sábado, 29 de junio de 2013

Calle Mayor (1956) - (Director: Juan Antonio Bardem)


Título original: Calle Mayor.
Año: 1956
Duración: 95 min.
País: España.
Director: Juan Antonio Bardem.
Guión: Juan Antonio Bardem (Teatro: Carlos Arniches).
Música: Joseph Kosma, Isidro B. Maiztegui.
Fotografía: Michel Kelber.
Reparto: Betsy Blair,  José Suárez,  Yves Massard,  Luis Peña,  Dora Doll,  Alfonso Godá,  Manuel Alexandre.
Género: Drama.
Sinopsis:
Los habitantes de una pequeña ciudad provinciana viven atrapados en sus rancias tradiciones y costumbres. En ese opresivo ambiente, Isabel, una mujer soltera de 35 años, se siente fracasada por no haberse casado. Juan y su grupo de amigos, que combaten el aburrimiento imaginando bromas pesadas, hacen creer a Isabel que Juan está enamorado de ella y que le va a pedir matrimonio.
Premios:
1956: Festival de Venecia: Premio FIPRESCI. Nominada al León de Oro.



COMENTARIOS:
A continuación de “Muerte de un ciclista”, Bardem inicia el rodaje de “Calle Mayor”, cuyo guión original ha escrito tomando como base argumental una obra de teatro no demasiado conocida de Carlos Arniches, “La señorita de Trévelez”, se narra en ella la broma urdida por unos señoritos a una solterona a la que hacen creer que uno de ellos la ama y que, por tanto, se casará con ella. La película comienza a rodarse en Palencia como ciudad protagonista, eje de la acción. Se añadieran unas imágenes tomadas en Cuenca y que se corresponderían a la imaginaria visión de la ciudad vista desde fuera.




Bardem, en vista del éxito internacional de su anterior filme, consigue poner en marcha la película en coproducción con Francia. De ese país es, por ejemplo, el actor que da vida al personaje-conciencia que representa Federico. Bardem, además de conseguir ese “empujón” productivo, logra que la protagonista sea la actriz Norteamérica Betsy Blair, que acababa de triunfar en Cannes por su papel en “Marty” de Delbert Mann. En ese mismo festival el realizador acaba de presentar “Muerte de un ciclista”, momento que aprovecha para contactar con la actriz y convencerla, a pesar de sus reticencias, para que participe en el proyecto y es que, la ideal y entrañable Isabel, no se puede creer que un director –español además– haya pensado en ella como protagonista de un filme al no ser una actriz con muchas películas en su haber (siete en nueve años y en ninguna ha sido protagonista). Además Bardem reconoce desconocer su reciente y satisfactorio trabajo en “Marty”.
Betsy Blair, con todas sus dudas, acepta intervenir en la película. La actriz caló hondo en el director desde que la viera años atrás en un papel de poca monta en el filme de George Cukor “Una doble vida” (1947), que prácticamente supuso su debut en el cine. Descontando el filme de Delbert Mann la actriz había cosechado su mayor éxito interpretativo en un papel secundario de la interesante “Nido de víboras” (1948) de Anatole Litvak. Después de “Marty” y “Calle Mayor” tampoco se prodigará en el cine en demasía. Betsy Blair había nacido en 1923, siendo su verdadero nombre Elizabeth Boger. Sólo actuará, y normalmente nunca de protagonista absoluta, en siete filmes y es que la actriz a pesar de su gran expresividad no se corresponde al tipo estándar propio de una exitosa, y reverenciada, actriz. Sus dos matrimonios con personas tan importantes en el mundo cinematográfico como el actor norteamericano Gene Kelly y el crítico-teórico-realizador inglés Karel Reisz tampoco le fueron de gran ayuda para lograr un papel predominante en la industria del celuloide. Como dato curioso hay que reseñar que con posterioridad a “Calle Mayor” intervino en “El grito” de Antonioni, realizador que se dijo había servido a Bardem como inspiración de “Muerte de un ciclista”, aprovechando allí incluso de Lucia Bose, la actriz que había trabajado en el hipotético filme copiado del italiano (Crónica de un amor).

Como bien se indica justo al comienzo de la película, la historia y los hechos que acontecen en ‘Calle Mayor’ bien podrían suceder en cualquier ciudad de provincias de cualquier punto geográfico indeterminado.
Juan Antonio Bardem acierta a radiografiar y combinar dos temas tan dispares como son las constantes habladurías y chismorreos típicos de una pequeña ciudad junto al mezquino peligro de vivir en un lugar así y aburrirte demasiado.
Empezando por el guión, notable. La soberbia cámara de J.A enseguida sumerge al espectador en esa ‘pueblerina’ vida de sota, caballo y rey. (Me encanta ese plano secuencia en la que la pareja de protagonistas pasean por la calle Mayor envueltos en esa liturgia de saludos con todo aquel que se va cruzando con ellos). Por mucho que hayan transcurrido 60 años desde que se filmó, es ley de vida que en estas pequeñas comunidades, la solterona del pueblo sea el epicentro de las miras, rumores y guasas de los demás y esa claustrofóbica sensación está muy lograda.

Bardem consigue recrear la vida de una pequeña ciudad a la perfección (con ese bello telón de fondo que supone Cuenca) al igual que ahondar en esa, repito, mezquina vida de sus habitantes, (toda la panda de amigotes de Jose Suárez) aburrida, sin alicientes ni pretensiones y cuya única diversión recae en la invención de bromas de mal gusto para mitigar el tedio reinante en sus vidas. Personalmente, viéndome en el contexto de la película, yo jamás hubiera podido hacer nada que disgustase a alguien como Betsy Blair (la solterona), más bien, lo que haría es caer rendido a sus pies. Qué sonrisa, qué presencia, qué manera de interpretar con la mirada, simplemente espectacular.
No dudo que esta película sea un fiel retrato de la vida en provincias en la España de los cincuentas ni del papel de la mujer en esa sociedad, pero esta película es más que todo eso (que no es poco), esto es cine humanista, nos muestra toda la complejidad de la naturaleza humana, el anverso y el reverso de las personas, la vida humana con sus virtudes y miserias, esto es cine con mayúsculas.
Creo que esta película ha envejecido muy bien, porque en todos los lugares y todos los tiempos hubo y hay personas miserables como ese grupo de amigos, en todos los lugares y todos los tiempos hubo y hay un hastío vital, ha sido una felicidad encontrarme con esta película, me ha hecho recordar que el cine puede mostrarnos la humanidad tal cual es.

Muy pocos cineastas han podido hacer una película en apariencia simple pero tremendamente profunda, que te regala sensaciones perdurables, sólo los genios o un director en estado de gracia lo han logrado, recuerdo a  Murnau u Ozu por nombrar a algunos. Las conversaciones del joven escritor con el viejo escritor son muy buenas, simples y profundas. El monólogo del principio no miente, esta película puede suceder en cualquier lugar y cualquier tiempo.
En esta triste historia, Bardem sabe mostrar con su cámara el vacío de una mujer que abandona la juventud en una pequeña ciudad de provincias en aquellos años dominados por la ignorancia y a la crueldad de una sociedad intolerante donde apenas cabe la compasión.

Es admirable la objetividad y la distancia que sabe poner Bardem, sin caer en el panfleto político.
Que alto y que lejos está la calidad artística de este Bardem de otros con el mismo apellido.



Película:



Calificación: 5 de 6.

viernes, 28 de junio de 2013

Escenas inolvidables: ¡Viva Zapata!


La acción principal tiene lugar en el Sur de México, entre 1909 y 1919. Narra la historia de Emiliano Zapata (Marlon Brando), líder del movimiento campesino del estado de Morelos que reclama las tierras propias ocupadas por terratenientes. Ante el fracaso de las gestiones pacíficas, y con la ayuda de su hermano Eufemio (Anthony Quinn) y de Pablo (Lou Gilbert), un viejo amigo, se erige como uno de los cabecillas de la insurgencia contra la dictadura del presidente Porfirio Díaz (Fay Roope) y a favor de la causa democrática de Francisco I. Madero (Harold Gordon). La lucha seguirá en contra de la usurpación de Victoriano Huerta (Frank Silvera), hasta que finalmente, y con el apoyo de Pancho Villa (Alan Reed), se le presenta la oportunidad de llegar a la cima del poder y hacer cumplir sus ideales, aunque todavía tiene en los carrancistas enemigos a los que debe enfrentarse.




Hace poco tiempo se celebró 100 años del inicio de la Revolución Mexicana, un movimiento que comenzó con la convocatoria que hizo Francisco I. Madero a través del Plan de San Luis Potosí para que el 20 de Noviembre de 1910, todos los que se hubiesen sentido oprimidos e ignorados por el gobierno de Porfirio Díaz, se levantarán en armas en contra de la dictadura y se asegurara el establecimiento de elecciones libres y democráticas en México.
He elegido una secuencia a reseñar de esta elogiada película norteamericana. La  secuencia se ubica a los quince minutos de transcurrido el metraje. En ella, se nos propone una visión romántica del héroe cuando Zapata entra a la Iglesia del pueblo de Anenecuilco, Morelos, siguiendo a Josefa Espejo (Jean Peters), la joven a quien pretende. Ella es acompañada por su tía (Nina Varela), y él por su hermano Eufemio. Este último se arrodilla junto a la tía y le tapa la boca para que no pueda pedir ayuda, mientras que Josefa, que permanece rezando una banca adelante es abordada por Emiliano.



Emiliano: Josefa, debo hablar contigo.
Josefa: Los rurales te persiguen.
Emiliano: Lo sé, arriesgué mi vida por venir aquí. ¿Cuándo puedo hablar con tu padre?
Josefa: ¿Para qué?
Emiliano: Para pedirle tu mano.
Josefa: No, no lo hagas.
Emiliano: ¿Por qué no?
Josefa: Solo no lo hagas.
Emiliano: ¿Hay algo de malo en mí?
Josefa: Claro que no. ¿Pero qué habría de malo en mí?
Emiliano: ¿Qué quieres decir?
Josefa: No tengo la intención de acabar lavando ropa en un charco, y haciendo tortillas como una india.




Emiliano: ¿Quién dice eso?
Josefa: Mi padre.

Emiliano: [Se molesta y la sujeta fuertemente del brazo] Mi madre era una Salazar. Y lo Zapatas eran cabecillas aquí cuando tu abuelo vivía en una cueva. Siempre recuerda eso.
Josefa: Bueno, pero ustedes ya no son cabecillas ahora. No tienen tierra, ni dinero. Y tal vez estés a la cárcel mañana.




Emiliano: ¡Para! [La suelta].
Zapata se levanta decidido a salir de la iglesia, pero reflexiona un poco y vuelve sobre sus pasos.
 

Emiliano: Me han ofrecido un empleo para Don Ignacio de la Torre, ¿entiendes?
Josefa: Don Ignacio de la Torre no le daría empleo a fugitivos de la ley.
Emiliano: Si acepto su ofrecimiento él hará que me perdonen.


Josefa: ¿Por qué podría Don Ignacio necesitar a alguien como tú? ¿Por qué?
Emiliano: Aparentemente Josefa tú no sabes que soy el mejor juez de caballos en el país. Tú eres la única que ignoras esto. Estuve con él por años y compré cada caballo que hay en su establo. Cuando yo no ayudaba a Don Ignacio a comprar sus caballos, es tarde cuando descubre que tienen cinco patas. [Eufemio destapa un instante la boca de su prisionera]

 

Tía: ¡Mono presumido! [Vuelve a ser reprimida por el hermano de Zapata]
Emiliano: Tú sabes Josefa que yo podría llevarte conmigo por la fuerza, ahorita.
Josefa: ¿Por la fuerza? No podría impedírtelo. Iría contigo porque no podría impedírtelo, pero tarde o temprano tú tendrías que dormir.
Emiliano: ¿Y entonces?
Josefa: [Saca un gancho de tejer que portaba como sujetador en el peinado, y lo apunta al corazón de Emiliano, amenazándolo] Tarde o temprano tú tendrías que dormir...
Emiliano: Tú no harías eso nunca. ¿Una muchacha respetable como tú?
Josefa: Sí, lo haría. Porque soy una muchacha respetable. Una muchacha respetable que quiere vivir una vida segura. Protegida, tranquila. Sin sorpresas, y preferentemente con un hombre rico.
Emiliano: Tú no piensas así.
Josefa: Claro que sí. Vuelve cuando puedas ofrecerme eso...

 
 
Auténtica lección de cine.


miércoles, 26 de junio de 2013

The Night Of The Following Day (La noche del día siguiente) - (1969) - (Director: Hubert Cornfield)




La noche del día siguiente

Título original: The Night Of The Following Day

Año: 1969

Duración: 93 min.

País: Estados Unidos.

Director: Hubert Cornfield.

Guión: Hubert Cornfield, Rodney Phippeny.

Música: Stanley Myers.

Fotografía: Willy Kurant.

Reparto:

Marlon Brando, Richard Boone, Rita Moreno, Pamela Franklin, Jess Hahn, Gérard Buhr, Al Lettieri.

Género: Thriller

Sinopsis:

Una joven llega al aeropuerto parisino de Orly y, en cuanto baja del avión, es secuestrada por tres desconocidos: el conductor del coche, un hombre muy corpulento y una rubia de gran parecido físico con la azafata del avión en el que viajaba. Los secuestradores la llevan a un caserón apartado y la dejan al cuidado de un sujeto llamado Leer, hombre de malos instintos con quien la rehén corre un gran peligro. Mientras tanto, los secuestradores se ponen en contacto con el padre de la muchacha, al que piden un fuerte rescate a cambio de la vida de su hija.


COMENTARIOS:
Thriller protagonizado por Marlon Brando y rodado en Francia en 1968. Basado en la novela "The Snatchers" (1953) de Lionel White, responsable de obras como "Clean Break", adaptada al cine por Stanley Kubrick en 1956 con el título "The Killing" ("Atraco Perfecto") y también de "Obsession", llevada al cine por Jean-Luc Godard en 1965 como "Pierrot le fou" ("Pierrot el loco").
 Dirigido por Hubert Cornfield, fue un director nacido en Estambul Turquía y fallecido en Los Ángeles (EEUU), en el año 2006 a los 77 años de edad. Apenas dirigió siete películas y un par de series de TV. Recuerdo el más que estimable y muy interesante thriller, "¡Alló...! Le habla el asesino" (1960), "La clave de la cuestión" (1962) con Sidney Poitier, y la que hoy comento y que en su día me causó una muy grata impresión, "La noche del día siguiente" (1969).

Notable thriller norteamericano ambientado en Francia e impregnado de ese tono de cine negro francés que dio sus mejores frutos en las décadas de los 60 y 70. Tres secuestradores que se meten en el mundo del secuestro por primera vez, y cómo son novatos pues contratan a Boone, que es un sádico, frio y calculador asesino, y disfruta con el dolor ajeno, os podéis imaginar como acaba la peli, lo mejor es la media hora final, llena de intriga, de maldad y de sinsabores para todos, aquí nadie se salva.

Aunque no faltan algunas escenas de acción típicas del género, el film se centra sobre todo en los caracteres de los protagonistas y en las relaciones que estos mantienen durante los días que pasan juntos esperando el rescate del secuestro. Lógicamente, una película de estas características exige un nivel interpretativo de primer orden si no quiere naufragar en el fracaso. Y afortunadamente la cinta no corre ese riesgo ya que las interpretaciones son brillantes en líneas generales, con cotas magistrales a cargo de Marlon Brando y Richard Boone, e incluso de Rita Moreno ocasionalmente.
La dirección de Hubert Cornfield es eficiente, destacando también la fotografía y esa atmósfera gélida y fascinante ya apuntada anteriormente.

A destacar el sorpresivo e inesperado final que acerca el film casi al género fantástico o, al menos, al de otros títulos que entran de lleno en el.


Rita Moreno y Pamela Franklin de lo mejorcito del film. Ambientado en la Francia de los años 70, molan también los coches, la casa en la playa, la tensión entre brando y pamela franklin todo ante la fría mirada de Boone, que se sale en este film.

Es un film atípico, porque no es la típica peli de secuestros, aquí la poli no tiene ningún peso, de echo el único poli es una que esta de paisano pescando que no se entera de nada. El peso de la peli, es la tensión psicologica que hay entre los secuestradores, tensión entre ellos que conlleva a una serie de situaciones límite, eso es lo mejor de esta peli, bastante amena por otra parte.

La película narra las vicisitudes que rodean el secuestro de una chica burguesa, interpretada por la atractiva Pamela Franklin, a manos de un grupo de secuestradores no muy profesionales, con la intención de pedir a su padre un fuerte rescate.



A pesar de sus altibajos y de algunas situaciones un poco forzadas, es en conjunto un film estimable y está impregnado de una estética de Serie B que a mí personalmente me fascina. El director también acierta con una atmósfera claustrofóbica cuando rueda en interiores. También podríamos destacar la banda sonora creada por Stanley Myers ("El Cazador") y las localizaciones de la costa norte francesa en Le Touquet.

Además, siempre es un placer disfrutar con la presencia del gran Marlon Brando.


 Tráiler original:
 Calificación: 3 de 6.

sábado, 22 de junio de 2013

The Boys in Company C (Los chicos de la compañía C) - (1978) - (Director: Sidney J. Furie)




Los chicos de la compañía C 

Título original: The Boys in Company C

Año: 1978

Duración: 127 min.

País: Estados Unidos.

Director: Sidney J. Furie.

Guión: Rick Natkin, Sidney J. Furie.

Música: Jaime Mendoza-Nava.

Fotografía: Godfrey Godar.

Reparto: Stan Shaw, Andrew Stevens, James Canning, Michael Lembeck, Craig Wasson, Noble Willingham, R. Lee Ermey.

Género: Bélico.
        
Sinopsis:

Otra mirada sobre la guerra del Vietnam que en esta ocasión se centra en la experiencia personal de cinco marines y en el contraste entre la vida civil y la militar.

Nuevos reclutas llegan al centro de instrucción durante la guerra del Vietnam. Realista cinta, que en los 70 denunciaba el horror de la guerra.

El film está correctamente dirigido por el artesano Sidney J. Furie (El ocaso de una estrella). Entre el reparto destaca la presencia de R. Lee Ermey, que interpreta a un sargento. Años después repetiría rango en La chaqueta metálica, film de corte parecido. 

COMENTARIOS:

Se estrenó en los USA el 2 de febrero de 1978, un poquito antes que “El regreso” (15 de febrero), lo que la convierte en la más tempranera de toda la tanda de películas post-Vietnam comentadas hasta ahora. Curiosamente es una película de Hong-Kong aunque con algo de capital norteamericano. De todas formas, la carencia de presupuesto se nota bastante. Los efectos especiales son un pelín cutres y los actores contratados no eran de primera fila precisamente.



"Los chicos de la Compañía C" narra la vida y muerte de los soldados de dicha compañía. Su inicio es en el campo de instrucción, con el sargento encarnado por R. Lee Ermey, el mismo que Kubrick ficharía para hacer el mismo papel ¿casualidad?. En la película se define a cada uno de los miembros de la compañía, cada uno con su propia idiosincrasia: el escritor, el atleta, el delincuente negro, el pacifista, el respetuoso, el salido, el bocazas. En Vietnam se les une el capitán cobarde y el sargento profesional y quemado. Desde que desembarcan hasta que acaba la película entran el multitud de escaramuzas, matanzas, errores militares, sufren la corrupción, el tráfico de droga, la muerte, los castigos, las minas... pero también la solidaridad, confraternización y hermandad que surge entre los soldados.  



La comparación con el film de Kubrick resulta inevitable; éste fusila el esquema del filme con las dos partes definidas: la instrucción en USA y el combate en Vietnam. En la primera hasta contrata al actor que hizo de sargento.








El error principal de este interesante y pionero filme sobre la guerra del Vietnam, o mejor dicho, sobre los sufrimientos de la soldadesca yanqui durante la guerra del Vietnam, es su carencia de tema principal, o mejor dicho la disolución del tema de la miseria de la guerra, y dentro de ella de la mezquindad y villanía de la oficialidad del ejército, en una anécdota, un partido de fútbol, que priva de la fuerza que desde el primer minuto parecía tener. Así se convierte en una mezcla entre "La chaqueta metálica", "Apocalipsis Now" y "Evasión o victoria", sólo que en lugar de profundizar en cada uno de los temas propuestos abandona el primero, la denuncia antibelicista, sin desarrollarlo hasta el fondo, para no llegar hasta las últimas consecuencias del segundo, el amaño del resultado de un partido como símbolo de la falsedad de la propaganda bélica y del desprecio de los oficiales a los soldados.


Aun y todo, la primera parte tiene tanta fuerza en la denuncia, con una dirección y guión que sin ser una maravilla tan poco están mal, que se puede perdonar la última media hora perdida sobre el césped del campo deportivo.



Digna de verse.



Tráiler:





Calificación: 2 de 6.

viernes, 21 de junio de 2013

Night Moves (La noche se mueve) - (1975) - (Director: Arthur Penn)





Título original: Night Moves

Año: 1975

Duración: 95 min.

País: Estados Unidos.

Director: Arthur Penn.

Guión: Alan Sharp.

Música: Michael Small.

Fotografía: Bruce Surtees.

Reparto:

Gene Hackman,  Jennifer Warren,  Melanie Griffith,  Susan Clark,  James Woods,  Edward Binns,  Harris Yulin,  Kenneth Mars.

Género: Cine megro.

Sinopsis:

Una prostituta alcohólica acude a un detective privado (interpretado por un magnífico Hackman) para que la ayude a encontrar a su hija perdida (una jovencísima Melanie Griffith).

Arthur Penn organiza una brillante puesta en escena para recrear el ambiente policíaco en que transcurre la acción, con una inhóspita Florida como telón de fondo. Llena de secretos y sorpresas que se nos van desvelando a medida que avanza el relato, La noche se mueve es un interesante thriller que mantiene el suspense desde el inicio hasta el final.


COMENTARIOS:

La noche se mueve, es quizás, uno de los últimos coletazos del cine negro. Tan de los últimos que esta realizado incluso en color. Algo difícil de imaginar en una cinta que trate sobre los temas recurrentes a este genero.
Por encima de otras consideraciones en su momento descubrí dos cosas muy gratificantes.


-La primera que Gene Hackman incluso en sus años jóvenes, ya descollaba como un excelente actor, sobre todo en esos papeles de detective desengañado, indiferente y cornudo.

 -La segunda que Melanie Griffith en sus años de adolescente estaba estupenda, una lastima que con los años, lo que estaba terso y erguido se haya marchitado notablemente.

Por encima de esta mínimas consideraciones, creo que estamos ante un film muy digno, donde nada es lo que parece. Bien dirigido y mejor interpretado.
Buena muestra de cine negro con marcado acento setentero, utilizando varios clichés del género y añadiéndole toques de la década. Está dirigida por Arthur Penn (‘La jauría humana’, ‘Bonnie & Clyde’ o ‘Pequeño Gran Hombre’) y protagonizada por Gene Hackman, este es un detective privado, Harry Moseby, es contratado por una actriz decadente para encontrar a su adolescente hija, Delly (buena Melanie Griffith), una libertina muchacha, en la historia se va entremezclando la investigación con la deprimente vida conyugal de Harry, este acaba de descubrir que su esposa lo engaña y se lo toma de modo flemático.

La cinta rezuma nostalgia por un tiempo pasado que fue mejor, se respira un aire a ocaso. La puesta en escena más que correcta, bebe del estilo setentero antes mencionado, las escenas de acción están muy logradas.
"La noche se mueve" es una película muy interesante, ante todo, porque Penn y el guionista Alan Sharp -quien ya había demostrado de lo que era capaz al escribir para Robert Aldrich La venganza de Ulzana (Ulzana´s raid, 1972)- construyen, a través de unas miradas y unos diálogos impagables, y que nos recuerdan al cine más clásico, una galería de personajes complejos y perfectamente dibujados, perdedores que vagan a la deriva desconcertados porque sus vidas no han resultado ser lo que esperaban, y que probablemente representan, en gran medida, a la sociedad norteamericana de una época de grandes cambios y desengaños.

En este sentido, Harry Moseby probablemente sea el detective más humano y frágil de la historia del cine, y el último plano de la película, con la embarcación en la que él se encuentra, agotado y herido, navegando en círculos sin encontrar su rumbo, resulta una perfecta metáfora final para un film que vuelve a demostrar que el cine es grande, sobre todo, en la medida en que lo son sus personajes.
Uno de las mejores películas de un director que no siempre ha acertado, este es uno de los títulos emblemáticos del cine de los años setenta. Partiendo de la estructura del más tradicional cine negro, desarrolla una incisiva y amarga reflexión vital. Utilizando un ritmo pausado pero intenso, enlaza una turbia intriga con el cansado escepticismo de un protagonista que viene a ser el paradigma del fracaso lúcido.

- "¿Quién va ganando?" (Ellen)
-"Nadie... solo que unos pierden más que otros" (Harry Moseby)





TRÁILER:



Calificación: 3 de 6.

jueves, 20 de junio de 2013

Muere James Gandolfini (Los Soprano) - (Muere James Gandolfini)

James Gandolfini  quien interpretó al famoso Tony Soprano en Los Soprano - ha fallecido en Italia, según ha confirmado el canal de televisión HBO.
Las primeras informaciones apuntan que Gandolfini podría haber sufrido un ataque al corazón. Tenía 51 años.
Gandolfini estaba en Italia dond asistía al Festival de Cine de Taormina en Sicilia y estaba previsto que partcipase en un evento este fin de semana con el director italiano Gabriele Muccino.
Gandolfini saltó a la fama tras su papel de asesino a sueldo en el hit "True Romance" y rápidamente se convirtió en una leyenda de Hollywood cuando fue elegido como Tony Soprano en 1999. Gandolfini ganó 3 premios Emmy por el papel la famosa serie que duró 6 temporadas.
Gandolfini también apareció en otros grandes taquillazos como "Get Shorty", "The Mexican" y "Zero Dark Thirty" (La noche más oscura).
Gandolfini interpretó a Tony Soprano, protagonista de la serie Los Soprano, un personaje que dejó numerosas frases míticas que hoy se recuerdan. Estas son algunas de ellas:

- "No pagaré, sé demasiado sobre extorsión".

- "Sólo jodemos al que merece ser jodido".
- "Me da igual que me tengan miedo. ¡Dirijo un negocio, no un puto concurso de popularidad!"
-"La próxima vez no habrá próxima vez".
- "¿Te acuerdas de la historia que me contaste sobre el padre toro hablando con su hijo? Desde lo alto de una colina miran a un grupo de vacas y el hijo mira al padre y le dice: '¿Por qué no bajamos corriendo y nos follamos a una?'. ¿Te acuerdas de lo que el padre contesta? El padre contesta: '¿Por qué no bajamos andando y nos las follamos a todas?'".
- "No esperes felicidad. Tus amigos te traicionarán y nadie recordará tu nombre. Morirás en tus propios brazos"
- "¿Que estoy detenido? De acuerdo. La última vez tardé tan poco en salir que mi sopa todavía estaba caliente cuando llegué a casa".
- "No se caga donde se come. Y mucho menos se caga donde como yo".
- "Es curioso, mi mamá siempre mencionaba a un tío que era retrasado mental pero siempre había pensado que se refería a ti".
- "Piénsalo: ¿cómo iba a inventar gente que come con palillos algo para lo que necesitas tenedor?"
- "¿Por qué de entre todos los curas del mundo me tuvo que tocar el que es heterosexual?"
- "Hasta un reloj roto da bien la hora dos veces al día"
- "Lárgate antes de que meta tu libro de citas por tu gordo culo".
Descanse en paz.

miércoles, 19 de junio de 2013

Cool Hand Luke (La leyenda del indomable) - (1967) - (Director: Stuart Rosenberg)



Título original: Cool Hand Luke

Año: 1967

Duración: 126 min.

Paí:s Estados Unidos.

Director: Stuart Rosenberg.

Guión: Donn Pearce, Frank R. Pierson (Novela: Donn Pearce).

Música: Lalo Schifrin.

Fotografía: Conrad Hall.

Reparto: Paul Newman,  George Kennedy,  Dennis Hopper,  Harry Dean Stanton,  Strother Martin,  Lou Antonio,  J.D. Cannon,  Ralph Waite,  Anthony Zerbe,  Joe Don Baker,  Wayne Rogers.

Premios:

1967: Oscar: Mejor actor secundario (Kennedy). 4 nominaciones.

Sinopsis:

Paul Newman interpreta a un muchacho rebelde de nacimiento, capaz de soportar los golpes sólo por dignidad y tozudez. Nunca ha encontrado su sitio en la sociedad y ésta tampoco se lo ha puesto fácil. Cuando ingresa en una prisión del sur de Estados Unidos, los carceleros tratan enseguida de domarle a base de malos tratos y trabajos agotadores, pero él no se rendirá mientras esté en juego su orgullo y su libertad personal. Aunque caiga sobre él el castigo más duro, jamás dejará de intentar la fuga. Este preso acabará causando la admiración del resto de sus compañeros.

Se trata de una historia real, narrada de forma biográfica por Donn Pearce. Un papel que le viene de perilla a Paul Newman, que explota el punto de rebeldía que hace vulnerable su atractivo. Oscar al mejor secundario para George Kennedy. Música del siempre curioso Lalo Schifrin.

COMENTARIOS:

El cine de cárceles constituye todo un género por sí mismo, habiendo aportado al séptimo arte grandes obras de la talla de "Fuga de Alcatraz" (Don Siegel), "Cadena Perpetua" (Frank Darabont), "Brubaker" (Stuart Rosenberg) o "La Gran Evasión" (John Sturges) por citar unas cuantas.

El director Stuart Rosenberg, es el firmante de este gran film que trata de la historia de un joven llamado Luke (Paul Newman), quien debe cumplir la exorbitante pena de dos años de cárcel por romper unos parquímetros. Pronto el carácter rebelde e indómito de Luke chocará con las imposiciones de la vida carcelera, tanto en lo que se refiere a sus compañeros como a sus carceleros. Por encima de todo, Rosenberg trata de hablarnos de la dicotomía entre individualismo y sociedad. Un individualismo asociado a connotaciones como libertad. Luke es un tipo totalmente libre, y se opone a cualquier tipo de restricción que le impone la sociedad. Por ello no encaja en una sociedad que se no es presentada como excesivamente represora, e incluso injusta.

Pero si no encuentra su lugar en una sociedad que no tolera los individualismos, mucho menos lo va a encontrar en un ambiente mucho más restrictivo de privación de toda libertad personal. Se ha dicho, que Rosemberg critica en este film la forma tratar a los presos en las cárceles, y aunque hay algo de eso, seguramente fue mucho más allá al englobar a toda la sociedad, y situar el tema carcelario como uno de los extremos creados por la propia sociedad. Luke no sólo tiene roces con los carceleros, sino también con sus propios "compañeros", incluso se podría decir que tiene muchos más conflictos con éstos últimos.

El film se beneficia enormemente con la presencia de un impresionante Paul Newman, cuya composición del personaje principal es recordada aún en nuestros días. Newman es capaz de ofrecerle tal variedad de registros, que pese a lo exagerado de muchas situaciones, nos lo acabamos creyendo a pies juntillas. Pero, Newman no está solo. Es también mérito del realizador el desarrollar paralelamente a la historia principal, pequeñas mini-historias que ayudan a articular un universo particular (sustentadas por unos eficientes secundarios como George Kennedy, Dennis Hooper, Harry Dean Stanton), una sociedad en miniatura que se sitúa en el extremo de la que conocemos.

Prácticamente nos da la impresión que no hay nada más allá de la vida carcelaria. Realmente, las vinculaciones con el mundo exterior, nos llegan por vías indirectas y el director se centra en la rutinaria vida de los reos, realizando trabajos, y sus ratos de "ocio". En este sentido, Rosenberg va mostrándonos a lo largo del metraje, diferente episodios (Quién no ha oído hablar de la escena de los huevos duros?), en los que se resalta el choque del protagonista con todo y con todos.  

Y es que tipos como Luke, no tienen cabida en este mundo. No encajan en él. Habría que ver en el film un canto a la libertad individual, y una cierta crítica hacia una sociedad excesivamente normativa y muy restrictiva con todo aquel que se aparta del camino trazado. No cabe duda que este film es todo un canto a libertad. Incluso, a día de hoy todavía hay muchos a quienes les gustaría ser como Luke.

Un toque de atención al totalitarismo, y a la brutalidad del sistema; Se espera que el recluso se adapte y sea servil, bajo la amenaza del castigo físico creciente. Lo que ahora mismo, podríamos extrapolar a nuestra sociedad, en la que nos mimetizamos con lo políticamente correcto y a lo que los demás esperan de nosotros, bajo la amenaza de crítica o casi de exclusión social.

Luke sigue siendo él mismo, para bien y para mal; incluso en una genial parrafada con Dios, le aclara su conducta y por qué ha decidido conducirse así por la vida.
Extraordinaria y emotiva la escena de la presencia –en una única y destacada secuencia– de su madre enferma y el posterior advenimiento del fallecimiento de aquélla, cuya noticia recibe Luke en la penitenciaría.

"La leyenda del indomable" tiene el sabor de los grandes clásicos, con unas actuaciones soberbias de Paul Newman y George Kennedy, constituyendo un canto a la libertad de espíritu y dando una patada en el trasero al sistema carcelario estadounidense.

Grande también George Kennedy, en un maravilloso trabajo, que le hizo merecedor de un Oscar, y al que, con el paso del film, le cogemos tanta ternura y cariño como al propio Luke (Newman).

Una filosofía de vida, difícil de seguir, pero que merece la pena, al menos, para no perder la eterna sonrisa de Luke; tanto en la cara como en el alma.

Muy recomendable.



Tráiler:


Calificación: 4 de 6.