lunes, 29 de octubre de 2012

Imágenes y frases de cine: “Los caballeros las prefieren rubias”


Un fotograma, una frase, una imagen, un instante….para el recuerdo:

Charles Coburn - Creía que era usted tonta.

Marilyn Monroe - Puedo ser inteligente cuando lo necesito.

(Los caballeros las prefieren rubias)

sábado, 27 de octubre de 2012

Forbrydelsen 2ª temporada (Serie TV)




TÍTULO ORIGINAL: Forbrydelsen 2ª temporada (Serie TV)

AÑO: 2010

DURACIÓN: 55 min. (12 capítulos)

PAÍS: Dinamarca

DIRECTOR: Søren Sveistrup.

GUIÓN : Søren Sveistrup.

MÚSICA : Frans Bak.

FOTOGRAFÍA : Magnus Nordenhof Jønck, Eric Kress, Bo Tengberg.

REPARTO :

Sofie Gråbøl, Søren Malling, Lars Mikkelsen, Bjarne Henriksen, Ann Eleonora Jørgensen, Marie Askehave, Michael Moritzen, Nicolaj Kopernikus, Bent Mejding.


SINOPSIS:

Esta vez se trata de una decena de capítulos dedicados a desentrañar el asesinato de los miembros de un pelotón del ejército danés que parece estar implicado en una matanza en Afganistán. El jefe de policía, Brix, mandará llamar a una Sarah Lund “desterrada” en la policía de fronteras para que eche una mano en las investigaciones que se ponen en marcha.

Policía, ejército y política, con una actuación al menos oscura de algún miembro del gabinete ministerial, se cruzan en una trama que se deja ver con interés, con un final de cada capítulo que le dejan a uno las ganas de ver inmediatamente el siguiente y en los que el personaje de Sarah Lund es la piedra angular de todos ellos.

COMENTARIOS:

Puede que no haya un ejemplo mejor hoy en día que la serie Forbrydelsen para comprender las diferencias narrativas y de formato que existen entre Estados Unidos y el norte de Europa. La original danesa se estructura en entregas, en la que cada temporada es, en realidad, una serie diferente (por tanto, cada una cuenta solo con una temporada); su versión norteamericana va a comenzar su segunda temporada, que aborda a su vez la segunda parte de la primera parte europea. Sé que esto parece un diálogo de los hermanos Marx, pero es relevante a la hora de analizar Forbrydelsen II, pues aunque retoma a los personajes de la primera parte, no tiene nada que ver con aquella.
En efecto, algunas de las caras que resolvieron el caso de “The Killing: crónica de un asesinato” vuelven a escena para resolver un nuevo crimen, esta vez con referencias más que evidentes a la guerra contra el terror en Oriente Medio que están llevando a cabo los países occidentales. A Sofie Gråbøl, que vuelve a ofrecer una magistral interpretación de la detective Sarah Lund, se unen Morten Suurballe como Lennart Brix, su jefe, y Mikael Birkkjær como su nuevo compañero. La política vuelve a estar en el centro de la investigación, sumando ahora el ejército, las fuerzas especiales y los servicios de inteligencia.

Como puede verse, esta segunda parte se plantea a priori mucho más ambiciosa que la primera. Y si bien es cierto que vuelve a utilizar tres pilares para asentar una historia compleja (puede que más que la anterior), su desarrollo en cuestión de capítulos es mucho menor, lo que permite seguir la narración mucho mejor y condensar la información en menos minutos, lo que se traduce en un mayor ritmo. Al final, la sensación que deja en el espectador es la de haber contemplado todo un mundo en cuestión de horas; de haber visto cómo la corrupción de las élites, la huida de un inocente y el asesinato de soldados daneses son desenmascaradas en un proceso tan corto como intenso.
Si de algo puede presumir esta segunda entrega es de contar con muchos más elementos en su trama, lo que lejos de enmarañar su resolución condensan los datos y las relaciones personales hasta un punto que parece imposible, pero que engancha al espectador de una forma diferente a como lo hacía la primera parte. Se producen más asesinatos, la política ahora es nacional, y no local, y el ejército está metido de por medio. A todo esto se suma una protagonista que todavía se muestra afectada por lo ocurrido en “Forbrydelsen” y un entorno policial que le resulta hostil en líneas generales.

Como he mencionado antes, los pilares sobre los que pivote la serie, y que le otorgan ese aspecto único a esta saga, son muy parecidos. Por un lado, la protagonista sigue evidenciando una falta de empatía hacia sus compañeros, obsesionándose con las muertes y la resolución del caso, aunque en menor medida. Por otro, la propia investigación, que esta vez cuenta con un desarrollo mucho más complejo en lo que a líneas de trabajo se refiere, en las que se siguen ofreciendo resultados prematuros y apresurados para despistar al más atento de los espectadores (y crear, de paso, una mayor expectación). Por último, el devenir del prófugo en busca de su inocencia para poder estar con su mujer y su hijo.

Pero si la resolución de la muerte de una adolescente en el primer caso terminaba de forma satisfactoria (al menos en líneas generales), la crítica al estamento político y al ejército de este segundo crimen no deja espacio para la sonrisa. Aunque el clímax del último capítulo termina revelando quién es quién en la trama, las decisiones de muchos de los personajes, comenzando por el Ministro de Justicia (a cargo de Nicolas Bro), dejan un sabor agridulce en la boca, al evidenciar una falta de fuerza política de aquellos que quieren, simplemente, sacar la verdad a la luz.
En definitiva, “Forbrydelsen II” supone un reto a todos los niveles. Habrá quien prefiera la primera parte a la segunda, y viceversa, pero lo cierto es que ambas ofrecen una factura técnica y narrativa impecable, capaz de entablar un diálogo con el espectador de igual a igual y convirtiéndolas en dos joyas de la pequeña pantalla europea.

Parece ser que en Dinamarca se estrenará la tercera temporada, esta vez ambientada en el mundo de las finanzas, el próximo mes de septiembre, así que habrá que esperar un poco para seguir caminando al lado de Lund sin decir nada, solo en silencio, sin un gesto apenas y dejando que su mirada nos vaya llevando hacia el camino de un bien teñido de mal.

Web oficial:


Calificación : Excelente.

Imágenes y frases de cine: “Casablanca”



Un fotograma, una frase, una imagen, un instante….para el recuerdo:


Ilsa: No puedo luchar más. Hui de tu lado una vez, no puedo hacerlo otra vez. Ya no sé lo que está bien. Tienes que pensar por los dos. Por todos nosotros.

Rick: De acuerdo, lo haré. Por ti, pequeña*.

Ilsa: Ojalá no te quisiera tanto.

(Casablanca)

Imágenes y frases de cine: “Cuando te encuentre”



Un fotograma, una frase, una imagen, un instante….para el recuerdo:

“Te mereces que te besen, cada día, cada hora, cada minuto”

(Cuando te encuentre)

viernes, 26 de octubre de 2012

Imágenes y frases de cine: “El Halcón Maltés”





Un fotograma, una frase, una imagen, un instante….para el recuerdo:



- ¿De que estaba hecho el halcón?

- Del material con el que se hacen los sueños.

(El halcón maltés)

A Streetcar Named Desire (Un tranvía llamado deseo) - (1951)



TÍTULO ORIGINAL: A Streetcar Named Desire

AÑO: 1951

DURACIÓN: 122 min.

PAÍS: EE.UU.

DIRECTOR: Elia Kazan.

GUIÓN: Tennessee Williams (Teatro: Tennessee Williams)

MÚSICA: Alex North.

FOTOGRAFÍA: Harry Stradling.

REPARTO:

Vivien Leigh, Marlon Brando, Kim Hunter, Karl Malden, Rudy Bond, Nick Dennis, Peg Hillias, Richard Garrick, Ann Dere 

PREMIOS:

1951: 4 Oscars: Actriz (Leigh), actor sec. (Malden), actriz sec. (Hunter), direcc. artíst.

1951: Festival de Venecia: Premio Especial del Jurado y mejor actriz (Vivien Leigh)

1951: Círculo de críticos de Nueva York: Mejor película

SINOPSIS:

Blanche, que pertenece a una rancia y arruinada familia sureña, es una mujer madura y decadente que vive anclada en el pasado. Ciertas circunstancias la obligan a ir a vivir a Nueva Orleáns con su hermana Stella y su cuñado Stanley (Marlon Brando), un hombre rudo y violento. A pesar de su actitud remilgada y arrogante, Blanche oculta un escabroso pasado que la ha conducido al desequilibrio mental. Su inestable conducta provoca conflictos que alteran la vida de la joven pareja.

COMENTARIOS:

El problema que surgen con las películas antiguas es que, debido a la falta de originalidad que reina hoy día, una vez vistas, te parecen más de lo mismo, sin pararte a pensar que ellas fueron las originales....pero bueno, de eso no tiene culpa la película.


Es la historia de cómo la inocencia y la belleza sucumben ante la miseria de la realidad. De cómo la ley del más fuerte es la que se impone en este mundo que conocemos. De cómo de nada vale ser bello, delicado y culto, si la fuerza y la maña vencen.

Adaptarse o enloquecer. Blanche y Stella, hermanas, comparten un mismo origen, y Stella era tan delicada como Blanche. Pero cambió en cuanto se marchó y chocó contra la realidad. Contra lo peor del ser humano. Pero supo adaptarse e incluso enamorarse de uno de los que al principio tanto abominaba: Stanley Kowalski.

Blanche, en cambio, se quedó en su mundo de ensueño, enamorándose de un hombre que no era el adecuado -pese a ser tan sensible y culto como ella, el hombre de sus sueños, cómo no-, y a cada golpe que la realidad le daba, Blanche no hacía más que huir y refugiarse en sus sueños. La bola de nieve, encarnada en el desprecio y la burla de los que la conocían, se hacía cada vez más y más grande, y al final buscó refugio en sus orígenes, intentando encontrar un apoyo que le permitiera vivir en paz en su ensueño: su hermana. Por desgracia, ella había cambiado. Así es cómo empieza el descenso a la locura de Blanche.

Es duro ser débil. Sobre todo cuando el entorno se aprovecha de dicha condición. No puedo evitar compadecerme inmensamente de Blanche cada vez que se da de bruces contra la realidad, y sentir un nudo en el estómago al ver cómo acepta cualquier cosa con tal de que venga en el paquete adecuado ("siempre he dependido de la amabilidad de los extraños")... Parecía un cachorrito desvalido comiendo, con cautela pero con el rabo meneando levemente, de la mano del encargado de la perrera municipal a donde le va a llevar para su posterior sacrificio.


Es una película tan cruel como el propio Kowalski: te da una bofetada y te hace ver cómo son realmente las cosas, sin medias tintas. "O lo aceptas, o vas a acabar muy mal", es lo que nos dice.

Maravillosa Vivian Leigh en el papel de Stella, sus ojos de animal herido, asustadizo, quebradizo, se quedan grabados en nuestra memoria.

Inconmensurable presencia escénica de Marlon Brando, ya no sólo por su portentoso físico con esa camiseta blanca pegada a su cuerpo, si no por haber logrado con sus miradas y su agresividad uno de los papeles más imborrables en la historia del cine: Stanley Kowalsky. Actor de método…

Son muchos los que están de acuerdo en que "En un tranvía llamado deseo"la conjunción de teatro y cine roza la perfección, el texto, el guión, los escenarios......la interpretación de los principales protagonistas es sencillamente soberbia.

Hay tantos temas que se abordan en el texto-guión, que es casi un compendio sobre las emociones humanas: crueldad, frustración, celos, inseguridad, necesidad de afecto...a lo que se suma  el peso del irrefrenable paso del tiempo, la falta de escrúpulos y el miedo a quedarse solos y sin ningún tipo de amparo en los demás.

En ese duelo sin tregua entre Stanley y Blanche ¿hay alguien que salga airoso en este escenario de almas infelices?


Os dejo una última cita, que me parece tremendamente reveladora:

"¿Recta? ¿Qué entiendes por recta? Una línea puede ser recta, o una calle ¿Pero el corazón de un ser humano? "

Son dos mundos tan opuestos que inevitablemente entran en choque.


Tráiler:


Calificación: Excelente.

miércoles, 24 de octubre de 2012

Imágenes y frases de cine: “Nothing Hill”




IMÁGENES Y FRASES DE CINE: “Nothing Hill”

Un fotograma, una frase, una imagen, un instante….para el recuerdo:



“Pero no olvides, que soy una chica delante de un chico, pidiéndole que la quiera”

“Nothing Hill”

Harper (Harper, investigador privado) - (1966)



TÍTULO ORIGINAL: Harper

AÑO: 1966

DURACIÓN: 121 min.

PAÍS: EE.UU.

DIRECTOR: Jack Smight.

GUIÓN: William Goldman (Novela: Ross MacDonald).

MÚSICA: Johnny Mandel.

FOTOGRAFÍA: Conrad Hall.

REPARTO:

Paul Newman, Lauren Bacall, Julie Harris, Shelley Winters, Robert Wagner, Janet Leigh, Arthur Hill, Pamela Tiffin, Robert Webber.

SINOPSIS:

La acción tiene lugar en Los Ángeles, a lo largo de unas dos semanas, en 1965. Narra una historia de Lew Harper (Paul Newman), investigador privado, perspicaz, lacónico, hábil, escéptico, solitario y tenaz. Investiga la desaparición de Ralph Sampson, debida a un secuestro según su mujer, Elaine (Lauren Bacall), discapacitada física, acaudalada y de espíritu independiente. El caso se complica de modo imprevisible.

COMENTARIOS:

La película es un homenaje al cine negro americano de los 40, en especial al subgénero de detectives privados, como "El sueño eterno" (1946), de H. Bogart (Philip Marlowe) y L. Bacall. El desarrollo de la trama pone al descubierto un mundo de personajes turbios, alcohólicos, individualistas y corruptos; de negocios ilegales relacionados con el tráfico y explotación de personas; y de comportamientos criminales. Para el film la trama no es tan importante como el dibujo de los personajes singulares que intervienen y la descripción de sus comportamientos. El éxito de taquilla y crítica de la obra impulsó un revival transitorio del cine negro, conocido como "neocine-negro de los 60", que tendría su réplica en el "nuevo cine negro" de finales de los 80 y principios de los 90 ("La muerte golpea dos veces", John Dahl, 1989). La definición de los personajes se completa y matiza con ayuda de los escenarios arquitectónicos, geográficos y decorativos en los que habitan: soledad de Susan (Janet Leigh), desorden de Fay (Shelley Winters), frustración de Betty (Julie Harris), indolencia de Allan (Robert Wagner), superficialidad de Miranda (Pamela Tiffin). La obra no alcanza los niveles de fascinación de los films que homenajea, pero describe con maestría las excentricidades de los personajes. La obra aporta buenas interpretaciones, una dosis elevada de misterio, un clima de suspense sostenido, una trama consistente, un protagonista anti-héroe y un crescendo dramático basado en la aparición ininterrumpida de nuevos interrogantes.

La música ofrece una bonita partitura original de aires sesenteros, rítmicos y melódicos, con temas como "Harper", "Sure As You're Born" (Sam Fletcher) y "Susan". Añade una canción para la ocasión de André Previn, "Livin' Alone" (Julie Harris). La fotografía, en panavisión, juega con segundos y terceros planos y con los extremos de la pantalla, en los que sitúa elementos de la acción. Es destacable el plano en el que la imagen de Fay se refleja en tres espejos. El guión elabora una historia sólida y efectiva. Trata con desprecio la homosexualidad, de acuerdo con los cánones del momento. La interpretación de Newman es brillante en su primer film policíaco. Bacall y Leigh están magníficas. La dirección crea una obra consistente, de excelente contenido.

Estamos ante una más que interesante propuesta de historia de detectives. No cabe duda de que esta película se ciñe en los clásicos policíacos de los años sesenta como "Bullit" pero trata de elaborar una trama, con sus respectivos giros argumentales y unos personajes que la hacen más propia del cine negro de los años cuarenta. Digamos sencillamente, que la película sabe recoger cada uno de los mejores elementos de esas épocas mencionadas y los combina de forma soberbia.

Al principio, consideré que a la película le costaba arrancar mi interés, craso error el mío, pues poco después, lo que parecía una trama de lo más sencilla se convierte en todo un entramado de situaciones donde la trama adquiere cada vez mayor complejidad e interés donde nadie es lo que parece ser y donde las traiciones son el pan de cada día. Tampoco se puede negar que el gran encanto de que esta película reside en su espectacular reparto, resaltando la figura del gran Paul Newman, que toma el personaje de una forma totalmente convincente haciéndole de lo más carismático. Y es que a los pocos minutos uno tiene la sensación de que Newman haya nacido para interpretar al detective Harper.

Pese a no ser una obra maestra, es una muy buena película de detectives que recoge lo mejor del género en sus respectivas épocas y con un Paul Newman que pone la guinda en el pastel gracias a su incuestionable carisma. El resultado es una película absolutamente entretenida y descaradamente bien hecha. Chapeau, Paul.

Tráiler:


Calificación: Excelente.

lunes, 22 de octubre de 2012

Imágenes y frases de cine: “Amor en conserva”



Un fotograma, una frase, una imagen, un instante….para el recuerdo:

Marilyn Monroe: "¡Ayúdeme señor! ¡Me sigue un hombre!"

Groucho Marx: "¿Sólo uno?"

(Amor en conserva)

Almanya - Willkommen in Deutschland (Almanya - Bienvenido a Alemania) - (2011)



TÍTULO ORIGINAL: Almanya - Willkommen in Deutschland

AÑO: 2011

DURACIÓN: 97 min.

PAÍS: Alemania.

DIRECTOR: Yasemin Samdereli .

GUIÓN: Nesrin Samdereli, Yasemin Samdereli.

MÚSICA: Gerd Baumann.

FOTOGRAFÍA: The Chau Ngo.

REPARTO:

Fahri Ögün Yardim, Demet Gül, Vedat Erincin, Lilay Huser, Denis Moschitto, Petra Schmidt-Schaller, Aylin Tezel, Manfred-Anton Algrang, Aliya Artuc, Antoine Monot Jr.

PREMIOS 2011:

Festival de Berlín: Sección oficial largometrajes.

SINOPSIS:

Después de vivir 45 años en Alemania, el turco Hüseyin Yilmaz, de setenta años, anuncia a su familia que ha comprado una casa en Turquía y que deben volver para hacer las reformas necesarias. La idea no es bien recibida y provoca discusiones muy acaloradas. Además, Canan, una nieta de Hüseyin, anuncia que está embarazada y que el padre es su novio inglés, del que nadie sabía nada. Para consolar a su primo Cenk, un niño de de seis años, al que humillaron en la escuela tachándolo de “extranjero”, Canan le cuenta una fantástica historia sobre cómo abandonaron Turquía y fueron a parar a Alemania.

COMENTARIOS:

Diez años han tardado en sacar adelante su proyecto las hermanas Samdereli. Una década llena de decepciones porque veían que, aunque su guión gustaba a las productoras, nadie se atrevía a apostar por él. Hasta el año pasado.

'Almanya' cuenta la historia del inmigrante un millón uno en Alemania. La historia de Hüseyin, un turco que, ante la imposibilidad de alimentar a su familia por la falta de trabajo, decide emigrar al país germano. ¿De qué nos sonará esta situación?

Almanya: Bienvenido a Alemania debería haberse titulado: Un lugar idílico en la memoria. Una historia súper positiva de la evolución de una familia de emigrados a lo largo de 40 años. El tono de farsa dota a la película de una frescura necesaria, los personajes son auténticos, el guion está basado en la experiencia personal de las hermanas Samdereli, a ambas (guionista y directora), les marcó fuertemente la muerte de su abuelo, pero en vez de olvidarlo canalizaron todos esos recuerdos en un bonito relato familiar.

La película nos muestra cómo es en 2011 la familia. Hüseyin, hecho ya abuelo, con su mujer, sus cuatro hijos y sus nietos. A pesar de llevar 45 años viviendo en Alemania, hecha de menos su patria, se siente turco. Por eso, compra una casa en su país natal y decide llevarse a toda su familia una vez más. Durante el viaje, su nieta mayor va relatando cómo fue la llegada de sus abuelos a 'Almanya' a su primo pequeño. Y, de esta manera, el espectador conoce las desventuras de esta simpática familia.

La difícil llegada, con la soledad, el desconocimiento del idioma y, por supuesto, las diferencias culturales y religiosas, son tratados con un tono cómico. Algo necesario para que esta película no acabe convirtiéndose en un drama más sobre la inmigración. De hecho, las hermanas Samdereli incluyeron en el guión un idioma inventado, un galimatías lingüístico, que hablan tanto alemanes como turcos en la película para acentuar la dificultad idiomática. Es bastante divertido ver cómo intentan hacerse entender. O cómo los pequeños se sorprenden y asustan porque los alemanes sacan a pasear a “ratas grandes”, mean en “sillas raras” y adoran a un ídolo de madera.

Los hijos de Hüseyin son los primeros en integrarse en la cultura occidental. Delirante escena la de la celebración de la navidad cristiana, con ese escuálido arbolito navideño tan cutremente decorado. Este hecho, en palabras de la directora, le ocurrió a ella de pequeña y pensó en lo curioso que le resultaría al espectador ante el surrealismo que supone para los niños.
El toque jocoso es lo que hace que 'Almanya' resulte atrayente porque se ridiculizan los tópicos de la inmigración, los problemas que suponen llegar a un nuevo país, sin reírse de ellos. Una agradable comedia que dejará buen sabor de boca.

Comedia familiar de sabor entrañable y nostálgico, que logra cautivar por la atractiva camaradería y relación entre los personajes, una convivencia no exenta de peleas y rencillas, pero donde la unidad familiar es el hecho por excelencia capaz de superar cualquier barrera. La directora Yasemin Samdereli y su hermana coguionista Nesrin Samdereli evocan la que pudo ser una de las miles de historias acontecidas en la realidad, y para ello recogen muchos elementos autobiográficos de su propia infancia de inmigrantes turcas. En los años 60 Alemania demandaba mano de obra cualificada y hacia ese país emigraron millones de hombres de multitud de países, pero sobre todo dieron muy buenos resultados los trabajadores turcos. En un país absolutamente distinto, en donde adoran a un “hombre muerto clavado en una cruz”, con un idioma que les resulta un galimatías y donde todas las costumbres son distintas (la escena de la Navidad es paradigmática), la familia de Hüseyin no lo tiene fácil, y ese problema de sentirse entre dos aguas lo sufren también las siguientes generaciones, encarnadas en el film por la tierna y sufridora Canan y el pequeñín Cenk, quien se siente rechazado en el colegio.

Almanya. Bienvenido a Alemania es un relato tierno, costumbrista, que rebosa buenas intenciones y engrandece lo mejor del corazón humano, sin importar la procedencia. Hay muchos detalles en que la directora sabe hablar con imágenes que llegan con fuerza al espectador, como ese sueño tragicómico con el funcionario alemán, la relación entre los hermanos, etc... Además la directora logra ejemplarmente contar la historia en acciones paralelas en dos tiempos, de un modo sencillo: la que narra el viaje a Turquía en la actualidad y la que evoca el pasado de la familia casi medio siglo atrás. Y ayuda al resultado que todo el reparto está estupendo.

Emigrar a otro país por dificultades económicas siempre ha sido dramático para las familias, y desgraciadamente siempre ha sido así y por cómo corren los tiempos seguirá siendo así. De este drama, las hermanas Samdereli han creado una comedia con tintes de realismo mágico, mostrando las vivencias de una familia turca que tuvo que emigrar a Alemania en los años 60 y su evolución en un país con una cultura y unas creencias tan diferentes. Mezclando la vida actual de los Yilmaz, con las peripecias de su abuelo Hüseyin para prosperar en Alemania en forma de cuento para el pequeño Cenk, iremos descubriendo cómo los Yilmaz sobrevivieron y prosperaron en unos tiempos tan difíciles. La película no ha tenido una gran aceptación para los críticos que la tachan de “sentimentalista, sensiblera y frívola” pero como yo muchísimas veces me paso a los críticos por los innombrables, mi humilde opinión de persona que le encantan las historias más allá del realismo o la perfección, es que “Almanya. Bienvenido a Alemania” es una conmovedora historia que te hace pasar un buen rato y que te hace reflexionar de cuánto daño está haciendo esta sociedad imperada por el consumismo. Mírenla, quizá no se arrepientan.

Por último, deciros que se lo pasarán muy bien, con las ocurrencias de los pequeños, y del ritmo de la cinta. La banda sonora es una auténtica delicia, y la historia, aunque se relata con idas y venidas, merece la pena conocerla y simpatizar con los turcos-alemanes que dejan su impronta, en un tema de actualidad, la inmigración, y su forma de entenderla. ¡Una deliciosa y fresca película de Yasemin!. Recomiendo visionarla.

Tráiler:


Calificación: Excelente.

sábado, 20 de octubre de 2012

Clint Eastwood - Biografía (Biography)


CLINT EASTWOOD

Hay en el cine de principios de este siglo una exagerada tendencia al abuso de sofisticadas tecnologías informáticas, dando  como resultado productos de circo visual y sonoro vacíos de contenido. Para que se produzca cine, ha de haber junto a la parafernalia informática, una mirada humana que complemente la mirada mecánica y artificiosa  de muchos films que inundan las pantallas actuales.
Esta mirada humana y húmeda es la que nos viene regalando desde hace años Clin Eastwood que es, sin ninguna duda, uno de los mayores creadores de cine de las ultimas décadas, y tiene en su haber unas cuantas absolutas obras maestras.

"No hay betún suficiente para oscurecer mi pelo, ni lija tan potente como para suavizar todas mis arrugas". Clint Eastwood

Uno de los actores y directores más destacados de la segunda mitad del siglo XX.

Tras lograr el estrellato en los años 60 en Europa gracias a su colaboración con el director italiano Sergio Leone, Clint Eastwood desarrolló una impecable carrera en Hollywood con una sobria pero penetrante capacidad interpretativa y un gran talento como autor cinematográfico.

Clinton Eastwood Jr. nació el 31 de mayo de 1930 en la ciudad de San Francisco (Estados Unidos). Creció en Oakland, en donde su padre, llamado Kimber, trabajaba en una empresa acerera. Su madre Frances Ruth se ocupaba de cuidar a Clint y a su hermana menor Jean.

El adolescente Eastwood sintió atracción por la música, especialmente por el jazz y el blues, consiguiendo aprender y tocar el piano en diferentes clubes de la localidad californiana de Los Angeles.

Además de ganar unos dólares con sus actuaciones, Clint trabajó en diversos oficios como leñador, en una gasolinera o instructor de natación para el ejército, labor que ejerció después de estrellarse su avión militar en el océano y salvar su vida alcanzando la costa a nado cuando se encontraba cumpliendo el servicio militar.

En el ejército coincidió con Martin Milner y David Janssen (posteriormente famoso por protagonizar la serie televisiva "El Fugitivo"), quienes le animaron a cursar estudios de interpretación en la Universidad de Los Ángeles.

En 1953 y a los 23 años de edad se casó con Maggie Johnson, con quien tuvo a sus hijos Kyle (nacido en 1968) y Allison (1972). Antes de que naciera Kyle, Clint tuvo una hija, Kimber (1964), en un romance que tuvo con la bailarina Roxane Tunis durante un período de separación con Maggie.

En 1956 logró debutar en el cine al aprovechar una oportunidad que le brindó la Universal.

Entre sus primeras películas (muchas de ellas sin acreditar su intervención) figuran títulos como "Francis in the navy" (1955) de Arthur Lubin, "Lady Godiva" (1955), también de Lubin, "Tarántula" (1955) de Jack Arnold o "The first traveling saleslady" (1956), otra comedia de Arthur Lubin, el director con quien más trabajó Eastwood en estas primeras y breves apariciones en Hollywood.

En el año 1959 y gracias a la televisión, Clint Eastwood alcanzó la popularidad con el personaje de Rowdy Yates, protagonista de "Rawhide", una serie del Oeste en la que participaron directores como Charles Marquis Warren, Jack Arnold, Stuart Rosenberg, Tay Garnett, George Sherman, Laszlo Benedek o Andrew V. McLaglen. La serie permaneció durante siete años en la pequeña pantalla.

Este personaje llamó la atención del realizador italiano Sergio Leone, quien con el protagonismo esencial de Eastwood creó un subgénero del western denominado popularmente "spaghetti western".




Su primer título conjunto fue "Por un puñado de dólares" (1964), al que siguieron "La muerte tenía un precio" (1965) y "El bueno, el feo y el malo" (1966), tres excelentes películas que convirtieron a Clint en uno de los actores más populares de la época.

A finales de los años 60 colaboró con otro de sus maestros en el arte cinematográfico, Don Siegel, filmando "La jungla humana" (1968), "Dos mulas y una mujer" (1969), "Harry el sucio" (1971), "El seductor" (1971) y "Fuga de Alcatraz" (1979).

El policía Harry Callahan, con sus violentos métodos de actuación, se convirtió en otro de sus personajes más reconocidos y exitosos.

Tras "Harry el sucio" llegaron "Harry el fuerte" (1973) de Ted Post, "Harry el ejecutor" (1976) de James Fargo y Allen E. Smith, "Impacto súbito" (1983), dirigida por el propio Eastwood y finalmente "La lista negra" (1988) de Buddy Van Horn.


En el año 1971 y tras aparecer como actor en populares títulos como "La leyenda de la ciudad sin nombre" (1969) de Joshua Logan o "Los violentos de Kelly" (1970) de Brian G. Hutton, Eastwood dio el salto a la dirección debutando con la muy estimable "Escalofrío en la noche" (1971), a la que siguieron en los años 70 "Infierno de cobardes" (1972), "El fuera de la ley" (1976) y "Ruta suicida" (1977), películas en la que coincidió con una rubia actriz llamada Sondra Locke, de que la terminó enamorándose, provocando el fin de su matrimonio con Maggie Johnson.

Con Sondra volvió a acreditarse en "Duro de pelar" (1978) de James Fargo, "La gran pelea" (1980) de Buddy Van Horn, "Bronco Billy" (1980) y la citada "Impacto súbito" (1983), ambas dirigidas por Eastwood.

La pareja nunca se casó. En los años 80 Clint también mantuvo una relación con la azafata de vuelo Jacelyn Reeves, con quien tuvo dos hijos: Scott (1986) y Kathryn (1988).


La relación sentimental entre Sondra y Clint terminó en 1989 debido a su romance con la actriz Frances Fisher ("Sin perdón" o "Titanic"), con la que tuvo una hija a la que llamaron Francesca (1993).

Siete años después, el director, productor y actor californiano se casó con la periodista de televisión Dina Ruiz. Con su última mujer Clint tuvo a su séptimo hijo, una niña llamada Morgan (1996).

La imagen de duro y solitario que Eastwood ofreció desde sus tiempos con Leone y Siegel se fue ensanchando en los 70 y 80 con títulos como "Joe Kidd" (1972) de John Sturges, "Un botín de 500.000 dólares" (1974) de Michael Cimino, "El aventurero de medianoche" (1982) de Eastwood, "Firefox, el arma definitiva" (1982) de Eastwood, "Ciudad muy caliente" (1984) de Richard Benjamin, "En la cuerda floja" (1984) de Richard Tuggle, "El jinete pálido" (1985) o "El sargento de hierro", también dirigidas y producidas por Clint Eastwood.

Su respetada filmografía como director conoció elogios gracias a películas como "Cazador blanco, corazón negro" (1990) y sobre todo, dos obras de primera entidad, "Bird" (1988), film sobre el músico de jazz Charlie Parker, y "Sin perdón" (1992), película crepuscular del Oeste por el que ganó el Oscar al mejor director y a la mejor película además de ser nominado como mejor actor.

Otros títulos de su filmografía son "En la línea de fuego" (1993) de Wolfgang Petersen, "Un mundo perfecto" (1993) (una de las películas de Eastwood que más reivindico. La emotiva historia de un criminal escapado de prisión y un niño al que secuestra, entre los que se forjará una preciosa relación. En un mundo perfecto serían padre e hijo. Pero este no es un mundo perfecto, y Clint lo sabe, por lo que no hay lugar para sentimentalismo barato y el relato va desgranándose trágicamente. El criminal es Kevin Costner en uno de sus mejores papeles, y el mismo Clint el encargado de darle caza, aunque no con mucho convencimiento, ya que en el fondo quiere creer en que hay bondad en el mundo), "Los puentes de Madison" (1995) (hasta esta película, el nombre de Clint Eastwood estaba asociado al macho por excelencia, a películas de hombres duros que derrochaban violencia y métodos expeditivos. Por eso sorprendió a propios y extraños cuando demostró que podía hacer un drama romántico acerca de la relación imposible de una frustrada ama de casa, interpretada por la gran Meryl Streep, en uno de las mejores actuaciones femeninas que recuerdo, y un fotógrafo del National Geographic, encarnado por él mismo. Una película llena de sutileza y lirismo contenido, que abrió paso a los posteriores dramas del director que tantos deleites nos han producido. Y una de las mejores cintas sobre el romanticismo adulto que se hayan realizado, "Medianoche en el jardín del bien y del mal" (1997), "Space cowboys" (2000), la extraordinaria "Mystic River" (2003) y la memorable "Million Dollar Baby" (2004), estas últimas bajo su dirección.

Por "Mystic River" recibió una nominación al Oscar como mejor director mientras que por "Million Dollar Baby" fue galardonado con el Oscar y el Globo de Oro como mejor director.

"Million Dollar Baby" también ganó el Oscar a la mejor película.


Además de sus facetas como actor y realizador, Clint Eastwood fundó en el año 1968 una productora cinematográfica propia a la que llamó Malpaso Productions, compone discos de jazz, posee diferentes empresas deportivas y hosteleras, entre ellas un complejo turístico de lujo con campo de golf en la localidad de Monterey County, y ocupó el cargo de alcalde entre 1986 y 1988 de la población californiana en la que reside habitualmente, Carmel.

En "Banderas de nuestros padres" (2006) y "Cartas desde Iwo Jima" (2006) ofrecía dos versiones desde diferentes perspectivas de la batalla de la Segunda Guerra Mundial que aconteció en la isla de Iwo Jima.

"Cartas desde Iwo Jima" ganó El Globo de Oro en 2007 en la categoría de mejor película de habla no inglesa. Eastwood fue doblemente nominado al premio de mejor director, pero no le fue concedido.


En 2008 dirigió "Gran Torino", película con la que consiguió una mayor recaudación en taquilla ejerciendo de director (270 millones de dólares), seguida en 2009 de "Invictus". El 21 de Enero de 2011 se estrenó "Más allá de la viva" y "J.Edgar" se estrenó en noviembre de 2011 en USA y en enero de 2012 en España.


FILMOGRAFIA DESTACADA DE CLINT EASTWOOD

Director:

EL FRANCOTIRADOR (2014) de Clint Eastwood






JERSEY BOYS (2014) de Clint Eastwood



J. EDGAR (2011) de Clint Eastwood




MÁS ALLÁ DE LA VIDA (HEREAFTER) (2010) de Clint Eastwood

INVICTUS (2009) de Clint Eastwood

EL INTERCAMBIO (2008) de Clint Eastwood


GRAN TORINO (2008) de Clint Eastwood

BANDERAS DE NUESTROS PADRES (2006) de Clint Eastwood

CARTAS DESDE IWO JIMA (2006) de Clint Eastwood

MILLION DOLLAR BABY (2004) de Clint Eastwood

MYSTIC RIVER (2003) de Clint Eastwood

DEUDA DE SANGRE (2002) de Clint Eastwood



SPACE COWBOYS (2000) de Clint Eastwood

PODER ABSOLUTO (1997) de Clint Eastwood

MEDIANOCHE EN EL JARDÍN DEL BIEN Y DEL MAL (1997) de Clint Eastwood

PUENTES DE MADISON (1995) de Clint Eastwood





UN MUNDO PERFECTO (1993) de Clint Eastwood

SIN PERDÓN (1992) de Clint Eastwood


EL PRINCIPIANTE (1990) de Clint Eastwood

WHITE HUNTER BLACK HEART (1990) de Clint Eastwood

BIRD (1988) de Clint Eastwood

EL SARGENTO DE HIERRO (1986) de Clint Eastwood

EL JINETE PÁLIDO (1985) de Clint Eastwood

IMPACTO SÚBITO (1983) de Clint Eastwood

FIREFOX, EL ARMA DEFINITIVA (1982) de Clint Eastwood

EL AVENTURERO DE MEDIANOCHE (1982) de Clint Eastwood




BRONCO BILLY (1980) de Clint Eastwood

RUTA SUICIDA (1977) de Clint Eastwood

EL FUERA DE LA LEY (1976) de Clint Eastwood

INFIERNO DE COBARDES (1973) de Clint Eastwood

PRIMAVERA EN OTOÑO (1973) de Clint Eastwood

ESCALOFRÍO EN LA NOCHE (1971) de Clint Eastwood

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Actor:

GRAN TORINO (2008) de Clint Eastwood


MILLION DOLLAR BABY (2004) de Clint Eastwood



DEUDA DE SANGRE (2002) de Clint Eastwood

SPACE COWBOYS (2000) de Clint Eastwood

PODER ABSOLUTO (1997) de Clint Eastwood

CASPER (1995) de Brad Silberling

LOS PUENTES DE MADISON (1995) de Clint Eastwood

EN LA LÍNEA DE FUEGO (1993) de Wolfgang Petersen

UN MUNDO PERFECTO (1993) de Clint Eastwood


SIN PERDÓN (1992) de Clint Eastwood

EL PRINCIPIANTE (1990) de Clint Eastwood

WHITE HUNTER BLACK HEART (1990) de Clint Eastwood

EL SARGENTO DE HIERRO (1986) de Clint Eastwood

EL JINETE PÁLIDO (1985) de Clint Eastwood


CIUDAD MUY CALIENTE (1984) de Richard Benjamin

TERROR IN THE AISLES (1984) de Andrew J. Kuehn

TIGHTROPE: EN LA CUERDA FLOJA (1984) de Richard Tuggle

IMPACTO SÚBITO (1983) de Clint Eastwood

FIREFOX, EL ARMA DEFINITIVA (1982) de Clint Eastwood

EL AVENTURERO DE MEDIANOCHE (1982) de Clint Eastwood


FIST OF FEAR, TOUCH OF DEATH (1980) de Matthew Mallinson

BRONCO BILLY (1980) de Clint Eastwood

FUGA DE ALCATRAZ (1979) de Don Siegel


RUTA SUICIDA (1977) de Clint Eastwood

HARRY, EL EJECUTOR (1976) de James Fargo

EL FUERA DE LA LEY (1976) de Clint Eastwood

HARRY, EL FUERTE (1973) de Ted Post

INFIERNO DE COBARDES (1973) de Clint Eastwood

PRIMAVERA EN OTOÑO (1973) de Clint Eastwood

HARRY EL SUCIO (1971) de Don Siegel


ESCALOFRÍO EN LA NOCHE (1971) de Clint Eastwood

LOS VIOLENTOS DE KELLY (1970) de Brian G. Hutton

LA LEYENDA DE LA CIUDAD SIN NOMBRE (1969) de Joshua Logan

COMETIERON DOS ERRORES (1968) de Ted Post

LA JUNGLA HUMANA (1968) de Don Siegel

EL DESAFÍO DE LAS ÁGUILAS (1968) de Brian G. Hutton

LAS BRUJAS (1967) de Franco Rossi, Luchino Visconti, Vittorio De Sica, Mauro Bolognini, Pier Paolo Pasolini

EL BUENO, EL FEO Y EL MALO (1966) de Sergio Leone


LA MUERTE TENÍA UN PRECIO (1965) de Sergio Leone

POR UN PUÑADO DE DÓLARES (1964) de Sergio Leone

ZAFARRANCHO DE COMBATE (1956) de Joseph Pevney