viernes, 27 de febrero de 2015

Le chagrin des oiseaux (Timbuktu) - (2014) - (Director: Abderrahmane Sissako)



Timbuktu

Título original: Le chagrin des oiseaux (Timbuktu)

Año: 2014

Duración:100 min.

País: Mauritania.

Director: Abderrahmane Sissako.

Guión: Abderrahmane Sissako, Kessen Tall.

Música: Amin Bouhafa.

Fotografía: Sofian El Fani.

Reparto:

Abel Jafri, Hichem Yacoubi, Kettly Noël, Pino Desperado, Toulou Kiki, Ibrahim Ahmed, Layla Walet Mohamed, Mehdi A.G. Mohamed, Fatoumata Diawara, Adel Mahmoud Cherif, Salem Dendou, Mamby Kamissoko, Yoro Diakité, Cheik A.G. Emakni, Zikra Oualet Moussa, Weli Cleib.

Género: Drama.

Sinopsis:

Año 2012, la ciudad maliense de Tombuctú y sus alrededores han sido ocupados por islamistas radicales, partidarios de la yihad, que imponen nuevas reglas a los autóctonos, gente sencilla que ha vivido siempre pacíficamente su fe en Alá. Ahora se ven violentados por una fuerza policial y unos tribunales que persiguen a quien fume, juegue al fútbol o escuche música, con ideas tan peregrinas como la de que uno mujer que vende pescado debe cubrirse las manos con guantes de lana, por un supuesto sentido del decoro. Con este panorama el pastor Kidane, que vive en las dunas con su esposa Katima y su hija Toya, y un chaval que les ayuda, Issan, deberá afrontar un juicio tras un desgraciado incidente.




Premios:

2014: Premios Oscar: Nominada a Mejor película de habla no inglesa.

2014: 7 Premios César: incluyendo Mejor película y director. 8 Nom.

2014: Festival de Cannes: Sección oficial largometrajes a concurso.

2014: Festival de Chicago: Mejor director.

2014: Satellite Awards: Nominada a Mejor película de habla no inglesa.



COMENTARIOS:

Mauritania o Mali – indefinido ámbito geográfico que deviene en lugar simbólico. Y aunque nos quede lejos, sin embargo qué cercano nos resulta el retrato del integrismo religioso, de la dictadura de unos zangolotinos prepotentes, violentos y bellacos que imponen su monolítica visión de la religión a un pueblo afanoso y confiado que había vivido hasta el fatídico advenimiento de esos desalmados su fe con rústica perseverancia y bondad, buscando la compasión, la inclusión, la protección y el amparo de su dios, pero no necesitando de un arbitrario catálogo de prohibiciones, ni de una ofuscada y añosa aplicación de la ley que hiede a rancia y abusiva, ni de una policía que espíe el día a día de sus habitantes con el objetivo de perseguir a los infieles que incumplen las innumerables normas dictadas por los camorristas inquisidores de turno.


Es una película serena y de habilidosos contrastes. Pocas veces se ha reflejado tan bien y tan hermosamente la sensualidad implícita que hay entre un matrimonio de rústicos ganaderos. Basta con verles hablar, mirarse, relacionarse sin casi tocarse, esperarse y desesperarse para entender que tienen la dicha inefable del amor. También pocas veces se ha visto tan bien reflejado – y con tan pocos medios – la sinrazón de la opresión de una dictadura de integristas religiosos: basta con ver a una brusca y servil policía perseguir los sones de una música nocturna para comprender que hay algo enfermo y tétrico en ese afán por controlarlo todo, por asfixiar cualquier expresión espontánea de humanidad y relajación. Y contiene otras dos escenas memorables. Una de ellas es una brevísima y atroz lapidación que sobrecoge y repugna por igual. Si Alá es todopoderoso, ya les castigará a su debido tiempo… ¿para qué afanarse en la tierra con adelantar la supuesta ira divina?



Pero sobre todo perdura una escena luminosa, conmovedora y de una profunda desolación trágica en su sencillez: unos chavales juegan al fútbol – que naturalmente ha sido declarado impío y proscrito – con un balón de fútbol imaginario… Emociona hasta casi las lágrimas ver el ansia de libertad de los jóvenes, de cómo se refugian en la imaginación y la creatividad para escaparse de esa cárcel sin sentido, de cómo se amparan en la espontaneidad de lo fabulado para encontrar una rendija de luz y aire fresco que les permita seguir adelante.

Película sencilla, de una hermosa y delicada dirección que ofrece una mirada serena y cariñosa hacia todos sus sufridos protagonistas, toda empatía y conmiseración. Y resaltar la fuerza y valentía de los personajes femeninos, tan alejados del estereotipo de sumisa mujer musulmana a la que estamos acostumbrados en occidente. Tan imprescindible ver como necesaria recomendar. (Antonalva en Filmaffinity)



Meritorio film del director mauritano Abderrahmane Sissako, responsable también de Bamako, que ha logrado la proeza de ser nominado al Oscar a la mejor película extranjera. Cuenta con enorme talento una historia sencilla, circunscrita a un momento en que la ciudad de Mali Tombuctú estaba ocupada por extremistas musulmanes; y jugando al contraste, sabe mostrar que otro tipo de islamismo es posible y deseable. Sin estridencias, señala los excesos de un celo religioso en que se deja fuera la razón, y que contrasta con la postura de los que, nada más, pero nada menos, “usan la cabeza”, abandonándose al mismo tiempo en las manos providentes de Dios, confiando en su justicia, en que se hará su voluntad.




Con un ritmo excelente, magnífica fotografía, inteligente uso de la música, momentos duros, no aptos para todos los estómagos. Las interpretaciones de los actores son tremendamente naturales, lo que reviste de enorme dignidad a hombres y mujeres corrientes y coherentes, y hace comprensible lo incomprensible, comportamientos radicales donde resulta imposible la coherencia, al final existe bastante hipocresía y mucha injusticia. Se logra sobradamente el objetivo de mostrar que fe y razón deben conciliarse; esto no es garantía de que uno haga siempre lo correcto, bien lo sabe el protagonista, pero sí de que existe la capacidad de recapacitar, arrepentirse, rectificar.

Trailer:




Calificación: 5 de 6.

jueves, 26 de febrero de 2015

Estrenos de la semana: 27 de Febrero de 2015 (Releases of the Week: February 27, 2015)


Samba (2014)

Del director Olivier Nakache, Eric Toledano.

Con Omar Sy, Charlotte Gainsbourg, Tahar Rahim, Izïa Higelin.

Título original película "Samba", duración 120 minutos.

Samba llegó a Francia desde Senegal hace 10 años, y desde entonces ha conseguido ingresos en varios trabajos humildes. Alice es una alto ejecutivo que ha sido objeto recientemente de una quemadura.

Ambos luchan por salir de su callejón sin salida. Samba está dispuesto a hacer lo que sea necesario para obtener sus documentos de trabajo, mientras que Alice intenta recuperar su vida de nuevo... hasta que el destino los une.

Trailer de Samba










Kingsman: Servicio secreto (2015)

Del director Matthew Vaughn.

Con Colin Firth, Taron Egerton, Samuel L. Jackson, Michael Caine.

Título original película "Kingsman: The Secret Service", duración 129 minutos.

Basado en un aclamado cómic y dirigida por Matthew Vaughn (Kick Ass, X-Men First Class), Kingsman: Servicio secreto cuenta la historia de una organización súper secreta de espionaje que recluta a un niño de la calle sin refinar, pero que promete convertirse en un competitivo agente gracias a un ultra-programa de entrenamiento, al mismo tiempo que una amenaza global emerge procedente de un genio retorcido.


Trailer de Kingsman: Servicio secreto











Ex Machina (2014)

Del director Alex Garland.

Con Oscar Isaac, Domhnall Gleeson, Alicia Vikander, Corey Johnson.

Título original película "Ex Machina", duración 108 minutos.

Ex Machina es un intenso thriller psicológico protagonizado por Domhnall Gleeson, Oscar Isaac
y Alicia Vikander que cuenta la historia de Caleb, un programador de 24 años que trabaja en una de las mayores empresas de Internet del mundo.

Un día gana un concurso cuyo premio es una semana de vacaciones en la mansión privada del presidente ejecutivo de la compañía. Cuando Caleb llega a la estupenda casa en medio de la nada, descubre que deberá participar en un experimento tan extraño como fascinante en el que interactuará con la primera inteligencia artificial auténtica del mundo que habita en el cuerpo de una preciosa mujer robot.

Ex Machina basado en un triángulo amoroso, explora ideas impactantes acerca de la naturaleza de la conciencia, la emoción, la sexualidad, la verdad y la mentira.

Alex Garland es el autor de guiones de la talla de 28 días después…, Sunshine, Nunca me abandones y Dredd, así como de las novelas llevadas a la gran pantalla, The Beach y The Tesseract, la primera estrenada en España con el título La playa.


Trailer de Ex Machina









La mujer de negro 2: El ángel de la muerte (2015)

Del director Tom Harper.

Con Phoebe Fox, Merryn Pearse, Mary Roscoe, Helen McCrory.

Título original película "The Woman in Black: Angel Of Death", duración 98 minutos.

Un grupo de ocho escolares, acompañados por la directora Jean Hogg (Helen McCrory) y la joven profesora Eve Parkins (Phoebe Fox), se ven evacuados de Londres durante la Segunda Guerra Mundial y trasladados a la casi desierta aldea de Crythin Gifford. Allí conocen a Harry Burnstow (Jeremy Irvine), un piloto de la RAF que tiene el mismo destino que ellos, la ruinosa casa Eel Marsh, situada en una isla conectada a tierra firme únicamente por la carretera de las Nueve Vidas, una calzada que desaparece con las mareas.

En busca de refugio de los horrores de la guerra, su presencia no tarda sin embargo en despertar una fuerza malévola que surge de la oscuridad y lleva décadas rondando esta imponente y aislada edificación: La mujer de negro.

Trailer de La mujer de negro 2: El ángel de la muerte










Fuerza mayor (2015)

Del director Ruben Östlund.

Con Johannes Kuhnke, Lisa Loven Kongsli, Vincent Wettergren.

Título original película "Turist", duración 120 minutos.

Una familia va a esquiar a los Alpes. Están almorzando en un restaurante cuando se produce una avalancha y todo el mundo es presa del pánico. Ebba, la madre, llama a su esposo Tomas para que la ayude a proteger a sus hijos, pero Tomas ha huido para salvar su vida. La avalancha se detiene sin ocasionar daños; sin embargo, el universo familiar no volverá a ser el mismo. La actitud de Tomas ha despertado dudas y ahora busca desesperadamente la forma de recuperar su lugar como padre de familia. Una película acerca del papel del hombre en la familia moderna.


Trailer de Fuerza mayor










El país de las maravillas (2014)

Del director Alice Rohrwacher.

Con Alba Rohrwacher, Maria Alexandra Lungu, Sam Louwyck.

Título original película "Le Meraviglie", duración 107 minutos.

Fin del verano en un pueblo de la Umbría italiana. Gelsomina vive con sus padres y sus tres hermanas pequeñas, en una granja destartalada en la que se dedican a la producción de miel. Las chicas crecen alejadas de todos pues su padre cree que se acerca el fin del mundo y prefiere el contacto con la naturaleza.


Sin embargo, las reglas estrictas que mantienen unida a la familia se fragilizan con la llegada de Martín, un joven delincuente enviado por un programa de reinserción. También la llegada a la región del equipo de un concurso de televisión conocido como "Las maravillas del campo" - que ofrece un premio monetario y un crucero de lujo a la familia más tradicional - hará que la tensión dentro de la familia de Gelsomina vaya en aumento.


Trailer de El país de las maravillas (2014)



miércoles, 25 de febrero de 2015

Yellowstone Kelly (Emboscada) - (1959) - (Director: Gordon Douglas)



Emboscada

Título original: Yellowstone Kelly

Año: 1959

Duración: 91 min.

País: Estados Unidos.

Director: Gordon Douglas.

Guión: Burt Kennedy.

Música: Howard Jackson.

Fotografía: Carl Guthrie.

Reparto:

Clint Walker, Edd Byrnes, John Russell, Ray Danton, Claude Akins, Rhodes Reason, Andra Martin, Gary Vinson, Warren Oates.

Sinopsis:

Yellowstone Kelly es un cazador solitario que recala en Fort Wiford para vender sus pieles. En el camino de vuelta se le sumará un joven con el que ha hecho amistad. Ambos, serán atacados por una partida de sioux.

COMENTARIOS:

Gordon Douglas dirigió este filme protagonizado por Clint Walker, recordado por la serie ‘Cheyenne’, en el que interpreta a un trampero cuya pacífica convivencia con los indios se ve alterada por la irrupción de un destacamento de soldados norteamericanos.



Rodada en tecnicolor, la película se basa en una novela de Heck Allen guionizada por Burt Kennedy. Originalmente se pensó en John Ford para dirigirla, y en John Wayne para interpretar el papel de Clint, pero ambos optaron finalmente por rodar ‘Misión de audaces’.

Con una excelente fotografía en unos paisajes muy bellos para el western, el director Gordon Douglas nos presenta esta historia de indios norteamericanos y el ejército de la Unión.

Este film podría catalogarse fácilmente dentro de la serie B, sin embargo, las movies B suelen ir de la mano de los espacios claustrofóbicos y este no es el caso. Muy al contrario, la fotografía y los espacios naturales son dignos de otras producciones mucho mejor dotadas.



Excelente hombre de cine, Gordon Douglas ha tocado todos los palos de la baraja cinematográfica. La humanidad en peligro, El detective, Chuka o Río Conchos son ejemplos de sus virtudes como realizador.

La historia en sí no tiene mayor atractivo, pero el entretenimiento y el escenario natural está asegurado. El film no decae en ningún momento, y muy ayudado por una muy buena partitura musical que a lo largo todo el metraje de esta producción de la Warner nos deleita con su inspirada composición y orquestación. Tal vez sea una de las pocas películas del Oeste que la música está presente constantemente inspirando el film.




Clint Walker, recordado por la serie televisiva ‘Cheyenne’, da vida al trampero Luther “Yellowstone” Kelly, asentado en territorio sioux (el valle de Yellowstone), cuya convivencia pacífica de siete años con los indios resulta alterada. Las maniobras de un destacamento de soldados al mando de un mayor en busca de gloria, “Little Big Horn”, así como las tribulaciones de la india arapahoe Wahleeah (Andra Martin), objeto de deseo de los jefes sioux,conforman la estructura sentimental del filme, que deambula con mucho interés por los terrenos habituales del western entre broncas, peleas, disparos, perseguidores y perseguidos.Es de destacar también la gran belleza de la actriz Andra Martin, que con sus maravillosos ojos añaden otro atractivo al film en el papel de una india.

Los grandes aficionados al Western disfrutarán con este film que encierra los grandes atractivos de este género, aunque no sea una gran película.



No es una película a la que uno se acerque de modo casi inevitable. Es un film digamos "escondido" en la filmografía de un director excelente.




Es muy recomendable por su calidad técnica a pesar del tiempo transcurrido, en caso de visionarla en castellano, la versión del doblaje realizado en Barcelona en el año 1963, ya que existe otra versión posterior de inferior calidad hecha para la televisión.


Trailer:




Calificación: 3 de 6.

lunes, 23 de febrero de 2015

Ganadores de los Premios Oscar 2015 (Winners of the 2015 Oscar Awards)



Ganadores de los Premios Oscar 2015


Alejandro G. Iñárritu


MEJOR PELÍCULA: Birdman

Candidatas:

El francotirador
 Boyhood
 El gran hotel Budapest
 The Imitation Game
 Selma
 La teoría del todo
 Whiplash



MEJOR ACTRIZ: Julianne Moore, Siempre Alice

Candidatas:

Marion Cotillard, Dos días, una noche
 Felicity Jones, La teoría del todo
 Rosamund Pike, Perdida
 Reese Witherspoon, Alma salvaje



MEJOR ACTOR: Eddie Redmayne, La teoría del todo

Candidatos:

Steve Carell, Foxcatcher
 Bradley Cooper, El francotirador
 Benedict Cumberbatch, The Imitation Game
 Michael Keaton, Birdman



MEJOR DIRECTOR: Alejandro G. Iñárritu, Birdman

Candidatos:

Richard Linklater, Boyhood
 Bennett Miller, Foxcatcher
 Wes Anderson, El gran hotel Budapest
 Morten Tyldum, The Imitation Game








MEJOR GUION ADAPTADO: The Imitation Game, Graham Moore

Candidatas:

El francotirador, Jason Hall
 Puro vicio, Paul Thomas Anderson
 La teoría del todo, Anthony McCarten
 Whiplash, Damien Chazelle



MEJOR GUION ORIGINAL: Birdman, Alejandro G. Iñárritu, Nicolás Giacobone, Alexander Dinelaris, Jr. y Armando Bo

Candidatas:

Boyhood, Richard Linklater
 Foxcatcher, Max Frye y Dan Futterman
 El gran hotel Budapest, Wes Anderson y Hugo Guinnesy
 Nightcrawler, Dan Gilroy



MEJOR BANDA SONORA: El gran hotel Budapest, Alexandre Desplat

Candidatas:

The Imitation Game, Alexandre Desplat
 Interstellar, Hans Zimmer
 Mr. Turner, Gary Yershon
 La teoría del todo, Jóhann Jóhannsson



MEJOR CANCIÓN: Glory de Selma, John Stephens y Lonnie Lynn

Candidatas:

Everything is awesome de La LEGO película, Shawn Patterson
 I'm not gonna miss you de Glenn Campbell: All be me, Glen Campbell y Julian Raymond
 Lost stars de Begin Again, Gregg Alexander y Danielle Brisebois
 Grateful de Beyond the Lights, Diane Warren


JK Simmons, Patricia Arquette Julianne Moore, Eddie_Redmayne


MEJOR DOCUMENTAL: Citizenfour, Laura Poitras, Mathilde Bonnefoy y Dirk Wilutzky

Candidatos:

Finding Vivian Maier, John Maloof y Charlie Siskel
 Last Days in Vietnam, Rory Kennedy y Keven McAlester
 La sal de la tierra, Wim Wenders, Juliano Ribeiro Salgado y David Rosier
 Virunga, Orlando von Einsiedel y Joanna Natasegara



MEJOR MONTAJE: Whiplash, Tom Cross

Candidatas:

El francotirador, Joel Cox y Gary D. Roach
 The Imitation Game, William Goldenberg
 El gran hotel Budapest, Barney Pilling
 Boyhood, Sandra Adair



MEJOR FOTOGRAFÍA: Birdman, Emmanuel Lubezki

Candidatas:

El gran hotel Budapest, Robert Yeoman
 Ida, Lukasz Zal and Ryszard Lenczewski
 Mr. Turner, Dick Pope
 Invencible, Roger Deakins



MEJOR DISEÑO DE PRODUCCIÓN: El gran hotel Budapest, Adam Stockhausen y Anna Pinnock

Candidatas:

The Imitation Game, Maria Djurkovic y Tatiana Macdonal
 Interestelar, Nathan Crowley y Gary Fettis
 Into the Woods, Dennis Gassner y Anna Pinnock
 Mr. Turner, Suzie Davies y Charlotte Watt




MEJOR PELÍCULA ANIMADA: Big Hero 6

Candidatas:

Los Boxtrolls
 Song of the Sea
 El cuento de la princesa Kaguya
 Cómo entrenar a tu dragón 2



MEJOR CORTOMETRAJE ANIMADO: Buenas migas

Candidatos:

The Bigger Picture
 The Dam Keeper
 Me and My Moulton
 A Single Life



MEJORES EFECTOS VISUALES: Interstellar, Paul Franklin, Andrew Lockley, Ian Hunter y Scott Fisher

Candidatas:

Capitán América: El soldado de invierno, Dan DeLeeuw, Russell Earl, Bryan Grill and Dan Sudick
 Guardianes de la Galaxia, Stephane Ceretti, Nicolas Aithadi, Jonathan Fawkner y Paul Corbould
 X-Men: Días del futuro pasado, Richard Stammers, Lou Pecora, Tim Crosbie y Cameron Waldbauer
 El amanecer del planeta de los simios, Joe Letteri, Dan Lemmon, Daniel Barrett y Erik Winquist



MEJOR ACTRIZ DE REPARTO: Patricia Arquette, Boyhood

Candidatas:

Laura Dern, Alma salvaje
 Keira Knightley, The Imitation Game
 Emma Stone, Birdman
 Meryl Streep, Into the Woods



MEJOR EDICIÓN DE SONIDO: El francotirador, Alan Robert Murray y Bub Asman

Candidatas:

Birdman, Martin Hernández y Aaron Glascock
 El Hobbit: La batalla de los cinco ejércitos, Brent Burge y Jason Canovas
 Interstellar, Richard King
 Invencible, Becky Sullivan and Andrew DeCristofaro



MEJOR MEZCLA DE SONIDO: Whiplash, Craig Mann, Ben Wilkins y Thomas Curley

Candidatas:

El francotirador, John Reitz, Gregg Rudloff y Walt Martin
 Birdman, Jon Taylor, Frank A. Montaño y Thomas Varga
 Interstellar, Gary A. Rizzo, Gregg Landaker y Mark Weingarten
 Invencible, Jon Taylor, Frank A. Montaño y David Lee



MEJOR CORTO DOCUMENTAL: Crisis Hotline

Candidatos:

Joanna
 Our Curse
 The Reaper
 White Earth



MEJOR CORTOMETRAJE: The Phone Call

Candidatos:

Aya
 Boogaloo and Graham
 Burter Lamp
 Parvaneh



MEJOR PELÍCULA DE HABLA NO INGLESA: Ida

Candidatas:
 Leviatán
 Mandarinas
 Timbuktu
Relatos salvajes



MEJOR MAQUILLAJE Y PELUQUERÍA: El gran hotel Budapest, Frances Hannon y Mark Coulier

Candidatas:

Foxcatcher, Bill Corso y Dennis Liddiard
 Guardianes de la Galaxia, Elizabeth Yianni-Georgiou y David White



MEJOR VESTUARIO: El gran hotel Budapest, Milena Canonero

Candidatas:

Puro vicio, Mark Bridges
 Into the Woods, Colleen Atwood
 Maléfica, Anna B. Sheppard y Jane Clive
 Mr. Turner, Jacqueline Durran




MEJOR ACTOR DE REPARTO: J. K. Simmons, Whiplash

Candidatos:

Robert Duvall, El juez
 Ethan Hawke, Boyhood
 Edward Norton, Birdman
 Mark Ruffalo, Foxcatcher

domingo, 22 de febrero de 2015

Realismo poético francés (1930-1947) - French poetic realism (1930-1947)



Realismo poético francés (1930-1947)


En los años 30 del siglo XX se produce el auge del cine americano, ubicado y centrado ya en Hollywood, que empieza su expansión por el resto del mundo. Frente a él, surgen en Europa nuevos movimientos y autores importantes. En Francia, surge una nueva vanguardia que posteriormente se la llamará “Naturalismo” o su nombre más popular: “Realismo Poético”.

El “Realismo Poético” fue producto, en parte, de la quiebra de las grandes sociedades de producción a mediados de los años treinta. Esta situación permite el florecimiento de realizadores y productores independientes. Aunque la producción no fue muy copiosa, fue suficiente para desarrollar esta famosa escuela francesa. El realismo poético fue el lazo que unió de 1930-1945 a René Clair, Jean Vigo, Jean Renoir, Marcel Carné, Jacques Becker, Jean Grémillon, Jacques Feyder y Julien Duvivier.



"Jean Vigo"

No es una escuela en sentido estricto Sus representantes más conocidos, Carné, Duvivier, Feyder, Grémillon o Renoir, compartían, más que gustos, preocupaciones, temperamento o estilo, interés por ciertos temas y climas, pero sobre todo compartían a los mismos guionistas, como Charles Spaak y Jacques Prevert.

Esta “escuela”, por llamarla de alguna manera, fue como una especie de neorromanticismo que se recreaba en los contrastes violentos: el hombre y su aspiración a la felicidad, por un lado, y la sociedad y sus discutibles reglas, por otro. Sus personajes no eran gente de la alta sociedad, no eran héroes típicos de las películas americanas; eran obreros, malhechores, desertores, prostitutas, criados, personajes de las clases más bajas de la sociedad. Eran películas pesimistas, que casi siempre acababan mal, pero eran verdaderamente hermosas. Concebían películas donde se enfrentaban el bien y del mal, a través de personajes malvados y otros íntegros, víctimas de un destino muy a menudo trágico.



"Jean Renoir"

Tres puntos a destacar del realismo poético de entreguerras: la denuncia del orden social en sí mismo (Jacques Prevert tuvo aquí un papel esencial); la crónica de las costumbres, satírica y desengañada; y la percepción lírica empleada como forma de rechazar la condición humana, tanto la de los intelectuales como la de los proletarios de todas las clases. El realismo poético enfrenta los sentimientos humanos y a menudo la buena voluntad de los hombres a las crueldades de un inexorable destino

ANTECEDENTES (hasta 1935)

Clásico entre los «clásicos», René Clair desarrollaría los principios del realismo poético. Con su ópera prima, “Paris qui dort” (1923), ya se descubrirían las premisas del estilo de su obra posterior: sensibilidad, emoción, ingenio, ironía, imaginación, sentido de lo cómico, fantasía, lirismo, capacidad de observación, sencillez, humanidad, indulgencia ante el amor... Todo un programa de creación artística que iría a la par de la historia del cine de su país. René Clair, asimismo, crearía una «escuela» propiamente suya, formada por sus seguidores: Carmine Gallone, Augusto Genina, Georges Lacombe, Joseph Hémard, Paul Fejos y Berthomieu dan testimonio de ello con sus películas.



“Paris qui dort”

Cuatro películas de este maestro del Cine destacarían en la presente vanguardia: “Sous les toits de París” (1930), primera cinta sonora del cine francés, en la cual ofrece una observación del París barriobajero realmente antológica; “A nous la liberté!” (1931), discutida sátira social que pregona una bohemia individualista (que influiría al Chaplin de Tiempos Modernos); “Le million” (también de 1931), primer gran musical parisiense, en el que da una lección de hacer cine: sentido de la medida, concepción de «números» populares y que salen espontáneamente a la acción, descripción de todo un mundo de clases, de toda picaresca y creación de tipos; y “Quatorze juillet” (1932), retrato social de una época, con un sabor melancólico y sentimental que está sustentado en la interpretación de la fina Annabella. Cuatro piezas maestras que dan la dimensión de René Clair como poeta de la imagen.

Jean Vigo es otro antecedente, aunque su influencia sobre la escuela es muy discutida. Su cine es, por una parte, muy personal, poco relacionado con el que sus compatriotas hacían en esos años. Por otro lado, sus obras no tuvieron difusión hasta años después de terminada la Segunda Guerra Mundial. Su obra maestra, “L'Atalante”, supuso una ruptura total con la mayor parte del cine francés de los años treinta. Es un cine en prosa, duro y realista, a veces cínico, tolerando la poesía únicamente en pequeñas dosis. Frágil y a menudo balbuceando, mezcla la poesía con algunos relámpagos surrealistas (la secuencia submarina). Sus características: extrema desdramatización, negación de la psicología, acento puesto sobre momentos sin importancia, sobre detalles insignificantes o curiosos, sobre personajes (el vendedor ambulante) que pueden surgir de cualquier sitio y desaparecer como vinieron.


“L'Atalante”

Jacques Feyder es considerado otro de los precursores de este periodo, a su vuelta de su periplo americano. Películas como: “Thérese Raquin” (1928); “Le grand joue” (1934); o “Pension Mimosas” (1935), típico ejemplo de realismo poético.

“La petite Lisa” (1930), de Jean Grémillon, es considerada una anticipación del fatalismo melancólico y el compromiso con los marginados típicos del realismo poético.

SU EDAD DE ORO: 1935-1939

En este periodo, los guionistas, dialoguistas y adaptadores tomaron el relevo a los hombres de teatro como creadores de historias para el cine. Es el historiador Pierre Leprohon quien mejor sintetiza el cambio realizado:

«Provenientes de la literatura o del periodismo, aportan al cine un pensamiento moderno, un temperamento poético en el caso de Prévert y de Véry; satírico, en el de Jeanson; dramático, en el de Spaak. Sabrán crear un diálogo más directo que el del teatro (...). Uno de los grandes méritos de los guionistas es el de haber librado al cine francés de la molesta herencia de los dramaturgos de la “belle époque”. Los conflictos pasionales van a tomar, con ellos, un nuevo giro, sabiendo aprovechar los medios puestos a su disposición. Modernizan el film, poniéndole dramáticamente al nivel de su tiempo.»



“Les bas fonds” 

Charles Spaak sería una figura esencial en aquella época, sólo superada en importancia por la del poeta Jacques Prévert, ya que ambos escribieron la mayoría de los papeles de la gran estrella francesa de aquellos años, Jean Gabin. La contribución de Prévert, a través de una larga colaboración con el director Marcel Carné, dio como resultado “Quai des Brumes” (1938) y “Le jour se leve” (1939). Spaak, por su parte, escribiría “La belle équipe” (1936), de Jean Duvivier y “Les bas fonds” (1936) y “La grand illusion” (1937), ambas de Jean Renoir, menos fatalista en la concepción de sus personajes.

Uno de los grandes maestros del «realismo poético» fue Jean Renoir. Hijo del famoso pintor impresionista Auguste Renoir, es el autor completo de sus films, los cuales expresan su singular personalidad. Así, escribió en 1938:

«Con ingenuidad y trabajo me esforzaba por imitar a los maestros norteamericanos, y es que no había entendido que un francés que vive en Francia, bebe vino tinto y come queso de Brie, con las grisáceas perspectivas parisinas de fondo, no puede hacer obra de calidad si no es fundándose en las tradiciones de la gente que vive como él».





Son películas claves en esos primeros años “La chienne” (1931), “Boudu sauvé des eaux” (1932), “Toni” (1934), considerada gran precursora del Neorrealismo, “Une partie de campagne” (1936), emocionado homenaje al impresionismo, y “Los bas fonds” (también del año 1936).

Considerado al igual que Welles como el «padre» del cine moderno, la obra de Renoir influiría en las corrientes renovadoras del cinema. Sutil pintor del hombre, con su amor y su fealdad, evocador del drama personal y social, obligando al espectador a meterse en los personajes, Jean Renoir intentó mantener una postura objetiva ante los problemas que se debaten en sus películas, no exento de humor y de amargura. Asimismo, su sentido visual revoluciona la narrativa clásica; él, como hiciera Bertolt Brecht, rompe la «cuarta pared» de la pantalla, para que cámara y público se comuniquen directamente. Amante del plano largo y de la profundidad de campo, trata cada escena como un film aparte. De ahí que algunas de sus obras sean imperecederas, las cuales evidencian una nueva óptica del arte de las imágenes.




Tal es el caso, también, de sus películas del período del Frente Popular, cuya problemática social contribuyó a tocar temas más comprometidos a partir de 1936: “La Vie est á nous” (1936), exaltación entusiasta del «populismo»; “La grand illusion” (1937), fllm pacifista que enfrenta a personas de distintos estratos en el drama común de la Gran Guerra, acaso en un intento de evitar la segunda conflagración mundial; “La Marselleise” (1938), brillante episodio de la Revolución francesa pagado por suscripción popular; y “La regle du jeu” (1939), sátira sobre las clases dirigentes francesas, llena de fantasía, humor del absurdo y amargura, no exenta de «chauvinismo». De ahí que Jean Renoir declarara:

«Es ahora cuando empiezo a saber cómo hay que trabajar. Sé que soy francés y que debo trabajar en un sentido absolutamente nacional. Y al hacerlo así, sé también que tengo que entrar en relación con la gente de otras naciones y hacer una labor de internacionalismo».

El otro máximo exponente de la escuela es Marcel Carné. O tal vez sea mejor decir la pareja Marcel Carné-Jacques Prévert.





Nacido en un ambiente de burguesía devota, Prévert prefirió desde muy joven la calle, y fraguó una personalidad artística de poeta libertario y coloquial, enemigo de órdenes y culturas establecidos. En 1930 rompe con los surrealistas de André Breton y se abre un hueco en París como libretista y letrista de canciones. En sus textos late lo cotidiano, transfigurado por una mirada a la vez poética y desengañada. Cuando conoce al director Marcel Carné ya había colaborado en los guiones de “L'affaire est dans le sac” –dirigida por su hermano Pierre- o “Le crime du Monsieur Lange”, de Renoir, pero aún no ha encontrado quien reflejase exactamente su universo personal.

Marcel Carné parece la persona adecuada. Más integrado socialmente que Prévert, es sin embargo nueve años más joven que el poeta, y por tanto más inocente e influenciable. Formado como periodista y crítico de cine, y como ayudante de dirección de René Clair y Jacques Feyder, Carné también tiene conciencia de lo popular, pero atemperada por un ideario estético influido por Murnau y Max Reinhardt. En su opinión,

“la imagen debe componerse con la misma preocupación por efectos y expresiones que mostraron los viejos maestros de la pintura”.





Hasta 1936 Carné solo había realizado un cortometraje, y debuta en el campo del largo precisamente con un guión de Prévert: “Jenny”, un melodrama sentimental; colaboración a la que seguirán “Dr´le de drame” (1937), comedia de los equívocos en torno a un hombre que llega a investigarse a sí mismo, y “Quai des brumes” (1938), en la que el ambiente ha cambiado por completo.

Y es que Francia, dos años antes de la Segunda Guerra Mundial, ya huele, en palabras de Jean-Pierre Jeancolas, “a pólvora, a muerte y al fin de una civilización”. En “Quai des brumes” el amor es infeliz, la atmósfera sombría, la muerte individual un destino no peor que la palabrería estéril y ciega del colectivo humano. Prévert y Carné son acusados por los comunistas de hacerle la cama al fascismo. Las autoridades, por su parte, bajo un nuevo signo censor y desencadenada la tragedia bélica, llegarían a decir en 1940, “si hemos perdido la guerra, culpad a “Quai des brumes”. Carné responderá: “No culpéis a un barómetro por predecir la tormenta”.




Tras una pausa en la colaboración entre guionista y director, Carné vuelve a requerir en 1939 los servicios de Prévert para trabajar junto a él por cuarta vez. Se trata de “Le jour se lève”, última película antes del estallido de la guerra.


APOGEO Y EPÍLOGO (1939-1947)

Por razones de censura, durante la Ocupación alemana, el realismo poético vira a lo fantástico: “L'Eternel Retour” de Jean Delannoy (1943), “Les visiteurs du soir” de Marcel Carné (1942) extraen hasta el agotamiento los recursos estéticos del género. Interiorizan los problemas del momento en lugar de reflejarlos. Refugiados en sus estudios, con sus vedettes y sus decorados artísticos, crean mitos en lugar de personajes y supera la realidad para extraer fábulas filosóficas.

Veamos la película de Carné-Prevert. Durante la ocupación alemana imaginan una historia que parecía ficticia. "Les Visiteurs du soir" (1942), con Arletty, Alain Cuny, Marie Dea y Jules Berry haciendo un Diablo impagable, rodeado por una corte de fenómenos deformes, fue entendida como una formidable metáfora sobre el nazismo. Y la escena final, con los enamorados convertidos en piedra mientras sus corazones seguían latiendo, una clara alusión a la Resistencia. Fue un triunfo: la censura no entendió lo que el pueblo sí.

En 1945 Carné estrenaba "Les enfants du paradis”, que había filmado aún bajo la dominación extranjera, con Arletty, Jean-Louis Barrault, María Casares y Pierre Brasseur. Está considerada como una de las mejores películas de la historia del cine francés y mundial.





El triunfo de “Les enfants du paradis” supone a la vez el fin de este periodo de la historia del cine. La Liberación de Francia no provocó la vuelta al realismo. El público desea más o menos inconscientemente otro análisis psicológico y social distinto al clásico recurso a la fatalidad, al destino, a los sueños y a la imaginación. Mientras “La Belle et la Bete” de Cocteau consigue un gran éxito en 1946, “Les portes de la nuit”, del tandem Carné-Prévert, supuso una gran decepción ese mismo año.

Se hará alguna película más, pero no tendrán ya el éxito de público y crítica de antes de la guerra. Se inició el rodaje de “La Fleur de l'Ãge” en 1947, última colaboración entre Carné y Prévert, pero una serie de problemas (desavenencias, huelga de técnicos,...) provocaron que en julio de ese año, cuando se llevaba rodado una quinta parte de la película, se parara la producción. En 1952 se intentó relanzar el proyecto, pero las cintas con las escenas rodadas desaparecieron.


"Les Visiteurs du soir"

El fracaso de “Les portes de la nuit” supuso el fin del realismo poético, sustituido en Francia por el realismo psicológico y el cine negro. Con la proliferación de cine-clubs, se impone la Liberación, la noción de "cine de autor". Los actores famosos pierden relevancia en favor de los cineastas y de su universo: Jacques Tati y “Jour de fete”; Robert Bresson y “Les mademoiselles du Bois de Boulogne”; Jean Cocteau y “La Belle et la Bete”; un poco más tarde los jóvenes de la “Nouvelle Vague”…

El cine cerraba un capítulo de su historia y abría otro nuevo. 

(por acg110080)