Humphrey Bogart) es un prestigioso guionista, cínico y con una filosofía algo escéptica ante la vida. Está atravesando una mala racha porque no encuentra la inspiración adecuada para su próximo argumento. De repente, se encuentra con que es el principal sospechoso de un misterioso asesinato. El fue la última persona que vio viva a una joven que ha aparecido muerta. Esta joven era una ferviente admiradora suya, y quería ver cómo trabajaba su escritor favorito. El detective Burd Nicolai (Frank Lovejoy), un antiguo amigo suyo, le somete a una dura presión. Dixon encuentra en Laurel Gray (Gloria Grahame), su vecina, la coartada perfecta para que la policía le deje en paz, y así pueda centrarse en su próximo guión. De manera inevitable, el amor surge entre ellos. Pero a medida que avanzan en su relación, Laurel descubre que Dixon es un tipo algo desequilibrado y violento, lo que le hace pensar que no es una locura creer que fuera el verdadero asesino de la joven.

COMENTARIOS:

ÉL: ¿Cenaremos esta noche?

ELLA: Esta noche cenaremos, pero no juntos.


Antes de rodar su obra más representativa bajo contrato con la Warner, la inolvidable “Rebelde sin causa”, rodó este híbrido drama, con su particular estilo, que tomando las características principales del cine negro, se introduce en un cine de autor siempre entusiasmado por explorar los límites de los sentimientos humanos. Esta idea se podría aplicar a la mayoría de las películas de Ray, convirtiéndolo en un director diferente.

El guión de “En un lugar solitario”, se basa en la novela homónima de Dorothy Hughes, publicada en 1947. Retrata la figura de un guionista cinematográfico en horas bajas, de repudiable carácter, desde la perspectiva que el cine negro había hecho inmensamente famoso a Humphrey Bogart. La perspectiva de personajes como Philip Marlowe o Sam Spade, que el irremplazable actor ya había interpretado bajo la tutela de John Huston o Howard Hawks. Estos eternos moradores de la soledad y las sombras, en esta obra se convierten en un ciudadano corriente de la clase media de Hollywood y cuyo auténtico rol en la historia es el de eterno culpable.

Dix Steele es ese guionista violento y conflictivo interpretado magistralmente por Bogart, que tiene el arduo trabajo de adaptar al cine un best-seller de escasísima calidad. Tras enterarse en el club que frecuenta, de que Mildred, la chica del guardarropa ha leído la novela, la convence para llevarla a su apartamento y que le cuente la historia. A la mañana siguiente la policía se presenta en el apartamento, situando a Steele como primer sospechoso de la muerte de Mildred.

La película queda definida por la relación entre los dos personajes principales, en un careo entre dos colosos del cine clásico como son Humphrey Bogart y Gloria Grahame. Bogart tenía en su bolsillo a la industria, al público y a la crítica, con sus interpretaciones de tipo duro, sin escrúpulos, solitario y oscuro. Este papel parecía escrito para él. La violencia, la infinita seguridad en sí mismo, la actitud despectiva ante el resto del mundo y unos diálogos genéricos del cine negro, que siempre dan la réplica perfecta al amor incondicional que recibe del personaje de Grahame, dejaron la impronta de un mítico personaje más. El personaje de Bogart convierte el amor entre ellos, en un lugar solitario.

Gloria Grahame es la abnegada amante. Esa amante que representa con claridad infinita lo que significa algo tan bello como el amor incondicional. Esta actriz parecía haber nacido para el cine negro. Su belleza y su innata capacidad para representar la inocencia hace de ella una actriz perfecta para este papel. Esa misma capacidad la convertiría en una de las actrices por excelencia de los años 50, en películas como “Los Sobornados” del maestro Lang. Esa belleza de Grahame está cerca de lo salvaje, en un papel más amable, adulto e inteligente a los que acostumbraba.

Ray cuida estos detalles que generan ambivalencia y el espectador se va contagiando de las mismas dudas que los personajes. Como cuida con exquisito tacto cinematográfico el relato: nos brinda esa conversación de gestos en el café-cantante mientras la sensual voz negra satura de romanticismo el audio. Y nos brinda un gran secundario, el actor borracho y declamatorio cuyas frases se tiñen de una nobleza caída en desuso.

Es poética la amargura con que Ray enseña el efecto desastroso de la violencia que brota explosiva y torrencial para desmentir el lado seductor y detallista, para fumigar con veneno ególatra todo encanto y amenazar el porvenir de un idilio que quiere brotar con cierta grandeza.

Excelente joya para los amantes del cine negro, desdichadamente en situación moribunda en la actualidad: se ha sustituido al cine por: 1. espots publicitarios o 2. Intentos de reflejar la dureza de la realidad sin más pretensiones, eso sí, muchos efectos especiales y desnudos a las primeras de cambio. La pasión por el oficio y la seriedad del buen cine han desaparecido sin dejar rastro. Afortunadamente nos quedan obras estimulantes y maravillosas como esta.

Actuaciones, realización y banda sonora nos brindan una interminable lección de cine.

Es la poética amargura de esa frase que flota sobre la película:

“Nací cuando ella me besó. Morí cuando me abandonó. Viví unas semanas mientras ella me amó.”


Tráiler:


Calificación: Excelente.

jueves, 27 de septiembre de 2012

Glosario del cine: F - M



F-M



Falta de raccord/racor. Es la ausencia de coherencia entre dos planos. Algo que sobra o que falta, una copa vacía y luego llena. En realidad se llama a cualquier incoherencia entre secuencias, a un anacronismo muy significativo, no previsto, de época (un reloj en un personaje medieval).

Film editor: (Ang.) Nomenclatura que recibe el montador en lengua inglesa.

Filmoteca nacional. Es un organismo oficial que depende del Instituto de la Cinematografía y las Artes Audiovisuales (ICAA). Su función prioritaria es recuperar, restaurar, archivar, analizar y exhibir la totalidad de las películas nacionales. Posee un fondo con todas las publicaciones cinematográficas nacionales importantes y contribuye al conocimiento del cine español. Hay Filmotecas en varias Comunidades Autónomas.

Flashback (vuelta atrás). Es un recurso narrativo por el que se cuentan hechos ya sucedidos. Por medio del recuerdo, del sueño, de la narración de una historia, de la diferente óptica de un suceso por parte de varios personajes, a partir de la lectura de un libro de historia. Como ejemplo se puede poner Ciudadano Kane, de Orson WeIles.

Flashforward (ir hacia delante). Es una escena soñada, o proyectada hacia el futuro, o pensar lo que hubiera sido. La secuencia de los panecillos de Charles Chaplin en La quimera del oro, o los sueños de los personajes del pueblo en Bienvenido, Mister Marshall, de Luis G. Berlanga.

Fotograma. Cada uno de las imágenes que se suceden en una película cinematográfica rodada en celuloide. Es el elemento más pequeño de la película.

Frame: (Ang.) Equivalente del fotograma en soporte magnético (cinta de vídeo, donde la imagen está codificada electrónicamente). Un segundo de vídeo está compuesto de diversos números de frames, según la norma de grabación. En la norma PAL, utilizada en la mayoría de países europeos, un segundo contiene 25 frames. En la norma NTSC, estándar norteamericano, un segundo contiene aproximadamente 30 frames.

Free cinema. En Gran Bretaña, es el equivalente al «cinema verité» en Francia. El «free cinema» se encuadra dentro de una estética contestataria, insatisfecha con la sociedad en que vive, crítica para con su sociedad puritana y clasista; plantea las inadaptaciones sociales que ocasiona la vida en las grandes ciudades industriales y la soledad del hombre contemporáneo en ellas. Los cineastas más representativos han sido Lindsay Anderson, Tony Richardson o Karel Reisz. En la Alemania federal, el «nuevo cine alemán» generó cineastas como Fassbinder, Herzog o Wenders. Hay que tener en cuenta en todos ellos la influencia del «mayo del 68».

Fuera de campo. Acción o diálogo que oímos pero no vemos ya que tiene lugar fuera del campo visual o campo de la cámara.

Fundido. Es una transición entre planos, en la que desaparece progresivamente la imagen que se fundía en negro y se disuelve por completo antes de que otra imagen surja de la misma oscuridad. Oscurecimiento gradual de la pantalla hasta quedar totalmente negra (fundido en negro) o, excepcionalmente de otro color, abriéndose el siguiente. Fade-in se llama al que cierra y fade-out al que abre. Se usa para indicar el paso del tiempo o un cambio radical de escenario.

Fundido encadenado. Es un fundido más suave, en el que el plano es sustituido por otro que se le superpone progresivamente, sin corte.

Gag. Es un «golpe cómico» que no se espera. Puede ser visual, verbal o sonoro. Es tan importante en la historia del cine que durante muchos años ha existido en Hollywood la profesión de «gagman», que era quien inventaba las ocurrencias. En las películas cómicas estaba al lado del director para improvisar situaciones durante la misma acción del rodaje.

Género. Es una forma de clasificar las películas por su temática o estilo. Se habla de musical, policiaco, histórico, documental, etc.

Grúa. El vehículo que soporta la cámara, que va sobre una plataforma giratoria y permite realizar multitud de movimientos. Es esencial para los planos secuencia complicados.

Guión. Es la idea de lo que va a ser la película plasmada por escrito, con narración, diálogos, descripción de personajes y escenarios.

Guión técnico. Es el guión al que se añaden multitud de anotaciones y elementos que tienen que ver con el rodaje. Tiene más que ver con la planificación.

Jirafa/Boom. Es el soporte telescópico que se utiliza para sujetar el micrófono sobre los actores y moverlo al lugar necesario para captar todos los diálogos. Se coloca a suficiente altura sobre los intérpretes con el fin de que la cámara no lo filme.

Jump-cut: (Ang.) Montaje que supone un salto visible en la continuidad de la acción, provocando un salto apreciable, ya dsea de personajes o situaciones.

Largometraje. Película de duración superior a 60 minutos.

Mediometraje. Película con duración entre 30 y 60 minutos.

Melodrama. Género en el que se entremezcla lo sensible y emocional a la vida cotidiana.

Montaje. La organización de la película tras el rodaje. Elegir, cortar y pegar los diferentes trozos de película, con una idea determinada por el guión. Durante el proceso de montaje se seleccionan y descartan secuencias y se imprime el ritmo a la película.

Imágenes y frases de cine: “Cirano de Bergerac”



Un fotograma, una frase, una imagen, un instante….para el recuerdo:

- Un beso es un acento invisible en la palabra amor.

(Cirano de Bergerac)

miércoles, 26 de septiembre de 2012

Imágenes y frases de cine: “Los puentes de Madison”


Un fotograma, una frase, una imagen, un instante….para el recuerdo:



“Creo que los lugares en que he estado y las fotos que he hecho durante mi vida me han estado conduciendo hacia ti”

(Los puentes de Madison)

High Noon (Solo ante el peligro) - (1952)




TÍTULO ORIGINAL: High Noon

AÑO: 1952

DURACIÓN: 84 min.

PAÍS: EE.UU.

DIRECTOR: Fred Zinnemann.

GUIÓN: Carl Foreman.

MÚSICA: Dimitri Tiomkin .

FOTOGRAFÍA: Floyd Crosby.

REPARTO:

Gary Cooper, Grace Kelly, Thomas Mitchell, Lloyd Bridges, Katy Jurado, Otto Kruger, Lon Chaney Jr., Henry Morgan, Lee Van Cleef, Ian MacDonald

PREMIOS :

1952: 4 Oscars: Actor (Gary Cooper), montaje, bso drama, canción. 7 nominaciones

1952: Círculo de críticos de Nueva York: Mejor película

SINOPSIS:

Will Kane (Gary Cooper), el sheriff del pequeño pueblo de Hadleyville, acaba de contraer matrimonio con Amy (Grace Kelly). Los recién casados proyectan trasladarse a la ciudad y abrir un pequeño negocio; pero, de repente, empieza a correr por el pueblo la noticia de que Frank Miller (Ian MacDonald), un criminal que Kane había atrapado y llevado ante la justicia, ha salido de la cárcel y llegará al pueblo en el tren del mediodía para vengarse de Kane. El tiempo va pasando lentamente, pero nadie en el pueblo está dispuesto a ayudar al sheriff.

Mítica interpretación de Gary Cooper, el galán maduro por excelencia. Filmada a tiempo real (lo que significa que la acción dura lo mismo que el film), esta obra maestra de Zinnemann ofrece, entre otras cosas, una parábola de la Caza de Brujas. Si nadie se oponía al maccarthysmo, tampoco hay muchos voluntarios para ayudar a un sheriff de pueblo que, en el día de su boda, debe enfrentarse a unos forajidos. Cuatro merecidos Oscar obtuvo el film en 1953, incluidos los de mejor película y el de Gary Cooper, que comparte cartel con una bellísima Grace Kelly.



                COMENTARIOS:

Si lo más preciado que tenemos es la vida, cabe preguntarse entonces que es lo que mueve a una persona a arriesgarla de una forma tan evidente para librar a una comunidad de un delincuente con ansias de venganza. Unos habitantes que por unos u otros motivos no solo no están dispuestos a ayudarle, sino que sus autoridades le liberan incluso de ese deber. Su reciente y preciosa mujer tampoco lo entiende y se posiciona en su contra. Un hombre contra el mundo y a merced de su destino. Cuando después de irse, decide dar la vuelta, quizás lo que está haciendo es lo único que puede hacer un hombre digno e íntegro. Él sabe que no puede huir eternamente, no ya de los asesinos, algo que ya de por si no sería tarea nada sencilla, pero sobre todo de lo que no se puede huir es de uno mismo.

Era una apuesta arriesgada la de Zinnemann, nada menos que Gary Cooper, un sheriff del oeste americano, pidiendo ayuda, sintiendo miedo, por ello incluso el protagonista recibió críticas airadas por algunas de las estrellas del Hollywood de entonces. Pero esa apuesta le salió muy bien al director, más allá de si había o no, una crítica vedada a la caza de brujas, la película ganó con todo merecimiento cuatro Oscar y estuvo nominado a otros tres más. Que canción de Tiomkin, simplemente una maravilla, se mete en el cerebro y ya no puedes dejar de tararearla. Que prodigio de montaje, extraordinario, los momentos, las caras, los objetos, los detalles. Que enorme trabajo de Cooper y que belleza la de Kelly. Y que bien también los secundarios, algunos de ellos primeras figuras ya entonces.

Excelente y mítico western que se presenta como una parábola sobre la famosa caza de brujas liderada por el senador McCarthy. De hecho, el propio guionista Carl Foreman fue incluido en la fatídica lista negra. Narrada en tiempo real, la película consigue a través de la propia acción una angustiosa atmósfera que va crescendo hasta un memorable clímax que concentra toda la esencia del género. En Solo ante el peligro el tiempo es sumamente importante, ya que es el que nos va a ir marcando el ritmo y el desarrollo de la historia, es aquí donde el director Fred Zinnemann entra en juego insertando periódicamente el plano de un reloj para incrementar la tensión.

Este film es emblemático, no solo porque logró llevarse 4 premios Oscars o porque consiguió la fama mundial, sino también porque revitalizó el género, alcanzando la cumbre del western psicológico, que naciera con “La diligencia”. Retrata la soledad, el sentido del deber, la ley y el orden en un cobarde microcosmos que es acompañado por una turbulenta sub-trama sentimental, todo ello contado con una narración que genera un suspense que te atrapa.

Es imposible quitarse de la cabeza la sublime actuación de un grandísimo Gary Cooper y la canción "High Noon", compuesta por Dimitri Tiomkin junto a Ned Washington e interpretada por Tex Ritter, padre del actor John Ritter. Por último, también mencionar el reparto femenino compuesto por una siempre estupenda Grace Kelly y la actriz mexicana Katy Jurado, en un personaje que brilla en cada plano en que aparece.

Un film de impecable factura que posee unos ingredientes que siempre se conservan frescos: una base psicológica, una fina capa dramática y sentimental, que son aderezadas con un ritmo y un dominio de la imagen realmente envidiables.


Tráiler:

Calificación: Magnífica.

domingo, 23 de septiembre de 2012

Imágenes y frases de cine: "Tierras lejanas"


El western, que tantas obras maestras nos ha dado, ofrece gran cantidad de frases y diálogos memorables, duros, cortantes….

-James Stewart: "¿Por qué no se fía de los hombres?"

-Ruth Roman: "Porque una vez me fie de uno".

"Tierras lejanas"

Eu cand vreau sa fluier, fluier (Si quiero silbar, silbo) - (2010)





TÍTULO ORIGINAL: Eu cand vreau sa fluier, fluier

AÑO: 2010

DURACIÓN: 94 min.

PAÍS: Rumanía.

DIRECTOR: Florin Serban.

GUIÓN: Catalin Mitulescu, Florin Serban (Obra: Andreea Valean).

FOTOGRAFÍA: Marius Panduru

REPARTO: George Pistereanu, Ada Condeescu, Mihai Constantin, Clara Voda-

PREMIOS.

2009: Festival de Berlín: Gran Premio del Jurado.

2010: Premios del Cine Europeo: Nominada a Mejor actor (George Pistereanu.)



SINOPSIS:

Cuando faltan dos semanas para que Silviu salga de un centro de detención de menores, recibe la visita de su hermano pequeño, que le cuenta que su madre, que acaba de llegar de Italia, quiere llevárselo con ella. Silviu tiene razones para tratar de impedirlo por todos los medios. Mientras tanto, se enamora de una chica de un grupo de estudiantes de sociología que va al centro a hacer prácticas.

COMENTARIOS:

Ganadora del premio especial del jurado en el Festival de Berlín del 2009, para más inri representante de Rumanía para los Oscar, la ópera prima de Florin Serban es la historia de amor entre dos hermanos en clave thriller. Silviu, nuestro protagonista, está dispuesto a abandonarlo todo y a hacer cualquier cosa para que su hermano pequeño no tenga su mala suerte. Encerrado desde su reformatorio, Silviu pondrá en jaque a todas las autoridades, y el espectador se verá inmerso en una trama tensísima. Silviu mira, respira y camina, todo mientras la cámara lo persigue al más puro estilo dardeniano. Si algo comparte con todas sus compatriotas cinematográficas es el magnetismo de una historia de violencia y corrupción que también puede leerse en clave social. Por ello, uno de los máximos aciertos de la cinta es reducir al máximo tanto su historia como sus diálogos: dejar al espectador sin información es la mejor estrategia para que el giro de trama final llegue a nuestros ojos con toda su virulencia. Si se sabe ir más allá, “Si quiero silbar, silbo” puede interpretarse como el cuento de un despertar sexual teñido de rojo, o una llamada de atención rebelde y adolescente a las adormecidas autoridades policiales). También una indirecta descripción de la Rumania decadente de hace dos décadas, marcada por el camino de esos dos hermanos (el primero es consciente de sus limitaciones, mientras que el segundo, como cambio generacional y también social, puede 'salvarse' dentro de la lógica de la historia). Este cuento de expiación y sacrificio explota en la pantalla gracias sobre todo a su actor protagonista, un George Pìstereanu.

Si el valor de una película se calculara por su relación calidad/precio está claro que esta se llevaría un 10 muy merecido. Si tenemos en cuenta que la ayuda institucional a todo cine Rumano está mucho por debajo de cualquier de las indemnizaciones que se han llevado estos ilustres rateros de la banca española el mérito se incrementa como una típica burbuja inmobiliaria.

Hecha la bromita, hay que decir que la cinta nos narra un drama de reformatorio que está a la altura de "Un profeta" si tenemos en cuenta su fortaleza y contundencia, a la vez que también me recuerda la angustia de "La soledad del corredor de fondo". A partir de una propuesta sencilla y muy típica (la vida de un joven residente para superar cualquier obstáculo y humillación para conseguir proteger a su hermano) se nos muestra toda una serie de imágenes y escenas sugerentes con unos diálogos mínimos -incluso en exceso- que van perfilando, con una historia de amor incluida, un final necesariamente dramático pero digno y lleno de sentido para el protagonista.

La obra, a pesar de ser la ópera prima del joven director Florin Servan, llega avalada por máximo galardón al Festival de Berlín y por ser candidata a los Oscars. A destacar la magnífica interpretación del joven protagonista y el ritmo de guion que no permite ningún descanso a pesar de que los diálogos no sean más que los imprescindibles. La cámara con sus movimientos y encuadres nos permite ser partícipes de casi cada una de las respiraciones y angustias del protagonista hasta el límite de meterte en su piel y "entender" su expiación. Y éste, a mi parecer, es el gran mérito de la cinta: hacerte sentir todos los miedos de un joven que la vida ha maltratado de una forma brutal y persigue con toda su energía un objetivo muy loable a pesar de un sistema represivo e inútil el sentido de la reinserción, si bien el film concede al menos una cierta esperanza para los más jóvenes, nacidos tras la transición a la democracia, representados por el hermano menor. Increíble interpretación del joven George Pistereanu, que interpreta al inadaptado protagonista.

Tráiler:


Calificación: Magnífica.

Imágenes y frases de cine: “El paciente inglés”



Un fotograma, una frase, una imagen, un instante….para el recuerdo:


"Todas las noches se me desgarra el corazón, pero por la mañana estoy entero"

(El paciente inglés)

viernes, 21 de septiembre de 2012

Imágenes y frases de cine: “Casablanca”




Un fotograma, una frase, una imagen, un instante….para el recuerdo:

Yvonne (Madeleine Lebeau): "¿Donde estabas esta mañana?

Rick (Humphrey Bogart): “No recuerdo, hace demasiado tiempo”

Yvonne (Madeleine Lebeau): “¿Que harás esta noche?”

Rick (Humphrey Bogart): “Nunca hago planes con tanta antelación"

(Casablanca)

Imágenes y frases de cine: “Memorias de África”


Un fotograma, una frase, una imagen, un instante….para el recuerdo:

“Denys me había dado una brújula "para seguir el rumbo" dijo, pero mas tarde comprendí que navegábamos con rumbos distintos. Quizás él sabía, aunque yo no, que la tierra fue creada redonda para que no podamos ver el final del camino.”

(Memorias de África)

Two for the Road (Dos en la carretera) - (1967) - (Director: Stanley Donen)



TÍTULO ORIGINAL: Two for the Road
AÑO: 1967
DURACIÓN: 111 min.
PAÍS: Reino Unido.
DIRECTOR: Stanley Donen.
GUIÓN: Frederic Raphael.
MÚSICA: Henry Mancini.
FOTOGRAFÍA: Christopher Challis.

REPARTO:
Audrey Hepburn, Albert Finney, Eleanor Bron, William Daniels, Nadia Gray, Claude Dauphin, Georges Descrières, Jacqueline Bisset, Judy Cornwell, Irène Hilda, Dominique Joos.

PREMIOS:
1967: Nominada al Oscar: Mejor guión original.
1967: Festival de San Sebastián: Concha de Oro.

SINOPSIS:
Una de las disecciones más agudas que se han hecho, acerca de los motivos que pueden llevar a un matrimonio al fracaso. Tan certera es, que Stanley Kubrick fichó al guionista, Frederic Raphael, años más tarde, para escribir Eyes Wide Shut.
El film muestra a una pareja en plena crisis conyugal, que recuerdan la época en que eran felices, empezando por su flechazo. Albert Finney y Audrey Hepburn componen sus personajes a la perfección, y Stanley Donen probó que sabía hacer algo más que `Cantar bajo la lluvia´.

COMENTARIOS:

Tres veces trabajaron juntos Stanley Donen y Audrey Hepburn. Una cara con ángel (1957), musical en el mundo de la moda, Charada (1963), mezcla de thriller y comedia, y Dos en la carretera. Decía Hepburn que sólo pensar en Donen le hacía sonreír. Y mencionaba dos escenas de Dos en la carretera entre sus favoritas: aquella en que se cambia de ropa en el coche, y cuando llevan comida de fuera al hotel, sin saber que está incluida en el precio.
"Dos en la carretera". Dirigida por Stanley Donen en 1967 y protagonizada por Audrey Hepburn, Albert Finney, Eleanor Bron, William Daniels, Nadia Gray, Claude Dauphin. Nunca Stanley Donnen, ni Albert Finney ni Audrey Hepburn (que rodó la película en unas circunstancias personales muy parecidas a las de la protagonista, circunstancias que desembocarían en su posterior divorcio), han estado mas lúcidos, más ácidos, más serios y realistas, sin caer por ello en la oscuridad, la amargura o el registro plano y gris (no faltan momentos alegres o dulces en la narración, como en la vida misma...).


La película ha sido clasificada como una road movie, a falta de otra definición mejor, y tal vez sea una definición válida, si entendemos la carretera por la que ambos personajes se desplazan como una metáfora de sus vidas en común, pasando por todos los momentos de su vida en pareja; encuentro, romance, aburrimiento, engaño, desengaño, y evaluación de la situación para ver si merece la pena continuar el viaje, efecto metafórico amplificado por el hecho de que todos estos momentos se narran en paralelo, de modo que llega un momento en el que, como voyeurs fílmicos, (o como si fuésemos ellos mismos), podemos experimentar a la vez todos los estados de su vida,(comprimidos en esos distintos viajes por la carretera), y compararlos, analizándolos en su conjunto.
Una película que, aunque haya quien ha querido verlo así, no es en absoluto pesimista,-aunque si esta salpicada a veces de un cinismo que se puede confundir con ello- porque en ningún momento, pese al devenir normal de la vida, que no es siempre, mal que pese a muchos (aunque sí en ocasiones, demos gracias por ellas), de color de rosa, se pierde, al fin, la esperanza de superarlo todo y seguir adelante. Hecho increíble que juro que jamás había visto en ninguna película, ni siquiera en la bella "American Beauty", que se pierde con sus toques fantásticos y sus personajes realistas, pero "extremos", esta película es, en esencia, como la vida misma; Nada más. Y nada menos.


Mención aparte merece además el hecho de que la película es, de alguna forma, el equivalente a la cima de una montaña rusa; está en el punto álgido y se nota, pero un centímetro más y empezara a caer. En ese punto de equilibrio, fantástica la dirección, la actuación de Audrey Hepburn y de Albert Finney. Y además, otro de sus grandes atractivos, la nota de color del aspecto estético: esa época de los últimos sesenta que se nos muestra una última vez en todo su esplendor, antes de, si no perderse con la entrada de los cínicos y desencantados – pero aún socialmente comprometidos - setenta, sí de diluirse para siempre hasta llegar al momento presente.
Espléndida la fotografía, los decorados, esos coches, esas fiestas, esa música a cargo del siempre elegante Henry Mancini, original, y deliciosa estética, a cargo de la diseñadora Mary Quant....


Un clásico poco conocido...pero imprescindible.


Tráiler:




Calificación: 5 de 6.

jueves, 20 de septiembre de 2012

Glosario de cine - D y E (Film Glossary - D and E)



D-E



Decorados. Espacios artificiales de diversos materiales y en especial de cartón-piedra y madera que simulan lugares reales. Durante mucho tiempo los directores los preferían, debido a la facilidad para el control de la luz y para el movimiento de la cámara. A partir de los movimientos cinematográficos europeos tras la II guerra Mundial, los escenarios naturales, -rodar en las calles, por ejemplo- se hicieron cada vez más comunes.

Desenlace. Es el momento final de un film, en el que se resuelve el relato, feliz, trágicamente o con final abierto a varias posibilidades.

Director/Directora. Responsable creativo del film. Es su función dirigir la puesta en escena a partir de un guión técnico en el que debe tener gran responsabilidad y libertad. Debe también supervisar el montaje, aunque no siempre los responsables de producción les permiten total libertad. Muchos directores aspiran también a producir con el fin de tener la libertad plena.

Distancia mecánica. La que se logra mediante objetivos, sin trasladar la cámara de lugar. Existen objetivos llamados grandes angulares, que amplían el campo de visión, y los teleobjetivos, que lo acercan. Existen, además, objetivos de distancia focal variable (zoom) que posibilitan incluso el cambio de dicha distancia en plena toma.

Doblaje. Aplicar la voz en los diálogos tras el rodaje, y montaje, del film. Se utiliza para poner en el idioma de los espectadores lo que se había rodado o producido en otro idioma.

Documental. Según Grierson, es un tratamiento creativo con imágenes reales. Es muy relativa la definición pues en el género documental, para presentar algo como real, se utilizan en la mayoría de ocasiones unas grandes dosis de truco y manipulación.

Edición: Se llama así al montaje cuando se hace en vídeo o sistemas informáticos. En sentido amplio, editar es montar.

Edición Digital: Montaje elaborado mediante equipos informáticos, ya sea basado en hardware o software.

Efectos especiales (FX). Todo el cine está repleto de efectos especiales, ya sean difíciles o complicados, aunque generalmente se les asigna más a los que son peligrosos o complicados. Lo que sí es característico de ellos es que siempre responden a técnicas de trabajo, algunas muy sofisticadas. Pueden ser mecánicos, sonoros, físicos, químicos, cinéticos... La lluvia, la niebla, los terremotos, el fuego, los cristales trucados, la nieve la sangre falsa, etc.

Eje de cámara: Recta imaginaria definida por la orientación de la cámara, que se extiende desde ésta al objeto filmado.

Elipsis. Es un salto en el tiempo y/o en el espacio. El espectador no pierde la continuidad de la secuencia aunque se han eliminado los pasos intermedios.

Emulsión: En fotografía, fina capa de sustancias químicas sensibles a la luz, adheridas a una base / soporte, que reaccionan en la exposición registrando la imagen que recibe el objetivo de la cámara. En función de la composición de la emulsión, distintas películas presentan distinto grado de sensibilidad a la luz. Dicha sensibilidad se expresa en unidades ASA, cuyos valores más frecuentes oscilan entre los 50 ASA (baja sensibilidad) y 400 ASA (alta sensibilidad).

Encadenado. Una transición de planos por sobreimpresión pasajera, más o menos larga, de las últimas imágenes de un plano y las primeras del plano siguiente.

Encuadre. Es la selección del campo abarcado por el objetivo en el que se tiene en cuenta el tipo de plano, el ángulo, la altura, y la línea de corte de los sujetos y/u objetos dentro del cuadro, y su precisa colocación en cada sector, para lograr la armonía de la composición y la fluidez narrativa con que se habrá de montar posteriormente. Es decir, la forma de organizar la toma. Es uno de los momentos más delicados e importantes de la filmación ya que en él se tiene en cuenta el tipo de plano, la colocación de objetos y actores, la ubicación de la cámara y todos los puntos de vista que se requerirán para iniciar la toma.

Entrada. Es el billete que da derecho a la asistencia a un espectáculo. En una entrada de cine consta el nombre de la película, sala en la que se proyecta, numero de fila y butaca, y algunos datos más...

Escena. Tal y como se llama en teatro, es la toma que coincide con la entrada y salida de actores del marco de filmación. Es una unidad de tiempo y de acción que viene reflejada en el guión cinematográfico. Suele explicar el momento y lugar en el que sucede algo. Ejemplo: Parque de atracciones. Exterior. Noche.

Etalonaje: Es el proceso de ajuste y/o igualado progresivo de la fotografía de cada toma montada, a partir del primer copión (moviola) o telecine (vídeo o sistema digital). Así se homogeneiza todo el proceso para evitar saltos de continuidad de luz.

Expresionismo. Un movimiento o corriente cinematográfica que se desarrolló en Alemania entre 1913 y 1930, en conjunción con otros movimientos artísticos, literatura, arquitectura, música, fotografía, etc. Que el cine integró y entregó al público. Tal vez el ejemplo más clásico sea El gabinete del Dr. Caligari ( Das Kabinett des Doktor Caligari, 1919), de Robert Wiene.

miércoles, 19 de septiembre de 2012

Imágenes y frases de cine: “Que bello es vivir"




Un fotograma, una frase, una imagen, un instante….para el recuerdo:

“Nadie es un fracaso si tiene amigos.”

(Que bello es vivir)

Audrey Hepburn (1929-1993) (Biografía - Biography)





Audrey Kathleen Ruston nació el 4 de mayo de 1929 en Ixelles/Elsene, un pueblecito de Bélgica. La madre de la niña era la baronesa Ella van Heemstra, de nacionalidad holandesa, mientras que su padre, Joseph Hepburn Ruston, era británico, aunque acababa de conseguir un trabajo en los Países Bajos. Durante toda su vida, Audrey mantuvo el pasaporte británico, nacionalidad a la que tenía derecho por línea paterna.
Aunque en un principio estuvo rodeada de lujos, la infancia de Audrey se vio marcada por el divorcio de sus padres, y porque fue testigo de primera mano de las crueldades de los nazis, que mataron a varios familiares suyos. Durante la II Guerra Mundial, vivió en Holanda, país natal de su madre, que le hizo adoptar su apellido, Van Heemstra, y le obligó a hablar en holandés, para que los nazis no la relacionaran con Gran Bretaña. Pasó hambre y calamidades que hicieron estragos en su constitución física.


Desde pequeña, Audrey Hepburn estuvo necesitada del afecto de su padre, que apenas la prestó atención durante toda su vida, y de su madre, que a pesar de que la adoraba, se comportaba con gran frialdad aristocrática con ella. Estudió para bailarina, su verdadera vocación, pero finalmente tuvo más éxito como modelo en Londres. Enseguida llamó la atención de los productores que le ofrecieron pequeños papeles. Su primera aparición cinematográfica fue en “Nederlands in 7 Lessen”, donde interpretaba a una azafata de una compañía aérea.
Enseguida le salieron otros papeles en la divertida comedia “Oro en barras”, y en “Americanos en Montecarlo”. Con su papel secundario en la comedia romántica “Young Wives Tale” llamó la atención de los ejecutivos de la compañía estadounidense Paramount, que negociaron duramente para que la actriz se pasara al cine americano.


Su primera película de Hollywood fue la mítica “Vacaciones en Roma”, de William Wyler, donde era una princesa decidida a pasar un día como una turista normal en la Ciudad Eterna, donde recibe la interesada ayuda de un intrépido periodista, encarnado por Gregory Peck. “En Audrey no había ni pizca de mezquindad ni de egoísmo. Tenía muy buen carácter y supongo que la gente se daba cuenta de eso. No era chismosa, traidora, mezquina ni ambiciosa, características que tanto abundan en este negocio. Es fácil querer a Audrey”, comentó Peck. Por este trabajo, la actriz se convirtió en una celebridad internacional y obtuvo un merecido Oscar a la mejor actriz.
Pasó de William Wyler a Billy Wilder, otro de los grandes, que de princesa la transformó en hija del chófer en “Sabrina”. El rodaje fue complicado porque su “partenaire”, Humphrey Bogart tenía problemas con la bebida. Ella mantuvo un sonoro romance con su otro compañero de reparto, William Holden, que estaba casado, pero rompió con él cuando se enteró de que se había hecho una vasectomía, ya que Audrey deseaba por encima de todo tener hijos.
Al final acabó casándose con Mel Ferrer, que fue su compañero de reparto en “Guerra y paz”, una digna adaptación de la celebérrima novela de Tolstoi. Su matrimonio con el actor no fue del todo satisfactorio para Audrey, que estaba muy enamorada pero no se sentía correspondida. Se quedó embarazada pero finalmente perdió el niño, lo que le hizo caer en una terrible depresión.


Sólo consiguió salir del túnel al quedarse encinta nuevamente, y dar a luz a su hijo Sean Hepburn Ferrer, que se convirtió, como no podía ser de otra manera, en el motor de su vida. “Desde pequeña, lo único que deseaba era tener un hijo, o montones de hijos”, comentó la actriz.
A Hepburn solían emparejarla los primeros años con actores maduros, pues tras el rodaje con Bogart pasó a protagonizar “Una cara con ángel”, con Fred Astaire, y “Ariane”, con Gary Cooper. A nivel actoral, su trabajo más esforzado es posiblemente “Historia de una monja”, basada en el caso real de una religiosa enviada al Congo a trabajar como enfermera. Justo después rodó un western fallido, pero interesante por momentos, “Los que no perdonan”, film del que renegó incluso su director, John Huston, quien en su autobiografía aseguraba que no lo podía soportar. Otro de los grandes errores de Hepburn fue protagonizar “Mansiones verdes”, dirigido por su marido, un film bastante discreto.

Con Gary Cooper, Billy Wilder y Maurice Chevalier

El personaje con el que más se identifica a Audrey Hepburn es Holly Golightly, la protagonista de “Desayuno con diamantes”, que acude a fiestas de la alta sociedad en busca de un novio solvente al que cazar. Basada libremente en la novela de Truman Capote, es una de las mejores películas de Blake Edwards. A día de hoy llama la atención que un ejecutivo de los estudios llegara a ordenar que quitaran “esa maldita canción”, refiriéndose a “Moon River”, que se ha convertido en un clásico. Para compensar este desaire, Audrey tuvo el detalle de escribir a Henry Mancini, el compositor. “Tu música nos ha hecho volar”, le explicaba la actriz. Esta vez sí que emparejaron a Audrey con un actor de su edad, George Peppard, que sin embargo no estaba a la altura de su talento.
Interpretó a una profesora acusada de lesbiana por una niña vengativa en la adaptación de la obra de Lilian Hellman “La calumnia”, nuevamente bajo la batuta de William Wyler, que volvería a reclutarla en la comedia, “Cómo robar un millón”. Por su parte, Charada es una genial cinta de suspense a lo Hitchcock con mucho humor, dirigida por Stanley Donen, con irrepetibles secuencias de la actriz con Cary Grant.
Después de la comedia romántica “Encuentro en París”, Hepburn tuvo una amarga experiencia durante el rodaje de “My Fair Lady”, un excelente musical de George Cukor. La actriz fue escogida porque el productor Jack Warner quería una gran estrella, en detrimento de Julie Andrews, que había protagonizado el musical en Broadway. Ella habría hecho un gran trabajo como cantante, mientras que Audrey Hepburn tuvo que ser doblada. En la noche de los Oscar, Hepburn fue nominada, pero competía con Julie Andrews, que finalmente fue la ganadora, por “Mary Poppins” (su primer largometraje). En el discurso de aceptación, Andrews fue bastante vengativa, pues le agradeció irónicamente la estatuilla a Jack Warner.


Audrey Hepburn hizo un gran trabajo como invidente en “Sola en la oscuridad”. Al citado Stanley Donen le costó mucho trabajo convencerla de que volviera a trabajar con él en la especialmente memorable “Dos en la carretera”, escrita por Frederic Raphael. Se resistía a ser la protagonista porque era una película de tono más descarnado y realista que las comedias blancas y elegantes que ella siempre insistió en interpretar, para mantener su imagen sofisticada. Un ejemplo de que la película no se parece en nada al resto de su filmografía son las palabras malsonantes de la secuencia final, insólitas en una película de Audrey Hepburn. Por otra parte, el resto de sus películas suelen tener un montaje cronológico, a diferencia de lo que ocurre con esta excelente disección de la vida conyugal.
En la última etapa de su carrera, Hepburn estuvo más centrada en su vida familiar que en el cine. Prefería estar con su hijo que rodando cine. En 1968 se divorció de Mel Ferrer, y se emparejó con Andrea Dotti, médico más joven que ella, con el que tuvo un segundo hijo llamado Luca. La relación con Dotti también fracasó.
Volvía al cine en ocasiones puntuales, cuando le interesaba mucho el proyecto o sus responsables insistían hasta la saciedad. Fue la protagonista de “Robin y Marian”, romántica revisión de la leyenda de un Robin Hood ya maduro, interpretado por Sean Connery. Le siguieron las discretas “Lazos de sangre”, “Todos rieron” y el telefilm “Amor entre ladrones”. Se despidió del cine para siempre con “Para siempre”, de Steven Spielberg, donde aparecía como secundaria interpretando a un ángel. El papel le iba al pelo, pues en la vida real era un ser angelical que dedicaba mucho tiempo a las labores humanitarias. Lejos del mundo del cine y del ruido de la ciudad, se refugia en una casa de campo en Suiza, en un pueblo de medio millar de habitantes donde lleva una vida tranquila con sus hijos. En esta época, al asistir a un set de filmación conocerá a su último amor, el actor holandés Bob Wolders, su único fiel amor, según Audrey declaraba a la prensa.
En 1988 fue nombrada embajadora de UNICEF, y p se dedicó de manera incansable a combatir el sida y la desnutrición de los niños del tercer mundo. Viajó por muchos países realizando una  labor humanitaria en agradecimiento a la ayuda que recibió en su niñez. Fue muy recordado su último viaje a Somalia donde un cáncer le hizo abandonar su solidaria actividad y acabó con su vida poco después.
En 1993, meses después de su muerte, la academia de las Artes y Ciencias Cinematográficas de Hollywood le concedió un Oscar Humanitario Jean Hersholt por su labor como embajadora permanente en UNICEF.
Algunos de sus compañeros decían de ella:

-Cary Grant: Todo lo que pido por navidad es realizar otra película junto a Audrey Hepburn

-Rex Harrison, que en un principio prefería a su compañera en el teatro Julie Andrews de “My fair lady” para la versión cinematográfica decía de Hepburn, “su principal dama”.

-Elizabet Taylor, que compitió con ella para el mismo papel de” My fair lady” dijo el mismo día de su muerte: “Dios estaría contento de tener un ángel como Audrey con Él”

-Gregory Peck íntimo amigo desde que hicieran “Vacaciones en Roma”, recitó su poema favorito Unending love de Tagore ante las cámaras tras la muerte de la actriz.


Su última pareja Bob Wolders, sus ex-maridos, y sus dos hijos Sean y Luca estuvieron acompañando el funeral en ese pequeño pueblo de un valle suizo donde ella había decidido vivir. Era un día frío y gris de enero de 1993. Sus cinco hombres estuvieron juntos en el cementerio acompañando a la más encantadora actriz que ha dado el cine. En su funeral se dejó inscrito: "Si en el cielo existen los ángeles, estoy convencido de que deben tener los ojos, las manos, el rostro y la voz de Audrey Hepburn".
Su cara de ángel, su inocente y hermosa sonrisa, su luminosa mirada, su figura esbelta y tenue, su personalidad sincera y honesta, su estilo elegante, su dignidad... han traspasado las fronteras del tiempo.


"Moon river"