sábado, 14 de octubre de 2017

A Ticket to Tomahawk (Billete a Tomahawk) - (1950) - (Director: Richard Sale)





Título original: A Ticket to Tomahawk

Título español: Billete a Tomahawk

Año: 1950

Duración: 86 min.

País: Estados Unidos.

Director: Richard Sale.

Guion: Mary Loos, Richard Sale.

Música: Cyril J. Mockridge.

Fotografía: Harry Jackson.

Reparto:
Dan Dailey, Anne Baxter, Rory Calhoun, Walter Brennan, Charles Kemper, Connie Gilchrist, Arthur Hunnicutt, Marilyn Monroe, Will Wright, Chief Yowlachie, Jack Elam.


Productora: Twentieth Century Fox Film Corporation.


Género: Western.


Sinopsis:

Durante el año 1876 en el lejano Oeste, una compañía de ferrocarriles se ve amenazada por una nueva empresa de la competencia y teme perder el monopolio. Por eso, el dueño de la empresa, Dawson, contrata a un pistolero que debe impedir que el tren inaugural llegue hasta el pueblo de Tomahawk a la hora prevista. Al mismo tiempo, Kit, la nieta del sheriff Dodge, tiene la responsabilidad de hacer que la máquina llegue con éxito a su destino llevando a bordo a un único pasajero, Johnny.


Premios: 1950 - Sindicato de Guionistas (WGA): Nominada a Mejor guión Western.



Comentario:

Original western que introduce muchos toques de humor. "Billete a Tomahawk" es uno de los pocos títulos que tuvo el valor (no siempre reconocido y a menudo criticado) de hibridar el wéstern con la comedia, en pleno apogeo de este género durante los años 50.



Dirige la cinta Richard Sale, quien también firma el guión junto a su inseparable Mary Loos. Ambos trabajaron juntos en numerosos guiones como "La línea francesa" o "Los caballeros se casan con las morenas". El film cuenta como extra con una jovencísima Marilyn Monroe, que ni siquiera salía en los títulos de crédito, y que interpreta a una corista. El número musical "Oh, What a Forward Young Man You Are", que interpreta Marilyn junto al tren con otras tres muchachas, es una de las secuencias más sobresaliente de la cinta.



"Billete a Tomahawk" es una comedia amable y agradable con un buen reparto, Dan Dailey, Anne Baxter, Rory Calhoun, Walter Brennan...





Trailer:




Marilyn Monroe:




Calificación: 2 de 6.


lunes, 9 de octubre de 2017

Palmarés del Festival de San Sebastián 2017




«The Disaster Artist», de James Franco, Concha de Oro del Festival de San Sebastián

La comedia que dirige y protagoniza James Franco, y que parodia a la peor película de la historia, ha ganado el máximo galardón del Festival de Cine de San Sebastián


Costaba imaginar a un jurado de un festival internacional del prestigio de San Sebastián decantándose por «The Disaster Artist» como mejor película. Una comedia desternillante, sobre un fenómeno friki, firmada por un actor de Hollywood de renombre mundial. Todo quizás excesivamente «mainstream». Pero lo cierto es que James Franco no se ha olvidado de llenar las risas de contenido y su filme se disfruta tanto como invita a reflexionar sobre el éxito, el fracaso, los sueños, los azares de la vida... «Es una película sencilla sobre un hombre alocado. Pero todos estamos locos, todos tenemos grandes sueños. Y en estos tiempos de locura espero poder aportar un poco de luz e inspiración a los demás», aseguró James Franco al recibir ayer de manos de John Malkovich, presidente del jurado, la Concha de Oro.


Un galardón sorprendente pero no inmerecido que compensa a su realizador de la mala noche anterior: «Ha sido todo una aventura, he pasado en el hospital toda la noche porque mi novia tuvo un problema en la garganta. Y ahora esto. Siempre recordaré San Sebastián. Recibir este premio me llega al corazón». «The Disaster Artist» recrea el rodaje de «The Room», cinta hoy de culto por ser considerada la «peor película de la historia» y hace un retrato de su creador, Tommy Wiseau, al que da vida en una espectacular lección de actuación/imitación el propio James Franco. Fuera de la cinta ganadora de la Concha de Oro, si hay una película que puede irse también de San Sebastián con clara sensación de ganadora es «Alanis», el retrato de una prostituta creado por Anahí Berneri. La argentina, además, hace historia en el Festival: es la primera mujer que logra la Concha de Plata a Mejor Director en las 65 ediciones. Para redondear la fiesta, la actriz Sofía Gala Castiglione se llevó la Concha de Plata a Mejor Actriz por la misma cinta. Por su parte, el actor rumano Bogdan Dumitrache se hizo con la Concha de Plata al Mejor Actor por la interpretación de la degradación de un padre tras la desaparición de su hija en «Pororoca», cinta rumana que para muchos era la más clara aspirante a la Concha de Oro junto, según la opinión de otros, la española «La vida y nada más».

No fue una edición especialmente buena para el cine español, de hecho, representado con varias películas a concurso. Pero la meticulosa producción «Handia», de Jon Garaño y Aitor Arregi, se llevó el Premio Especial del Jurado por, según explicó la integrante del mismo Emma Suárez, «la originalidad de su propuesta que a través de un personaje logra comunicarnos la esencia de un país y sus diferencias». Para los realizadores, el Festival de San Sebastián es «nuestra casa, aquí hemos aprendido a ver cine». «Loreak», su debut en el largometraje, ya puso en boca de todos a esta pareja artística que promete deparar grandes películas al cine vasco. El mejor guión fue para Diego Lerman y María Meira por «Una especie de familia», película que narra la desmedida ansia de adoptar de una mujer interpretada por Bárbara Lennie. Por su parte, el premio a la Mejor Fotografía fue para «The captain», rodada en blanco y negro. El Premio del Público recayó en «Tres anuncios a las afueras de Ebbing, Misuri», y en la sección de Horizontes Latinos, «Los perros», de Marcela Said, fue la gran vencedora.

Palmarés:


Concha de Oro a la Mejor Película: "The Disaster Artist", de James Franco

Premio Especial del Jurado: "Handia", de Aitor Arregi y Jon Garaño

Concha de Plata al Mejor Director: Anahí Berneri por "Alanis"

Concha de Plata al Mejor Actor: Bogdan Dumitrache por "Pororoca"

Concha de Plata a la Mejor Actriz: Sofía Gala por "Alanis"

Premio a la Mejor Fotografía: Florian Ballhaus por "The captain".

Premio al Mejor Guión: Diego Lerman y María Meira por "Una especie de familia"

Premio Nuevos Directores: "Le semeur" de Marine Francen

Premio del Público: "Tres anuncios en las afueras de Ebbing, Misuri", de Martin McDonagh

Premio Horizontes Latinos: "Los perros" de Marcela Said.

Premio de la Juventud: "Matar a Jesús" de Laura Mora

Premio Cine en Construcción: "Ferrugem", de Aly Muritiba

Premio Zabaltegi Tabakalera: "Braguino" de Clément Cogitore

Premio "Otra mirada", de TVE: "Custodia compartida" de Xavier Legrand.

Premio Irízar del Cine Vasco: "Handia" de Aitor Arregi y Jon Garaño.

Premio del Público a la Mejor Película Europea: "Custodia compartida" de Xavier Legrand.

Premio FIPRESCI: "La vida y nada más", de Antonio Méndez Esparza

Premio Feroz Zinemaldia: "The Disaster Artist" de James Franco

Premio Cooperación Española: "Alanis" de Anahí Berneri

Premio Sebastiane: "120 pulsaciones por minuto" de Robin Campillo.

domingo, 1 de octubre de 2017

Klondike Annie (La hermana Annie) - (1936) - (Director: Raoul Walsh)

Klondike Annie

1936

Raoul Walsh



Imagen


Título original: Klondike Annie

Título en español: La hermana Annie

Año: 1936

Duración: 73 min.

País: Estados Unidos.

Director: Raoul Walsh.

Guion: Marion Morgan, George B. Dowell, Mae West, Frank Mitchell Dazey.

Música: John Leipold, Tom Satterfield, Victor Young.

Fotografía: George T. Clemens (B&W)


Reparto:

Mae West, Victor McLaglen, Harry Beresford, Soo Yong, Philip Reed, Helen Jerome Eddy, Lucille Webster Gleason, Harold Huber.

Productora: Paramount Pictures.

Género: Comedia.

Sinopsis:


Una hermosa mujer abandona la prostitución gracias a la ayuda de su amante chino. Sin embargo, los constantes celos de éste hacen que planee abandonarlo, aunque él tratará de impedírselo.







Comentario:


"Creo en la censura; he hecho una fortuna gracias a ella". (Mae West)


Mary Jane West, más conocida como Mae West (Bushwick, Brooklyn, Nueva York, 17 de agosto de 1893 - Hollywood, Los Ángeles, 22 de noviembre de 1980) fue una actriz, cantante, comediante, guionista y dramaturga estadounidense.





Dotada de gran ironía y curvas sinuosas que exhibía en poses lánguidas y provocativas, su estilo escandalizó a los puritanos de los años 1920-40, una época gris en Estados Unidos por la Ley seca y la Gran Depresión posterior al Crack del 29. Maestra del doble sentido, fue conocida por sus frases picantes.




En 1927 fue detenida y condenada a diez días de cárcel por «corromper a la juventud» con la exitosa obra "Sex", sobre una prostituta, que ella había protagonizado, producido, escrito y dirigido. La actriz descartó pagar una multa para eludir la prisión, pero no por falta de dinero sino para explotar la noticia con fines publicitarios: se presentó en la puerta de la cárcel a bordo de una limusina llena de rosas, causando sensación entre los periodistas, y durante su internamiento alardeó de vestir pantys de seda en lugar de la austera ropa de presidiaria. Por buen comportamiento salió de la cárcel dos días antes de lo previsto, y concedió una entrevista exclusiva por la que cobró mil dólares de la época. Este tipo de peripecias consagraron a West como una «chica mala», con un desparpajo y salidas de tono prohibidas para las figuras del star system de Hollywood, las cuales estaban obligadas por contrato a mantener una intachable imagen pública. (Wikipedia)




En "Klondike Annie", se produce el encuentro de tres fuerzas irresistibles, Mae West, Victor McLaglen y el director Raoul Walsh. A menudo citada como la película definitiva de Mae West, "Klondike Annie" es sin embargo un vehículo inusual para la rubia, claramente suavizada por los mandatos del Código de Producción Hays.

No soy un fan de Mae West - pero la encuentro impresionante aquí y creo que ésta es una de sus mejores películas- . El guión no es totalmente creíble pero el mensaje general de la película -de crecimiento personal y asumir la responsabilidad de la verdad- tiene un atractivo poderoso.




La Colección MPAA / PCA en la Biblioteca AMPAS revela que Will H. Hays, presidente del MPPDA, se mostró firme en que el personaje de Annie nunca apareciese como una "trabajadora religiosa" real. En 1935, el primer guión, "Klondike Lou" , fue rechazado por esta razón. Una carta de septiembre de 1935 de la oficina de Hays con respecto al segundo guión presentado observó que la ropa de Annie "no debe tener sobre ella ninguna sugerencia definida de su trabajo religioso." Además, las líneas, "Hay almas para ser salvado en todas partes", y "Tenemos una misión en Nome", se recomendó que se cambie a "Hay almas que hay que rescatar" y "Tenemos un asentamiento en Nome". La preocupación de Hays por el posible contenido religioso de la película continuó en febrero de 1936, cuando declaró en una carta interoficial a Joseph I. Breen, director de la PCA, "Mi peor preocupación no es la presunta salaciedad, sino que es el fracaso del productor evitar la impresión de que se trata de un cuadro de la casa de la misión y que "La Muñeca" se disfrazaba de misionera. El intento de evitar esto me resulta poco convincente". Sin embargo, con las alteraciones de la película fue aprobada.




Los censores locales eliminaron casi por unanimidad la escena en la que Chan Lo fue apuñalado por Doll, además de las escenas en las que Ah Toy fue torturado, y varias escenas de intimidad entre Doll y sus amantes también fueron eliminadas. La oficina de Hays fue atacada por varias organizaciones por aprobar la liberación de "Klondike Annie", y los periódicos propiedad de Paul Block y William Randolph Hearst lanzaron una vigorosa campaña contra la promoción de la película. En una carta enviada a Paramount por el presidente del San Francisco Motion Picture Council en mayo de 1936, el presidente condenó la película porque "presenta a su heroína como amante de un oriental, luego como una asesina, luego como una imitadora barata de una misionera, la religión jazzística no está en armonía con otras fuerzas educativas de nuestra organización social, y estos elementos son particularmente desagradables cuando están entremezclados con grietas sucias y sabias". 




El Atlanta Better Films Committee también condenó la película debido a su tema. Los periódicos de Paul Block publicaron un editorial que sugirió que la Oficina de Hays "serviría al público estadounidense, así como a toda la industria cinematográfica, a un mejor propósito si fuera a proscribir imágenes indecentes e inmorales como la película Klondike Annie, elogia la vida de mala reputación y glorifica el vicio. Los censores puede recortar algunas de las peores escenas en algunos estados, pero no pueden limpiarla, ya que toda la historia está en el nivel más bajo posible, es humillante que una película de este tipo pueda ser presentada al público bajo el disfraz de entretenimiento". Los periódicos de Hearst prohibieron todos los anuncios para Klondike Anni. La Legión Nacional de Decencia publicó una proclama contra la película en varias publicaciones. Un artículo en el Herald afirmó que la película era "una afrenta a la decencia del público". Según artículos contemporáneos, la Gaceta Nacional de la Policía presentó una demanda por difamación contra Paramount por usar un facsímil de la revista en la película durante una escena en "una casa de ladrones". La película fue prohibida en Australia. A pesar de la prensa negativa, Motion Picture Herald informó que "Klondike Annie" recaudó "$ 2500 a $ 8500 por promedio por taquilla".





Mae West:





Calificación: 3 de 6.

viernes, 15 de septiembre de 2017

The Devil Thumbs a Ride (Autostop al infierno) - (1947) - (Director: Felix E. Feist)



Título original: The Devil Thumbs a Ride

Título en español: Autostop al infierno (Amenaza diabólica)

Año: 1947

Duración: 62 min.

País: Estados Unidos.

Director: Felix E. Feist.

Guion: Felix E. Feist (Novela: Robert C. DuSoe)

Música: Paul Sawtell, Roy Webb.

Fotografía: J. Roy Hunt (B&W)

Reparto:

Lawrence Tierney, Ted North, Nan Leslie, Betty Lawford, Andrew Tombes, Harry Shannon, Glen Vernon, Marian Carr, William Gould, Josephine Whittell, Phil Warren, Robert Malcolm, Arthur Q. Bryan.

Productora: RKO Radio Pictures.

Género: Cine negro.



Sinopsis:

Un viajante de comercio que regresa de una fiesta, habiendo bebido unas copas, recoge a un autoestopista en la carretera. El joven no sabe que en realidad su pasajero es un delincuente muy peligroso que acaba de cometer un crimen. 





Comentario:


He aquí la típica cinta noir RKO: concisa, veloz, brutal, sugerente más que explícita. Tierney, con esa mirada que te convierte en un fardo gimoteante en cuestión de segundos, es el asesino sin escrúpulos, probablemente psicótico, que sube al coche de un comercial palurdo y le amarga la vida. 



Por cierto que la galería de personajes que desfilan por la pantalla son escasamente recomendables. Los polis se pasan las noches jugando al póker como si les fuera la vida en ello; el comercial es más tonto que pichote y sólo aspira a ganar más y más dinero; su mujer es una mantenida dominada por la madre, otro ogro; el vigilante nocturno es un borracho asqueroso que miente más que habla; el chiquito de la gasolinera es un repugnante delator siempre a la caza de recompensas; y el putón verbenero que le baila el agua al asesino es de bofetada. 



En conjunto, una mirada pesimista, casi nihilista, al american way of life. En poco más de una hora, Felix Feist (eso que llaman un fiel artesano) despacha una historia que ahora tardarían dos horas en desarrollar, con brío, eficacia y ritmo. Una muy agradable sorpresa. (Eduardo en Filmaffinity)



Si bien Autostop al infierno no es la película más recordada de su director, sí que merece ser rescatada por su perfecta concisión y su modélica manera de definir el carácter de sus protagonistas solo con el uso de las miradas y la disposición de los actores en el cuadro, por su cortante forma de plasmar la violencia, por su vorágine de maldad imparable y el aroma de perdición que se apodera de cada plano, de cada bocanada de aire que el espectador intenta tomar mientras contempla atónito cómo el diablo puede guiar tus pasos sin que apenas puedas ser consciente de ello. ( José Luis Forte en cinema magazine)



Muy recomendable.




El comienzo:
video



Calificación: 4 de 6.

martes, 22 de agosto de 2017

A Rather English Marriage (TV) - (Un matrimonio bastante inglés) - (1998) - (Director: Paul Seed)


Título original: A Rather English Marriage (TV)

Año: 1998

Duración: 100 min.

País: Reino Unido.

Director: Paul Seed.

Guion: Andrew Davies (Novela: Angela Lambert)

Música: Jim Parker.

Fotografía: Gavin Finney.


Reparto:

Albert Finney, Tom Courtenay, Joanna Lumley, John Light, Joanna Scanlan, Priyanga Burford, Ursula Howells, Katie Carr, Aileen O'Gorman, Iain Jones, Caroline Carver, Rebecca Clarke, Laura Heath, Rosamund Pike, Lucy Robinson.


Productora: Wall to Wall Television.

Género: Comedia dramática.


Sinopsis:

Después de las muertes de sus respectivas esposas, un ex-pioto de la RAF y un humilde lechero jubilado se mudan juntos, y pronto forman una relación mutuamente beneficiosa. Finney y Courtenay, fantásticos.



Premios:

1998: 3 Premios BAFTA TV: Mejor telefilm, mejor actor (Tom Courtenay) y mejor montaje. 6 nominaciones.






Comentario:

Quince años después de la magnífica "The Dresser" (La sombra del actor), Albert Finney y Tom Courtenay se reunen de nuevo, esta vez para la televisión, en una magnífica comedia dramática para la BBC.




Dos hombres pierden sus esposas la misma noche y en el mismo hospital, Roy Southgate (Courtenay) es un marido leal, dedicado, que pasa horas con su esposa cuando la visita en el hospital. Reggie Conyngham-Jervis (Finney) es un mujeriego que confía en su esposa principalmente por sus habilidades en la cocina y la limpieza y ve en sus visitas al hospital como una pérdida de tiempo, pués podría estar mejor en el pub.




Cuando un trabajador social ve que cada uno podría ser la solución a los problemas del otro, estos dos personajes completamente opuestos (plagados de problemas personales que tratan de mantener ocultos) y que eran conocidos de la sala de espera del hospital, se van a vivir juntos en la misma casa.




Este es el tipo de comedia dramática para la televisión, bien escrito, muy bien realizado que nadie parece querer hacer más, los dos actores forman una asociación tan brillante y eficaz como lo hicieron en "The Dresser" quince años antes. Albert Finney, en el papel más lucido y agradecido está magnífico, el personaje le viene como anillo al dedo, mujeriego, machista, vividor... borda el papel sin caer en el histrionismo.




Por su parte, Tom Courtenay está sublime, como en otras ocasiones (The Dresser, Last Orders o 45 años), le corresponde el papel protagonista menos brillante, pero este actor saca petroleo de donde no hay, sus gestos, miradas, tartamudeos... en el papel de hombre responsable, fiel a su mujer, que sabe y realiza todas las tares de la casa... borda la interpretación, ganó el premio Bafta a la mejor interpretación del año para la televisión. Sus estilos tan distintos se complementan perfectamente. Joanna Lumley está encantadora. La historia se cuenta con una gran sensibilidad y realmente me ha tocado a nivel emocional. Así que uno se olvida de que fue hecha para la televisión.




La escena final con estos dos grandes hombres del cine y teatro, es un ejemplo clásico de un final para nunca olvidar.




En conclusión, un drama británico inolvidable y brillante.


El comienzo:

video


Calificación: 5 de 6.

domingo, 20 de agosto de 2017

Fallece Jerry Lewis.



 "Cuando dirijo, hago de padre;
cuando escribo, hago de hombre;
cuando actúo, hago el idiota".
(Jerry Lewis)

Jerry Lewis, uno de los grandes de la historía del cine a los 91 años. DEP.

viernes, 4 de agosto de 2017

The Shining Hour (La hora radiante) - (1938) - (Director: Frank Borzage)





Título original: The Shining Hour 

Título en español: La hora radiante

Año: 1938

Duración: 73 min.

País: Estados Unidos.

Director: Frank Borzage.

Guion: Jane Murfin, Ogden Nash (Obra: Keith Winter)

Música: Franz Waxman.

Fotografía: George J. Folsey (B&W)

Reparto:

Joan Crawford, Margaret Sullavan, Robert Young, Melvyn Douglas, Fay Bainter, Allyn Joslyn, Hattie McDaniel, Oscar O'Shea, Frank Albertson, Harry Barris.

Productora: Metro-Goldwyn-Mayer (MGM) / Loew's.


Género: Drama.


Sinopsis:

Cuenta la historia de una bailarina que, cansada de su vida frívola y sin sentido, decide casarse sin amor con un rico e irse con él a su mansión en el campo. Allí conocerá a su cuñado del que se queda prendada e intentará que se enamore de ella.

Un drama romántico, que también reflexiona sobre la enorme importancia de los lazos familiares. El siempre romántico Frank Borzage obtuvo un gran éxito de público.





COMENTARIO:



Pese a su escasa vindicación no me resisto a considerar THE SHINING HOUR (La hora radiante, 1938) como uno de los títulos más interesantes de la fértil –más de veinte títulos- y escasamente valorizada trayectoria del norteamericano Frank Borzage en el cine norteamericano de los años treinta. Es más, yendo aún más lejos en dicha argumentación, y pese a ciertos desequilibrios que impiden que nos encontremos ante un logro absoluto, es probable que estemos ante uno de los exponentes más adultos dentro del melodrama cinematográfico de dicha década. Sorprende dicha circunstancia cuando se trata de una producción de la eternamente conservadora Metro Goldwyn Mayer, unido al hecho de estar ubicada en un periodo posterior a la implantación del código Hays. Por fortuna, el film de Borzage sabe exponerse con absoluta libertad fundamentalmente en el retrato de las dos jóvenes cuñadas protagonistas, a través de cuya sinceridad y personalidad avanzada ofrecen el nexo de unión y en cuya inflexión la película logra plasmar el verdadero tema de la propuesta; la búsqueda desesperada de cada individuo para llevar consigo la autenticidad y la honestidad en su propia existencia.




Combinando con elegancia y sensibilidad un componente de alta comedia –representado especialmente por personajes secundarios como la criada de color, Belvedere (Hattie McDaniel)- con el sentido innato que para Borzage suponía el tratamiento del melodrama, lo cierto es que THE SHINING… demuestra de nuevo la capacidad que el norteamericano demostró en aquellos años con la comedia, y que quizá tuvo su primera manifestación más o menos oficial con la estupenda DESIRE (Deseo, 1936), y se prolongue con la aún superior HISTORY IS MADE AT NIGHT  (Cena de medianoche, 1937). Que duda cabe que en esta ocasión dicha elección viene dada por el contrapunto que en no pocas ocasiones ejerce dicha opción a la hora de suavizar la dureza –siempre envuelta en exquisitos modales- que mostrará el latente conflicto que se plantea entre los habitantes de las mansión de los Linden, cuando uno de sus moradores –Henry (Melvyn Douglas)-, se enamore y se case con una conocida bailarina y mujer de mundo –Olivia (Joan Crawford)-. Con absoluta convicción, esta abandonará el mundo que hasta entonces había definido su vida –frívolo, burbujeante y superficial- y se insertará en el cómodo entorno rural que ejerce como modus vivendi de la adinerada familia Linden. Un grupo que se encuentra absolutamente dominado por la hermana mayor –Hannah (Fay Bainter)-, una mujer soltera de mediana edad, dominante y absolutamente escéptica en torno a la boda de Henry –poco a poco atisbaremos en ella un cierto alcance incestuoso hacia su hermano recién casado, intentando en todo momento y bajo su imperturbable presencia introducir en la cotidianeidad de la familia rumores y observaciones que contribuirán a debilitar las relaciones existentes en la mansión. Y es que junto a la aportada por Henry ya se encuentra asentada la pareja formada por David (Robert Young) y su joven esposa Judy (Margaret Sullavan). De todos modos, la integración de Olivia en el seno de los Linden muy pronto provocará en David –incluso antes de que esta consume su boda con Henry- un profundo recelo que, en el fondo, no supone más que un intento de esconder la irrefrenable fascinación que le produce –a partir de la contemplación de una actuación de esta en una sala de baile, elegantemente filmada por Borzage-.




Todos estos elementos de conflictos serán planteados a partir de la confluencia de sus principales personajes en la oscura cotidianeidad de la mansión anfitriona. En dicho contexto observaremos las constantes inquinas por parte de Hannah, quien por otra parte advertirá desde el primer momento los intentos de David por captar la atención de Olivia, así como la sincera relación de amistad que se establece entre la propia Olivia y la sensible Judy. Ambas, a su modo, son personas lúcidas que se sienten de alguna manera incómodas en ese modo de vida que han elegido por amor a sus respectivos esposos. Un amor que inicialmente para ellas no se ha planteado como un sentimiento sincero, sino como la suma de una serie de anhelos que para ambas suponía acceder a la petición de sus entonces pretendientes. Ciértamente, si THE SHINING… logra alcanzar en ciertos pasajes de la función un grado de sinceridad admirable reside en las secuencias en las que ambas conversan, revelando un sentimiento de verdad en sus confesiones, así como en la mutua admiración que se profesan lo que, unido a la espléndida labor que realizan tanto Joan Crawford como Margaret Sullavan, permiten que las secuencias a dos entre ambas puedan situarse entre los mejores y más sinceros momentos del melodrama cinematográfico de los años treinta.





Así pues, dentro de un planteamiento dramático atrevido –elaborado por Jane Murfin y Ogden Nash a partir de la obra teatral de Keith Winter- y, me atrevería a señalar, un poco a contracorriente, Borzage demuestra su capacidad para modular el sentido de cada una de las secuencias, dentro de esa presumible ausencia de pretensiones que permitirá los iniciales contrapuntos de comedia, dominando la construcción de los planos a partir de la ubicación de los intérpretes en el encuadre, proporcionando una fluidez al relato centrada fundamentalmente en esa casi constante ausencia de tremendismos cinematográficos y apelando generalmente a esa sencillez que en el fondo esconde un preciso dominio de los resortes dramáticos de la película. Junto a estas características, el film de Borzage poco a poco se incardinará en el gran tema que acompañó la práctica totalidad de su filmografía; la fuerza inmanente del amor, capaz del mayor sufrimiento y de la mayor ascesis, planteada en esta ocasión como sacrificio de lejanos ecos místicos, que permitirá finalmente a Judy intentar su propia inmolación para salvar el amor que su esposo siente por Olivia, y a esta a abandonar definitivamente a su esposo, llegando incluso a provocar el arrepentimiento sincero de Hannah. Es evidente que nos encontramos ante situaciones que, expuestas por un director poco sutil o dado al tremendismo, podrían provocar un resultado cercano al ridículo. Nada de eso sucede bajo la batuta de uno de los grandes románticos de Hollywood en esta película inusual, liviana en sus primeros compases, pero que con una constante sutileza unida a una precisión cinematográfica fuera de toda duda, logra erigirse como un melodrama de contundente madurez tanto en las formas elegidas como en las líneas argumentales descritas.





Antes señalaba que ciertos detalles impiden que THE SHINNING HOUR, con ser magnífica, alcance el grado de grandeza que por momentos atisba. Con ello me refiero a la escasa definición que alcanza en la pantalla el personaje encarnado por el excelente Melvyn Douglas, el miscasting que asume –con innegable profesionalidad- Robert Young, o ciertas situaciones introducidas en la narración de manera un tanto abrupta e incomprensible –el incendio que provoca Hanna de la mansión en la que iban a residir Henry y Olivia-. Será un fragmento en el que el personaje de la hermana solterona –que encarna de manera impecable Fay Bainter- parece erigirse casi como un precedente del ama de llaves que Judith Anderson encarnaría un par de años después en REBECCA (Rebeca, 1940. Alfred Hitchcock). Todo ello servirá como conclusión a un episodio –las secuencias de la fiesta de inauguración de la edificación- en el que contemplaremos una situación de notable alcance erótico, que igualmente parece prefigurar la planteada en la secuencia central de PIC NIC (Picnic, 1955. Joshua Logan), entre William Holden, Kim Novak y Rosalind Russell. Dentro de los elementos un tanto chirriantes del conjunto, no cabría omitir la inoportuna reaparición final de la criada negra cuando los dos recién casados deciden renovar su apuesta por al amor. En cualquier caso, se trata de pequeñas objeciones que palidecen ante momentos tan intensos como esa secuencia descrita en los primeros minutos, en la que David  descubre la crueldad e hipocresía que los compañeros de Olivia manifiestan ante la boda de esta, o el episodio de conclusión, que de manera conmovedora nos mostrará esa apuesta casi mística por el redescubrimiento del verdadero amor entre Judy –llorando por sus ojos, lo único que se puede atisbar en su rostro vendado-, y la ascesis que se ofrece en el picado que a continuación se brinda entre Henry, Olivia y Hannah. En definitiva, una de las más valiosas muestras del arte borzagiano en la década de los años treinta, necesitada de urgente revisitación. (Publicado en CINEMA DE PERRA GORDA)




Trailer:



Calificación: 4 de 6.

lunes, 31 de julio de 2017

Muere Jeanne Moreau.


Muere la actriz francesa Jeanne Moreau a los 89 años.

La actriz Jeanne Moreau, icono del cine francés, ha muerto este lunes a los 89 años, según ha informado su agente a la agencia France Presse. La intérprete, todo un símbolo del cine del siglo XX, fue calificada por Orson Welles como la "mejor actriz del mundo". Moreau, que actuó en más de un centenar de películas a los largo de una carrera de 65 años, incluyendo Los amantes de Louis Malle y Jules y Jim de François Truffaut, fue hallada muerta en su domicilio de la capital francesa, según ha informado Jeanne d'Hauteserre, alcaldesa de su distrito.

En los comienzos de su carrera, marcada por el hecho de haber sido una de las musas de la nouvelle vague, Moreau trabajó con directores icónicos de la historia del cine como Francois Truffaut, Louis Malle, Michelangelo Antonioni, Elia Kazan, Wim Wenders o Luis Buñuel. Se curtió en la comedia francesa y se descubrió al mundo con Les amants, de Malle, en 1958.

La gran dama del cine francés acumuló todos los grandes premios cinematográficos europeos. En 2001 se convirtió en la primera mujer nombrada académica en la Academia de Bellas Artes de París y es la única actriz que ha presidido el Festival de Cannes en dos ocasiones.

En su faceta de escenógrafa, dirigió películas como Lumière (1976). Estuvo casada con Jean-Louis Richard, padre de su hijo Jérôme, y posteriormente con William Friedkin, a los que se suman numerosas relaciones sentimentales. "He seducido a muchos hombres. Siempre me incliné por hombres con talento. No tuve amantes por tenerlos", aseguró en unas declaraciones recogidas por Efe.

"Con ella desaparece una artista que encarnó el cine en su complejidad, su memoria, su exigencia", ha ensalzado la Presidencia francesa, que la ha recordado como una mujer rebelde contra "el orden establecido y la rutina". (El País)

viernes, 21 de julio de 2017

Rööperi (Helsinki) - (2009) - (Director: Aleksi Mäkelä)



Título original: Rööperi

Año: 2009

Duración: 136 min.

País: Finlandia.

Director: Aleksi Mäkelä.

Guion: Marko Leino (Novel: Harri Nykänen, Tom Sjöberg)

Música: Kalle Chydenius.

Fotografía: Pini Hellstedt.


Reparto:

Samuli Edelmann, Peter Franzén, Kari Hietalahti, Pihla Viitala, Kristo Salminen, Jasper Pääkkönen, Hiski Grönstrand.



Productora: Solar Films.

Género: Thriller.


Sinopsis:

1966, Tomppa y sus amigos Krisu y Kari ya se les está quedando pequeño su negocio de venta ilegal de alcohol en Punavuori, Helsinki. A base de puño y mal carácter expanden su territorio y aumentan sus ganancias. Pero también están al tanto de que su estilo de vida solo tiene tres destinos: seguir adelante, la cárcel o la muerte. (FILMAFFINITY)





Comentario:

Cada país tiene sus cineastas clásicos, en Finlandia uno de los directores más conocido y popular de todos podría ser Aleksi Mäkelä, sin olvidar, internacionalmente a Aki Kaurismäki. Muchas de sus películas, producidas en su mayoría por Markus Selin de Solar Films, han alcanzado gran popularidad y normalmente cuentan con los actores finlandeses más famosos en los papeles principales.



La historia se basa libremente en un libro de no ficción sobre la vida de un ex criminal, Tom Sjöberg. A principios de 1966, Tomppa (Samuli Edelmann) y sus amigos Krisu y Kari (Peter Franzén y Kari Hietalahti) se están hartando de la pequeña escala de sus negocios de venta ilegal de licores en Punavuori, Helsinki ("Rööperi" del título). Con puños duros e incluso actitudes más duras, ellos expanden sus territorios y ganan más dinero, pero también son conscientes de que su estilo de vida criminal sólo puede tener tres resultados: seguir adelante, la cárcel o la muerte. Tomppa es el más responsable del grupo y abre una tienda de objetos sexuales para ganar una vida (algo) honesta para él y su esposa Monika (Pihla Viitala), mientras que Kari realmente no puede controlar la vida después de perder a su madre. Krisu, a su vez, se involucra en el tráfico de drogas con consecuencias devastadoras.



Las producciones de Markus Selin siempre han tenido un sello "internacional", lo que significa que han contado con un buen presupuesto de producción. Rööperi no es una excepción; El Helsinki de los años 60 y 70 aparece muy bien retratada, en gran parte gracias al director de fotografía el experimentado Pini Hellstedt. Especialmente las calles en la escena de apertura se puede disfrutar de luz verde y muchos de los interiores sombreados son hermosamente sombríos.



El núcleo de la película, la historia, es bastante interesante también. La espina dorsal de la trama es el desarrollo de Tomppa de un matón callejero a un hombre de negocios cada vez más honesto a pesar de las tragedias personales y sus sentimientos de responsabilidad con respecto a su esposa y amigos que simplemente no pueden ver a dónde se dirigen sus vidas hasta que ya es demasiado tarde. Tomppa está muy bien retratado por el carismático cantante y actor Samuli Edelmann, pero Kari Hietalahti y Peter Franzén no se quedan atrás en sus papeles de Kari y Krisu respectivamente - la actuación de este último como el miserable drogadicto en realidad pertenece entre los mejores que he visto en cualquier película reciente.



Tal vez un enfoque menos duro, más discreto podría haber mejorado la película, pero así me parece muy atractiva. Recomendable.




Trailer:


Calificación: 4 de 6.